O álbum em si transborda referências profundas, não apenas sobre as reflexões pessoais de Baco, mas também 3 principais assuntos de referência: a espiritualidade — um tema clássico do artista (vide seu nome), a musicalidade — com uma menção especial aos elementos de jazz que se alinham muito bem com as emoções que se quer provocar nas faixas — e as menções do artista ao tema que particularmente tem meu amor desde o colégio: autores da literatura classica brasileira, em principal meu favorito, Jorge Amado.

O álbum começa explorando o caos interno numa crescente, e, como em todos os interlúdios, o artista explora essa conversa entre o terapeuta e o paciente, porém sem seguir um padrão. O que se mantem entre os interlúdios é apenas o terapeuta, enquanto o paciente alterna á cada “sessão”, e os diálogos esmiuçam, em principal, o tema que será debatido nas faixas seguintes. Os quatro blocos se dividem em, respectivamente:

1- Galo de Briga: a raiva, a fúria, a agressividade, e em como isso é, de certa forma, uma catarse; limpeza de dentro pra fora de tudo que seria ruim para dar lugar á possibilidade de um renascimento, como uma fênix.

Nessa primeira parte o artista transita para além da agressividade e violência, mas os próprios conceitos históricos do nosso país, heranças da escravidão para o povo negro, e como isso criou um rastro até os dias atuais na existência de seus descendentes. Quando ele diz “até espancar me causa trauma […] esse ódio não é meu, ele foi me dado”, é como se dissesse que mesmo sendo obrigado á reagir de forma bruta, talvez não seja seu desejo real. A faixa “Gladiadores de Areia” segue uma crescente no instrumental de jazz, se tornando caótica e poética, assim como a letra. Em “Romance Latino” o artista vem com uma musicalidade mais disco/dance, em colaboração com Teto, e traz um toque de leveza pra essa primeira fase do álbum, que é bem densa.

2- Hasos: a espiritualidade, os orixás, a fé e como ela pode nos sustentar quando passamos pelo insustentável.

Baco Exu do Blues, como seu próprio vulgo já diz, sempre trouxe muito forte em sua arte, a espiritualidade e sua relação com os orixás, e como a religiosidade pode ser um refúgio em momentos de dor e aflição, como ela pode nos curar de dentro para fora através do divino. Particularmente, a forma que o artista traz esse assunto nas suas obras é sempre linda, tanto nos elementos musicais (quando inclui trechos de pontos) e quanto quando fala sobre os rituais, costumes e o papel que cada orixá mencionado tem.

Em “Mar de Guerra”, Baco traz um compilado de referências ao eterno e inigualável Jorge Amado. Outras faixas possuem menções ao autor, mas essa em especial é praticamente uma homenagem completa ás obras eternas dele. É interessante pois o autor também tem essa mesma caracteristica nas suas obras: descrever os costumes, tradições e práticas das religiões de matriz africana, sempre com esse olhar sensível e extremamente poético sobre, além de contar a história numa perspectiva que vem do povo, dos que construiram o verdadeiro Brasil.

3- Pai Nosso Que Está no Céu: a morte, o luto e a profunda falta de quem partiu.

Nesse “capítulo” o artista reflete sobre a morte e o luto de forma profunda. Acredito que quem já viveu a dor de perder alguém que ama consegue compreender cada palavra dita nesse interlúdio, e na faixa que o sucede. “Raiva da Morte” é como um monólogo consigo mesmo onde explora, pra além dos sentimentos de tristeza, dor e abandono, a própria raiva que se sente do universo sobre a perda. De fato, o luto é um sentimento que provoca inúmeras sensações que apenas são compreendidas se for experienciado, e em todos essas questionamentos e reflexões que ele traz nessa parte do álbum é possível sentir. Sentir o peso de cada palavra dita ao próprio artista, mas também correlacionar com os próprios lutos pessoais que nós (ouvintes) vivemos.

Para além das letras, a musicalidade, os arranjos e os elementos que compõe as faixas “Pequeno Príncipe” e “Que Eu Sofra”, com participação de Zeca Veloso, é um espetáculo a parte que compõe e amarra lindamente todo tema, provocando emoção e finalizando com uma energia bem diferente da primeira fase, mais melancólica e menos enérgica.

4- Síndrome do Herói: a autossabotagem, a (re)tomada de consciência sobre si, o acolhimento e, de certa forma, como ás vezes se conformar diante de algumas situações também pode ser libertador.

Quando se aceita que algo não vai mudar, ou que alguma relação não vai pra frente, isso pode libertar o sentimento que antes aprisionava. Na minha análise, apesar do interlúdio, vejo as 3 últimas faixas como uma continuidade do enredo trazido em. “Que Eu Sofra”. As três, respectivamente, passam entre a falta (“Assassinos de Saudade” part. Vanessa da Mata), o processo da conformidade do fim (“Sertão Sem Flor” part. Ivyson) e, por fim, a aceitação da realidade (“Um Pouco” part. Carol Biazin) seguida de uma nova perspectiva “[…] mal posso esperar pra morrer de amor de novo [..]”.

