Mis estimadxs, para hoy les hablaré del que creo con certeza es de los mejores discos del 2025.

“Andariega” obra de una de las cantautoras más importantes y mágicas del país: Briela Ojeda. Nacida en Inglaterra pero críada en el sur de Colombia, en el bello Pasto. Quien se ha presentado ya en escenarios importantes del país como: El Festival Estéreo Picnic y el Festival Cordillera. También cuenta con otros proyectos musicales: Templo Komodo (su otro disco de estudio que también les invito a escuchar) y Las Mijas junto con La Muchacha Isabel.

Briela se ha consolidado como una de las artistas más representativas de la música contemporánea. A lo largo de su carrera, se ha encargado de establecer sus letras y canciones en un mundo mágico y fantástico en el que se puede habitar. Escucharla siempre es toda una experiencia esotérica rodeada de espiritualidad. Sus oyentes hablan de su música como un viaje a casa, magia pura, conmevodora y espiritual.

Andariega es un disco en el que se mantiene una propuesta similar a Templo Komodo (anterior disco de Briela). La misma intención de entregarse a la música y a los paisajes sonoros que nos ofrece, pero siento que esta vez, en Andariega, el ritmo transmite un poco más, lleva la delantera. Los ritmos andinos se apoderan del disco. Es como escuchar a la tierra y absorber su sabiduría a través de la música. Y digo esto sin quitarle valor al trabajo impecable que hace la voz y letra. Que, por cierto, Briela tiene una autenticidad en su voz y es que tiene algo muy ancestral al cantar, y eso hace que nazca de manera orgánica una conexión más profunda con los sonidos autóctonos. Casi como si su voz sirviera de puente entre lo íntimo y lo colectivo, lo presente y lo ancestral. Una espiritualidad sonora.

Andariega es un viaje, pero no físico. Para Rolling Stone, Briela manifestó: “El viaje se vuelve un estado de la mente, donde es importante ser el hogar de cada una y el lugar seguro…”

El desplazamiento pasa de ser algo físico para convertirse en una forma de ser. Da igual donde estés, lo importante es que estés en casa dentro de ti. A eso nos lleva el disco, a sentirse cómoda con una misma, a encontrarse, a abrazarse con calma, a abrazar a nuestras raíces con gratitud. Sobre todo, Briela lo transmite hacia las mujeres, a inspirarnos a construir un hogar interior seguro que esté lleno del alivio que nos arrebata la sociedad y los entornos públicos.

Ahora, mis favoritas:

Empiezo este listado con: “Abrakadabra” Canción que se lanzó semanas antes del álbum. Entre la guitarra, la percusión, las armonías vocales y el folk andino con algunos sonidos contemporáneos, va tomando forma una de las canciones más místicas y libres. Con letras como “Fe en tu feminidad”, “Curandera mi palabra”, Briela transmite una feminidad mágica y sanadora. A su vez, transmite libertad con la palabra creativa y femenina, “Ya déjame hablar, Deja mi plastilina cósmica fluir” permitiéndole expresarse sin censura ni limitación. “Para mi arte visionario de palabras fraccionarios, Que hacen mi dislexia un popurrí”, “Pero al tener telepatía me permito que sea mía toda libertad al palabrear”.

“Andina” Creo que es de las canciones más autóctonas y con más identidad del álbum. Para mí, es de las que más me hace sentir su autenticidad y su profunda conexión por sus raíces y su tierra, donde el sonido de Los Andes se hace presente con mayor intensidad y orgullo, y que, junto con el viaje interior en las letras, protagonizan la canción. Es transportarse a través del quenacho y la zampoña (instrumentos tradicionales del Antiplano Andino), a través del “Bombo y chalina” (chalina: prenda tejida de la región Andina), a otro mundo, al mundo ancestral de la música de Briela. Aunque a oído se me ha hecho difícil descifrar la letra, la voz de Briela, lo que he alcanzado a identificar de la letra y el sonido determinante, han sido suficientes para sentir su conexión cultural.

