Arion – El Blog Para El Baterista

Independencia Con Polirritmias

Ya antes hemos hablado de las polirritmias (click aquí), de hecho tenemos 3 artículos sobre ello, pero esta vez quiero utilizar este concepto para darles unos ejercicios de independencia, que incluso nos van a ayudar a comenzar con ejercicios para tocar djent (del cual ya también tenemos un artículo, click aquí).

Ejercicio 1

Para el primer ejercicio vamos a tocar un ritmo básico de 4/4 en las manos, el crash se mantendrá en negras mientras que la tarola nos dará un backbeat en los tempos 2 y 4, el reto viene al agregar el bombo, ya que este tendrá un valor de octavos con puntillo, o lo que es lo mismo, de tres dieciseisavos, por lo que se producirá una polirritmia de 3 vs 4. Si quieren complicar un poco más este ejercicio, algo que pueden hacer es contar los beats del compás, esto parece fácil, pero realmente se vuelve algo complicado, sobre todo porque el bombo nos va a jalar a una frase en 3/4.

Ejercicio 2

Para el segundo ejercicio tomaremos la misma polirritmia y todo será de manera similar, la diferencia en este ejercicio estará en el bombo, ya que en lugar de dar la primer nota de cada grupo de 3 daremos las 2 primeras, esto aunque parece simple, complica mucho el ejercicio, de nuevo, si quieren complicarlo un poco más, pueden contar los 4 beats del compás.

Ejercicio 3

Para el tercer ejercicio tomaremos el mismo concepto que en los anteriores, pero en esta ocasión haremos una polirritmia de 5 vs 4, tocando el bombo cada 5 dieciseisavos, si se fijan en ambos ejercicios, la polirritmia de 3 vs 4 desplaza el bombo un dieciseisavo hacia atrás, mientras que la polirritmia de 5 vs 4 desplaza el bombo un dieciseisavo hacia adelante.

Ejercicio 4

Para nuestro ultimo ejercicio utilizaremos de nuevo la polirritmia de 5 vs 4, pero esta vez modificaremos un poco la frase que va en 5, tocando un patrón u ostinato en el bombo de octavo y octavo con puntillo, que en la frase de 5 dieciseisavos seria lo equivalente a tocar la primer y tercer nota, al igual que en el segundo ejercicio, a pesar de parecer una modificación bastante simple, esto complica mucho el ejercicio, por lo que deben comenzar lento y muy a conciencia de dar las notas con precisión.

Como recomendaciones finales: cuenten a la hora de tocar, esto genera una mejor conciencia del tempo, estudien con metrónomo, comiencen lento y poco a poco vayan aumentando la velocidad, recuerden que debemos priorizar la claridad y precisión sobre la velocidad.

Les recuerdo que pueden dejar sus opiniones, dudas y sugerencias en la sección de comentarios, así como también pueden seguirme en mis redes sociales para estar enterados de nuevos artículos, los links directos los pueden encontrar en la sección de “CONTACTO”.

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Grooves Con Fraseo Lineal

Anteriormente ya les había hablado acerca de el «FRASEO LINEAL» y como funciona, hoy quiero retomar un poco ese tema, solo que en esta ocasión les quiero dar una forma más musical de utilizarlo o aplicarlo, es por eso que quiero mostrarles algunos grooves con este concepto, y como saben, les iré explicando como funciona cada uno.

Para el primer groove, lo que vamos a hacer es tomar un compas de 4/4 y rellenarlo con dieciseisavos, acentuando los que coinciden en los tempos 2 y 4, los demás los repartiremos y orquestaremos por toda la batería, respetando los acentos en la tarola para dar ese backbeat que haga sentir estable el groove. Aquí podemos notar 2 cosas: una es que en ningún momento estamos tocando dos instrumentos al mismo tiempo, es decir, la tarola o bombo nunca coinciden al unísono entre si o con cualquier otra cosa, como suele pasar en los grooves comunes; la segunda es que para que se sienta y escuche un poco mas dinámico, en el tercer tempo volvimos los primeros 2 dieciseisavos en 4 treintaidosavos.

Para el segundo groove haremos el mismo procedimiento, solo que esta vez tendremos el backbeat en el tercer tempo, esto va dar una sensación de que estamos a «Half Time». En este groove quise enriquecer un poco más añadiendo más subdivisiones y apoyaturas.

Recuerden que ningún instrumento debe sonar al unísono y que deben respetar el acento del backbeat para que se sienta como un groove y no como un fill.