Por fim, posso dizer com tranquilidade que Hasos vem como mais um clássico atemporal do artista para compor seu repertório, junto de ‘Esú’ (2017), ‘Bluesman’ (2018) e ‘QVVJFA?’ (2022).

Os dados de análise da indústria musical, considerando as paradas de sucesso global e análise de métricas nos streams e plataformas de música digitais, como a Billbord Hot 100 ou Chartmetric nos EUA, ou BPI (British Phonographic Industry) no Reino Unido, aponta uma clara mudança de preferência e de retorno em relação ao cenário musical dos anos 80 aos dias atuais: em 1994, por exemplo, o percentual de bandas no Top 10 global era de 30%, e hoje, esse número está próximo de zero.

Já no Brasil, podemos observar essa tendência de consumo através dos gêneros musicais dominantes de cada época, e, de acordo com a Pró-Musica Brasil, hoje o formato predominante nos charts nacionais são de 7 a cada 10 faixas (70%) no Top 10 sendo de Artistas Solo ou Dupla, e em contrapartida, as bandas ocupam menos de 1% nas listas de Top 50 em 2024. Em 2005 as bandas ocupavam cerca de 30–40% das top vendas de CDs e DVDs, de acordo com os ‘Artistas Mais Certificados’ pela ABPD (antiga Associação Brasileira dos Produtores de Discos, hoje Pro-Música Brasil), mostrando uma significativa queda de consumo nas décadas seguintes com suas mudanças técnologicas.

Esses dados nos mostram ao que o público têm dado preferência no consumo hoje e por que Os Garotin são um fenômeno fora da curva: o grupo, que mistura elementos de R&B, Soul, MPB e um toque de Pop, foi formado em 2023 e, em menos de 2 anos tendo somente 1 álbum lançado (“Os Garotin de São Gonçalo” 2024) e algumas EPs, já somam mais de 1 milhão de ouvintes e 100 milhões de streams somente no Spotify.
O currículo da banda conta com a faixa ”Nossa Resenha” (part. Caetano Veloso) como parte da trilha sonora da novela das 21h “Vale Tudo”, um Latin Grammy na categoria “Melhor Álbum de Pop Contemporâneo em Língua Portuguesa” e apresentações em grandes e renomados festivais como Rock in Rio, The Town e Rock The Montain.

Agora, a banda inicia sua própria turnê em diversas cidades no Brasil, provando o quanto é sim importante acompanhar as tendências, porém ter um excelente branding e um “produto” (no caso, sua musicalidade) diferenciado é sim capaz de deixar sua marca única e torna-lo uma referência (e até fenômeno) em meio á um mercado tão saturado, trazendo a visibilidade e resultados que fogem do padrão atual.

E vocês já ouviram falar de Os Garotin? Vale a pena conhecer!

#osgarotin #musicabrasileira #mercadomusical

Acompanhando os últimos trabalhos, por exemplo, de Duquesa, MC Luanna e Ebony, — e não só elas, mas também diversas outras mulheres da cena — os trabalhos femininos no rap estão evidenciando o que é de fato a excelência na entrega: rimas pesadas, musicalidade, visual e conceito autênticos. Tudo isso bem amarrado e alinhado com a persona de cada artista e seu diferencial, mas trazendo um mesmo ponto em comum (que o hip-hop nacional há alguns bons anos vêm sentindo falta): a vivência feminina, que identifica e representa seu público.

A excelência do “Novo Testamento” da AJC vai pra além da autoridade de reconhecer e saber aplicar de maneira inovadora suas referências das raízes do hip-hop e os clássicos dos anos 2000, mas, principalmente, em alinhar todo seu discurso, identidade e conceito com o que realmente conversa com seu público: essas vivências.

Falar sobre a diferenciação e valorização das minas na cena é falar sobre representatividade, ecoar vozes e compartilhar experiências em comum e é isso que garante, para além da repercussão, a venda junto a todo o restante: seu público compra essa identificação, e faz questão de apoiar na prática o que antes não era tão visualizado (ou ao menos não tão acessado) com destaque.

Quando AJC fala diretamente com seu público e compartilha suas experiências, como seus questionamentos em “O que a Julia vai ser?” — refletindo sobre o que é necessário pra uma mulher se destacar no seu trabalho sem se objetificar ou vender sua ética, e concluindo que deseja seguir sua própria verdade — ou em “Fiel a mim” que, apesar de todas as tentativas externas de limitar sua persona e sua personalidade, ela segue sendo fiel á si mesma — arriscando suas fichas no que acredita e prosperando através disso — milhares de mulheres se sentem representadas e mais fortes á encarar todos os percalços que envolvem ser mulher na sociedade e no rap, sem deixar de mencionar em todas essas reflexões o recorte de negritude que não pode — e nem deve — ser desatrelado de toda essa mensagem.

AJC não é somente uma rapper em ascensão e empresária fenomenal por saber como vender um produto e um conceito, mas, principalmente, por trazer junto disso sua representatividade de mulher que sustenta o que é e o que acredita em um meio (ainda) tão machista.