“Sakansandakan” Fácilmente ha sido con las que más he podido conectar. Lo curioso es que la canción es solo un instrumental acompañado de algunos coros suaves. Simplemente mágico. Me lleva completamente a un lugar onírico, místico, libre y etéreo. No sé poner en palabras lo que me hace sentir pero es maravilloso. La he escuchado en vivo y la experiencia no deja de ser espectacular, de hecho, creo que es aún mejor.

Para terminar: “Corazón de miel” De las más bonitas. La letra sin duda es con la que más conecté. Un corazón tierno, sensible que encontró su manera de estar y ser en el mundo. “Sol de 4 a 6” como una interpretación de un corazón intenso, efímero y cálido. Una letra que le canta a los corazones dulces pero resistentes que dejan huella en la memoria. Y que también le canta a la sanación y al amor propio desde el tono tierno de la voz de Briela y los instrumentos que la acompañan en este abrazo al corazón.

Mención honorífica a otras canciones que merecen ser mencionadas: “Lúcida” en colaboración con otra de las voces más bonitas del país: Lalo Cortés. Es preciosa, suave y envolvente. Ambas tienen una voz que logra hacernos conectar automáticamente con la canción. “Andariega” Canción que lleva el nombre del disco, y que por ende, es de las más espectaculares. Si la libertad fuera una canción sería esta; un camino guíado por la intuición, la transformación, la sabiduría y la búsqueda. Además de tener una letra espectacular. Y por último: “La cara de la ortiga — Sublime” Otro viaje entre letras oníricas, sonidos sutiles y una voz que transmite calma, también es una canción maravillosa.

Andariega nos regala una experiencia de escucha única. Canciones que trascienden y conectan profundamente con cada punto, desde la composición hasta la experiencia humana, abrazando la exploración, la identidad y la feminidad. Además de todo el trabajo que hubo detrás de este proyecto. Se puede notar la dedicación, el esfuerzo y sobre todo, el amor que Briela y todo su equipo le entregaron. Lograron hacer algo maravilloso. Por esto y mucho más considero que Andariega es de los mejores álbumes.

Briela ha demostrado tener un sonido ecléctico y versátil, siendo auténtica y determinante en sus proyectos. Escucharla es magia, es poder sentir el amor a través de cada canción. Su trabajo ha sido impecable y digno de aplaudir de pie. Briela Ojeda, una estupenda y talentosísima artista. Admiración total.

Ahí te lo dejo, pa´que no escuches siempre lo mismo y le des entrada a tus playlist a una de las artistas más importantes del país.

Gracias por leer 🩶

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Hola hola amis! Ya llevaba tiempito sin publicar algo por acá y qué rico volver con este disco tan maravilloso. Hoy, por fin, les hablaré de “Ser Lágrimas Para Ser Mar” de Víctimas de Vértigo, banda bogotana. Me emociona mucho porque fue de mis discos favoritos del año y, hasta el sol de hoy, todavía se me eriza la piel escuchándolo. Este salió en mayo, ya hace tiempito, pero nunca es tarde para enseñarlo, ni mucho menos para escucharlo.

Víctimas de Vértigo es una banda emergente de Bogotá que está conformada por 4 integrantes: Nicolás Villamizar (Voz y guitarra), Checho (Guitarra), Juan Diego (Bajo) y Esteban Montenegro (Batería). Una banda muy artística y experimental, con un repertorio de sonidos bastante amplio, teniendo influencia de bandas mayores como Radiohead, Deftones, LCD Soundsystem, entre otros.