Para el tercer groove lo haremos sonar un poco más funk, esto lo haremos desfasando el backbeatk del tempo 2 al contratiempo del mismo.

Como pueden notar aquí hay una forma distinta de analizar el groove, ya que aquí hacemos uso de los grupetos, estamos basándonos en dieciseisavos y si analizamos la partitura en pequeños grupos (grupetos), podemos notar como este compás esta dividido en 6 + 6 + 4 / 16, el primer grupo de 6 termina con los primeros dos bombos, el segundo abarca del primer acento hasta el segundo bombo a partir de este punto, y el tercer grupo comienza con el acento de la tarola y termina hasta el final del compás, en este tercer grupo podemos notar la particularidad de que los 2 dieciseisavos de en medio los volvimos un tresillo de dieciseisavo.

Para nuestro último groove vamos a utilizar de nuevo el concepto de grupetos, solo que esta vez lo aplicaremos a un compás irregular, mas específicamente a uno de 9/8, este concepto de los grupetos es muy útil para entender las métricas irregulares, también ya hice un artículo al respecto (click aquí).

Primero, hay que definir una unidad de valor en la que nos basaremos, en este caso dieciseisavos, y luego hay que formar una serie de grupetos que nos den como resultado si los sumamos, el total de dieciseisavos que tiene nuestro compás, en este caso es un 9/8 por lo que tendrá 18/16, y los grupetos que usaremos serán 7 + 5 + 3 + 3. Ya que tenemos esto definido, el siguiente paso será decidir donde estará el backbeat, en este groove lo puse al principio de el grupo de 5 y del segundo grupo de 3. Ya que tenemos todos estos pasos cubiertos lo siguiente será desarrollar pequeñas frases que equivalgan al valor del grupeto, respetando el backbeat, recuerden que esto lo hace sentir como groove y no como un fill.

Con la información que les acabo de dar traten de analizar el groove e identificar solos estos puntos que mencione anteriormente.

Nuestro groove quedaría de la siguiente manera:

Como pueden notar, el fraseo lineal nos va a ayudar a hacer grooves diferentes con un sonido más funk, espero que estos ejercicios les funcionen para aumentar su creatividad, sus recursos y que los inciten a explorar cosas nuevas.

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El Arte Del Jam

¿Alguna vez han escuchado el termino «JAMEAR«? Pues no es otra cosa más que improvisar.

Cuando alguien te propone hacer un jam, lo que te esta diciendo es que quiere improvisar un poco, pero a pesar de que podría sonar sencillo, puesto que se puede dar por entendido que solo es tocar lo que se nos ocurra en el momento, esto no es del todo cierto, el jam tiene su chiste y en este artículo les quiero hablar un poco acerca del arte de hacer un buen jam.

Drumming: 10 Reasons Why You Should Learn | Normans

Primero que nada debemos entender que un jam no es del todo improvisado, pero debo explicarlo mejor, si bien, si es una improvisación como tal, es decir, algo que no esta previamente ensayado y planeado, esto no significa que si nunca hemos practicado las polirritmias, por decir un ejemplo, nos va a salir una polirritmia por arte de magia a la hora de improvisar.

El improvisar se basa más bien en el hecho de utilizar nuestro vocabulario musical de una manera espontanea, sin ninguna clase de preparación. Para poner un ejemplo más claro, podríamos dividir los recursos musicales en dos grupos, los que tenemos dominados y los que aun nos son complicados de tocar. En el primer grupo estarían todas esas cosas que podemos tocar sin pensar en ello, es decir, que salen de manera natural sin ninguna clase de esfuerzo. Mientras que en el segundo grupo tendremos todas esas cosas que no podemos tocar sin ensayarlas un poco antes de intentarlo, y en un jam vamos a ocupar únicamente el primer grupo.

The Drum Experience - Benefits of Drumming

Cuando estamos improvisando no tenemos tiempo de ensayar nada para prepararlo para ese jam, por lo que si aun no dominas los tresillos, no es recomendable que los ocupes en un jam.

Después de haber dado esta explicación, me parece que se vuelve un poco obvio el como lograr un buen jam, pero aun así voy a dar algunos puntos clave para que quede todo más claro.

Expandir el vocabulario musical

Puede ser una imagen de cimbal e interior

Como ya lo mencione anteriormente, el improvisar solo es utilizar nuestro vocabulario musical de forma espontanea, y mientras más amplio sea mejor seremos en un jam.