En mi opinión, es un álbum muy completo y artístico, iniciando con que la portada y el nombre me parecen una vaina preciosa; me bastó con leer el nombre y ver esa portada tan linda para convencerme de escucharlos. Además, como les mencioné, tienen un repertorio de sonidos bien amplio, ofrecen una diversidad de sonidos que combina el rock alternativo y experimental, pasando por la electrónica, el indie rock, el noise, hasta la cumbia, agregando sintetizadores y guitarras bastante rockeras, y lo que se les atreviese por la mente. Esto da como resultado lo que Nicolás Villamizar (Vocalista) define como: “Farra pogueable”. Definición que encaja perfecto con la esencia de la banda, pues durante todo el álbum se siente un ambiente donde uno fluye con la música; por eso mismo, también considero que su nombre conecta profundamente con la atmósfera de las canciones y las letras. Realmente se siente una transición y transformación en cada canción. Uno se transporta en sensaciones de alivio y fluidez hasta ser mar. La experiencia de catarsis que siempre me genera el álbum cuando lo escucho es igual de intensa y liberadora. Es maravilloso.

Para hablar de las letras hay que destacar que tienen un tono muy melancólico y a su vez, la voz de nicolás le suma un tono cálido y libre. Como el nombre del disco ya nos puede adelantar, sus letras están basadas principalmente en la intención de fluir, de convertirse y transformar el dolor, atravesando letras de introspectiva, abrumación, sanación, superación, reflexión y algo de rabia.

Ahora mis favoritas: Está difícil la cosa, realmente es un álbum donde todas las canciones tienen algo, pero les hablaré de las más especiales para mí.

Empecemos por “Ser Lágrimas” que tiene un inicio con una guitarra acústica y una sútil voz de fondo, un sonido flotante y envolvente, donde después estalla con guitarras muy rockeras y un ambiente más fuerte. La letra refleja confusión e incertidumbre. Yo la interpreto como una insistencia en encontrar claridad, con algo de introspección. El tono de voz de nicolás y la intensidad de los sonidos refuerzan la desesperación y confusión que trasmite la letra. Es una canción muy áspera y el cambio de ambiente que tiene me parece brutal.

Seguimos con “El Ave (Cumbión)” que para mí, es de los mejores temas de la banda. Empezando por el ritmo tan soyable que se conserva durante toda la canción, añadiendo una letra que expresa una reflexión acerca de sanar heridas internas, de soltar cargas emocionales y liberarse. Cuando ya te sientes sintonizado con la canción, de la nada empieza a sonar una cumbia, y es de las vainas más increíbles que he podido escuchar. Cómo entra la cumbia después de unas guitarras estalladas y se mezcla con el ambiente que ya estaba instalado en la canción es maravilloso, y en verdad es algo que suena muy chimba. Uno siente que llega a la cúspide de la libertad. «Y Ahí va, el ave, volando, libre».

“7 de Agosto” de las canciones con más electrónica del disco. Yo no soy de escuchar electrónica, pero este tema fue la excepción y valió la pena completamente. La letra es algo melancólica, con matices de incertidumbre, de una conexión perdida y un anhelo por un encuentro. Toda la canción mantiene un ritmo muy soyable y envolvente, donde al final detona con una electrónica brutal, definitivamente un gran tema.

Por último, “Ser Mar” es una canción preciosa. El ambiente liviano y el sonido etéreo y onírico que se encierra en toda la canción te transporta y te libera. Trasmite una sensación cálida, ligera, delicada y suave. Como si al cerrar los ojos y al conectarse con el tema uno dejase de ser y se tranformara en algo más, en algo profundo, en un mar, sintiendo infinito el momento. La letra también es muy linda, se refleja un viaje emocional de introspección, sanación y búsqueda de sentido, superando adversidades del pasado y evocando libertad. Al final también detona con sonidos más fuertes, pero eso solo mejora la canción y logra mantener la misma atmósfera que se vive a lo largo de la canción, de hecho, te impulsa más a sentir la canción con mayor ímpetu y darle un buen final al disco. «Y en tus ojos puedo ver al mar profundo».

Mención especial a “Códigos” y “Afterlife”, otros temas bien electrónicos, experimentales y soyables que también suenan una chimba. ‘Códigos’ tiene un sampleo brutal al gran Jovani Vázquez y ‘Afterlife’ tiene sonidos modulados y sintéticos que son inmersivos e hipnóticos.

Para terminar quiero agregar que he tenido la oportunidad de verlos en vivo y es una vaina maravillosa, lo que trasmiten las canciones cuando las escuchas en los audífonos se triplica en los toques, el show de la banda es brutal, sumándole la energía del público y de la banda también, generan que se viva con mucho rigor el momento. Si tienen la oportunidad de ir a uno de sus toques, no la desaprovechen, es una experiencia sublime.

Y ya por último, la experiencia de escucha que me ha regalado este disco es una vaina maravillosa, uno transita en cada canción, en cada ritmo, en cada letra. Son muy pocos los discos que al escucharlos completos mantienen ese ambiente, al menos con la misma intensidad de principio a fin, pero este sin duda lo ha logrado, y todavía lo hace. Es trascendental, profunda, hipnótica, tridimensional y podría seguir agregandole sinónimos porque lo que genera es una oleada de sensaciones libres e intensas. Te da vida, te hace sentir vivo y qué más mágico que un álbum logre eso con cada canción. Es hermoso.

Ahora sí, quedó larguito pero hablar de este disco es algo que me conmueve mucho. Espero se animen a escucharlo y se den la oportunidad de vivir algo tan lindo que nos regala la música. Eso sí, antes de escucharlo deben tener la disposición de dejarse llevar con él, estar predispuestos a trascender y soyárselo. O solo disfrutarlo.

Ahí te lo dejo, pa´ que no escuches siempre lo mismo y le des voz a lo que no se puede expresar.

Gracias por leer 🩶

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Buenas! Hoy les hablaré de un disco hecho por una cantautora colombiana, fabricado en la ciudad de Bogotá. Disco que me emociona mucho y me conmueve porque es uno de mis favoritos y además ha sido de aquellos que me ha llegado a fibras sensibles y me ha tocado el alma. Aquellos que uno siente que los escuchó en el momento exacto que trascienden tanto que sanan y duelen con la misma intensidad.

Álbum “debut” que es fruto de Paula Pedraza, más conocida como Paula Pera y El Fin De Los Tiempos; y todo un equipo detrás que la acompañan en las voces, batería, guitarra acústica, entre otros. Producido por Molo Díaz.

‘Fin De Los Tiempos’ es un retrato de la vida adulta y todo lo que esta conlleva. En él no se pinta una narrativa del todo pesimista respecto a la adultez, pero sí se reflejan todos los mátices que son inevitables al llegar a esta nueva etapa, donde tienes que aceptarla y afrontarla con lo que tienes y con lo que ella traiga. Es por esto que las canciones están llenas de reflexiones de hacia dónde va la vida, de incertidumbres y dudas, pero también con algo de comodidad y madurez frente algunas situaciones. Esto acompañado de sonidos del dreampop, de reverberación, baladas y sonidos suavizantes, oníricos y etéreos.

Hablando un poco más de las letras, el corazón se me aflige porque más de una letra me ha hecho inundar en lágrimas. Una combinación entre sentirse reconfortado pero con la lágrima a flor de piel. Son como un abrazo sútil, que te susurran los problemas (a veces cotidianos, a veces inusuales) que tenemos; como si el caos que llevamos dentro pudiese de alguna forma convertirse en palabra, convertirse en refugio. Esto hace que el álbum se perciba de manera muy bonita, porque Paula captura el dolor y le agrega alivio, le agrega consuelo y desahogo, sin dejar de lado el sufrir, pero sí quitándole un peso. Es como si el dolor se trasladara de uno por un instante, como si tuviera un lugar donde ir y refugiarse, y que ese lugar no sea en nosotros mismos, generando liviandad y a la vez dolor, casi que al mismo nivel.