Es importante que estudiemos conceptos hasta el punto en que podamos tocarlos de manera automática y sin necesidad de pensar en ello, pueden estudiar sticking, polirritmias, independencia, rudimentos, y un largo etcétera, una vez dominados esos conceptos un buen ejercicio seria el de simplemente improvisar un poco con ellos.

Musicalidad

Este punto es muy importante, de nada nos sirve tener un vocabulario musical muy amplio si a la hora de aplicarlo suena como un ejercicio o sin chiste. Es muy importante el saber aplicarlo de forma musical de una manera que se escuche bien.

En este punto quiero hacer énfasis en el hecho de que un jam no significa que tenemos que tocar todo lo que sabemos en ese momento, como ya lo dije anteriormente, el vocabulario musical son recursos que nos van a ayudar a desarrollarnos en el instrumento, pero esto no significa que debemos usarlo todo en cada improvisación. Esta musicalidad se logra escuchando mucha música.

Escuchar

Este punto va muy de la mano con los anteriores, sobre todo con la musicalidad. Es importante que escuchemos a los demás músicos con los que estamos tocando, de esta manera podemos saber de que forma responder, y si a esto le sumamos un amplio vocabulario y musicalidad, tendremos los recursos necesarios para hacer un jam que vamos a disfrutar.

Conclusiones

Cha'ak'ab Paaxil: Festival de Improvisación Libre, Free Jazz y Noise | Museo de Arte Contemporáneo Ateneo de Yucatán MACAY Fernando García Ponce

Como conclusión y últimos consejos les puedo decir que vean la música como un lenguaje, ya que tiene sus propias reglas y nos ayuda a expresarnos, de la misma forma un jam se volvería una conversación, por lo que el escuchar es importante para poder responder, la musicalidad se vuelve la coherencia en la conversación, es decir, si alguien te cuenta que le acaban de pagar la quincena, no le vas a responder «A mi me gusta comer pollo», no hay coherencia alguna con eso y por último el vocabulario funciona igual que en una conversación, mientras más palabras conocemos mejor podemos expresarnos.

También es importante que recuerden que la música no se trata de una competencia, por lo que siempre hay que tocar en pro la música y no tratar de demostrar que somos mejores que alguien más.

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5 Pasos Para Desarrollar Fills

Muchas veces nos pasa, sobre todo cuando vamos empezando, que ya no sabemos como hacer nuevos fills o que repetimos los mismos una y otra vez, es por eso que en este artículo les quiero dar «5 PASOS PARA DESARROLLAR FILLS».

Antes de comenzar quiero dejar en claro que este no es ni el mejor método ni el único, simplemente es uno más de los muchos que puede haber, no existe un método ideal, solo existen diferentes opciones y debemos encontrar la que mejor nos funcione. Una vez dicho esto, comencemos.

Paso 1

Lo primero que haremos será definir una subdivisión, en este caso tomaremos dieciseisavos, por lo que tendremos 16 notas dentro de nuestro compás de 4/4.

Paso 2

Para el segundo paso lo que haremos será una frase, de esta manera sonara mas interesante y musical que si solo tocamos dieciseisavos constantes. Por ejemplo esta frase, un poco sincopada.

Paso 3

Una vez que ya tenemos nuestra frase hecha vamos a agregar algunos arreglos para hacerla sonar mejor, en este caso tomaremos los primeros 4 dieciseisavos y los volveremos un six stroke roll, esto es, el segundo y tercer dieciseisavos los tocaremos con golpes dobles. Tomaremos el cuarto dieciseisavo del segundo tiempo y el primero del tercero y los volveremos un tresillo de dieciseisavo, de esta manera contrastamos la parte binaria con figuras ternarias. Por ultimo, los últimos 2 dieciseisavos los volveremos 4 treintaidosavos, dando así un final más enérgico.

Paso 4

Para el cuarto paso añadiremos dinámicas al fill, esto lo hará sonar aun más interesante que si solo lo tocamos de forma plana. Agregaremos un acento en la primer y última nota del six stroke roll y uno más en la nota después del tresillo, y nuestros roles (en el six stroke roll) los volveremos ghost strokes.