Ahora mis favoritas: Para empezar tenemos a ‘Amigos Por Montón’ canción reverberada y onírica, que plantea la importancia de sentirse en el presente. Amigos que ya no están como metáfora de todo lo que un día estuvo y ya no lo está más, pero que al final del día ya no importa porque el dolor, los miedos, las amistades pasajeras, el tiempo y los cambios son inevitables y luchar con lo inevitable es embalarse. Lo importante es salir adelante con lo que nos quede en las manos, con los anhelos y recuerdos, pero estando en el aquí. Una canción que abraza el afán y la ansiedad que nos acompaña.

‘Los Domingos’ retrata con mucha exactitud cómo se siente un domingo en la tarde, donde el paso del tiempo, los cambios, el futuro y la soledad pesan más, pero reflexionando que después de todo, la vida pasa.

‘Ojos de Cielo’ De las más bonitas y tristez del disco. Paula le escribió esta canción a su abuelita y en ella habla de su recuerdo y todo lo que le genera; paz, amor y un anhelo de reencuentro. Mis frases favoritas son ‘Mi corazón va donde estás tú’ y ‘Tu recuerdo será mi paz’. De por sí la letra completa es una absoluta preciosidad. Canción que llega al alma para quienes alguien nos hace compañía desde arriba con sus ojos de cielo.

‘Ma-Pa’ Para mí, es de las más especiales y también de las más nostálgicas. Aquí se torna un panorama oscuro invadido por las dudas, la confusión, los miedos y la decepción, donde se siente tan desorientada y desesperanzada que vuelve a ese espíritu de niña buscando el consuelo de los papás. La canción también refleja una lucha interna acompañada con la desilusión y una crisis emocional en la que intenta hallar dirección y aliento en medio de la angustia.

Y ya por último, ‘Se Trata de Estar’ es como una continuación de ‘Amigos por Montón’ y al igual que esta, está bañada en sonidos cálidos y oníricos. Aquí Paula aborda temas de soledad, de autodescubrimiento y de la importancia de vivir en el presente. A través de la introspección y el redescubrimiento de los propios sentimientos uno puede encontrar un sentido de paz y comprensión. Esta es como una voz de aliento para escuchar aquellos días donde el mundo se siente grande, la cabeza se satura y el tiempo parece que se agotara.

Dense la oportunidad de sentirse acompañados y refugiados en medio de la angustia. En verdad es un álbum que abraza nuestros puntos más débiles y con ellos tranza un camino algo esperanzador, sin pintar un optimismo tóxico, solo abordando la realidad tal como es, pero con algo de consuelo.

Ahí te lo dejo, pa´ que no escuches siempre lo mismo y le des voz a lo que no se puede expresar.

Gracias por leer 💙

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Buenas! Hoy les traigo otro disco hecho en la ciudad de Bogotá. Esta vez le toca al rock bogotano con la banda ‘Casi’, proyecto musical de Juan Antonio Carulla, también conocido como ‘El Enemigo’. En él lo acompañan Antonio Urdaneta (artista, productor y guitarra en la banda), Felipe Garay (bajista), Jhon López (batería) y Haru (guitarra en vivo).

En el mes de mayo salió ‘Nunca Nada Fue Peligroso’: un disco que ofrece un sonido de rock bogotano para poguear mientras que uno le para bolas a la letra y se siente identificado con la situación, o por lo menos eso fue lo que yo sentí y siento cada vez que lo escucho.

Juan Antonio vive en la ciudad de Bogotá, y en las letras se ha encargado de plasmar situaciones o experiencias que todos alguna vez hemos vivido. Sé que un bogotano relacionará una o dos canciones con algo que vivió en la ciudad, por ejemplo: si usted alguna vez presenció un robo o estuvo cerca a uno, y después llegó a su casa con una amarga sensación, escúchese: ‘Ese También Pude Haber Sido Yo’. Y así con otros temas que seguramente asociará con algo similar que vivió.

Cuando escucho el álbum es inevitable no ambientarse con él; la tónica de las canciones y de los instrumentos generan una atmósfera muy bacana y la mantiene en cada canción. Para mí, el entorno que encaja perfecto para escuchar el disco es en un TransMilenio, en un SITP o en cualquier medio de transporte público.

Mis favoritas se la llevan ‘Ciudad Latinoamericana’ canción que destaca los contrastes entre la riqueza y la pobreza, problemas que enfrentan sus habitantes haciendo el uso de métaforas para representar las condiciones precarias, la lucha constante, la falta de recursos económicos, problemas sociales, de explotación y de drogas, entre otros. Juan Antonio logra capturar muy bien en esta canción lo que es realmente vivir en una Ciudad Latinoamericana.

‘El Intelectual’ también es una de mis favoritas, aquí se habla de un man pretencioso y presumido que aparenta ser lo que no es, que pretende dárselas de interesante a base de mentiras volviéndose hipnótico, pero que al final uno sabe que es puro cuento. Para este tema, Juan Antonio tomó referencias de la canción de Paramore ‘Big Man, Little Dignity’ del disco ‘This Is Way’.

‘Escombros’ también entra en mi top y creo que es mi favorita de todo el álbum. Juan Antonio retrata la historia de un man que se enamora de una chica y se forma una atmósfera muy romántica dentro de un metro en bogotá, pero que al final resulta ser un sueño porque ni la chica existe ni el metro en bogotá tampoco, y el man al despertar solo ve los escombros de las obras del metro por la Caracas.

Vayan y lo pillan, rocksito bogotano para parcharse con los audífonos y el ritmo acelerado y agotador de una ciudad. Espero les guste y se guarden una canción en la playlist.

Ahí te lo dejo, pa’ que no escuches siempre lo mismo. Gracias por leer 💙

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Hoy vengo a hablarles de ‘El Profesional’ el álbum solista reciente de Santiago García (El Profe), músico y productor bogotano, también vocalista de Nicolás y Los Fumadores.

Este es un disco acústico que está acompañado por un sonido distintivo y letras profundas creando una átmosfera melancólica pero liviana. Es un álbum muy limpio y sofisticado, permitiendo que la guitarra brille sin eclpisar la voz de Santiago manteniendo un equilibrio casi que perfecto entre lo acústico y su voz, y así nos ofrece una experiencia auditiva envolvente. En lo personal, me es muy fácil conectar con la música de Santiago, no solo por sus letras, sino tambíen porque su voz trasmite un ambiente muy ligero, de tranquilidad y liviandad.

Hablando un poco más de las letras, es notorio que uno de los fuertes de el profe han sido las letras, aunque hace años Santiago no lo veía así. De hecho hace poco fue entrevistado en El Enemigo y mencionó:

…Yo me sentía completamente incapaz de escribir una letra, y eso cambió hasta que empecé a hacer canciones con Los Fumadores.

(ahí les dejo la entrevista para que vayan y la pillen) https://www.youtube.com/watch?v=0oDsXFJCp28&t=721s

La letra brinda una narrativa crítica hacia la adultez en un tono reflexivo. Logra capturar emociones complejas y plasmarlas en sus letras haciendo que resuene en el alma a un nivel personal, y por lo mismo consigue que como óyentes podamos darle un valor íntimo a cada canción.

En mi opinión es un disco muy cómodo de escuchar, son sonidos livianos para el ritmo pesado de lo mundano. Lo que logra trasmitir es una vaina muy bonita donde uno llega a un punto de alivio y consuelo. Mis favoritas se la llevan ‘Voluntad’, ‘Apio en las Nubes’, ‘Sé Caer’ y ‘No Trasnoches Tanto’.

El disco ya salió hace unas semanas pero nunca es tarde para escucharlo! ahí te lo dejo, pa´que no escuches siempre lo mismo y puedas encontrar entre una guitarra y una voz sútil aquellas emociones, pensamientos o situaciones difíciles de expresar.

Espero les guste o al menos se guarden una canción en la playlist ;) Gracias por leer 🩶

Aquí te dejo el link del álbum en spotify! 💽 https://open.spotify.com/album/4ahzZIpCshzdfqZg0tz47a?si=06KsRwGnTYqKbt652FZ8IA