Paso 5

Para nuestro último paso lo que haremos será añadir la orquestación, en nuestra primer figura, es decir el six stroke roll, tocaremos el primer acento en el tom de piso y el segundo en el primer tom de aire, los ghost strokes permanecerán en la tarola. En nuestra segunda figura dejaremos el octavo en la tarola y el tresillo lo tocaremos con el bombo, a altas velocidades esto puede ser complicado, por lo que esta pensado para tocarse con doble pedal, si no tienen uno podemos hacer una variación tocando las 2 primeras notas del tresillo en el tom de piso y la tercera en el bombo. Nuestra tercer figura quedaría tal cual esta, en la tarola. Por ultimo nuestra cuarta figura la orquestaremos con el primer octavo en tarola y los treintaidosavos quedaran, 2 en el primer tom de aire y 2 en el tom de piso, quedaría de la siguiente forma.

Como pueden ver, se transformo de un simple fill en dieciseisavos o una frase sencilla a uno con más dinámica, cambios de subdivisión y sobre todo más interesante. Pueden utilizar este método para mejorar un poco algunas ideas que tengan guardadas.

Recuerden que para ensayar estos ejercicios hay que comenzar haciéndolo lento, además lo pueden ensayar alternando entre un compás de ritmo y uno de fill, 2 y 2, 3 y 1, 7 y 1, etc.

Esto fue todo por este artículo, espero que les ayude a desarrollar nuevas ideas para sus fills e incluso para nuevos grooves.

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¿Armonía Para Bateristas?

Como bateristas estamos acostumbrados a tocar de manera rítmica o a solo saber sobre rítmica y métrica pero, ¿Y la armonía? ¿Es realmente importante para un baterista? ¿Para qué nos sirve?. Tal vez te hagas estas y algunas otras preguntas cuando se trata de la armonía, desde mi punto de vista si es algo muy importante y te voy a explicar porque.

Primero que nada debemos entender que como me decía un maestro, «no hay que ser un baterista que toque música, hay que ser un músico que toque batería». Con esta frase el se refería a que a la hora de tocar debemos de hacerlo en función de la canción y para enriquecer la música no para demostrar que somos los mejores bateristas, y esto es un punto muy importante por el cual quiero comenzar, ya que de aquí podemos llegar a una conclusión obvia. Si nosotros buscamos ser músicos, hay que tomar en cuenta que la música no solo es rítmica y métrica, esa es solo un tercera parte, la música esta conformada por «RITMO, MELODÍA Y ARMONÍA».

Bajo (armonía musical) - Wikipedia, la enciclopedia libre

Si ya entendimos esto, ahora tenemos una idea más clara de porque es importante el saber armonía, aunque aun puedes estar pensando «estoy de acuerdo pero, de eso se encargan los instrumentos armónicos y melódicos» y tienes razón, pero este punto es muy similar al de la versatilidad (tema del que ya hablamos anteriormente, click aquí). El que nosotros aprendamos armonía y el resto de la teoría musical nos va a ayudar de muchas formas, como por ejemplo: podemos apoyar y aportar ideas más allá de solo un groove, podemos llegar a hacer coros y enriquecer la parte vocal, al entender la función de nuestros compañeros de banda podemos desarrollarnos mejor en nuestro instrumento para generar una mayor musicalidad, esto nos va a dar ideas completamente nuevas a la hora de componer, entre muchas otras cosas, pero si quiero destacar el hecho de que nos va a dar una independencia muy grande como músico, me explico.

ARMONÍA musical: definición y ejemplos - ¡¡RESUMEN CORTO!!

Si tu tienes algunas ideas o la intención de hacer una carrera solista, esto te va a venir muy bien, ya que vas a poder componer tus propias canciones sin depender de que algún pianista, guitarrita, bajista, etc. vengan a componer las partes que les correspondan, puedes componer por completo y por ende dirigir tu música para el propósito que tienes en mente, lo cual ya solo te dejaría en la posición de buscar los músicos que lo graben.

Como pueden notar, el tener un conocimiento completo de la música tiene muchos beneficios aunque en un principio pueda parecer que no te fuese a servir, hay que recordar que nosotros somos músicos y debemos conocer la música no solo nuestro instrumento.

Esto fue todo por este artículo, espero poderlos persuadir a expandir sus áreas de conocimiento y ayudarles a ver la música de forma completa, no solo desde una pequeña parte de ella.

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¿Qué Y Que Tan Importante Es Un Press Kit?

El día de hoy quiero hacer un artículo un tanto diferente a lo habitual, ya hemos hablado antes de conceptos teóricos y técnicos sobre nuestro instrumento y la música en general, pero hoy quiero hablar de un tema que muchos músicos no saben o no le dan la importancia necesaria, estoy hablando de tener un buen press kit, que es y porque es tan importante.

Design electronic press kit link enabled epk media kit sheet by Iamfallfeathers | Fiverr — Ejemplo de press kit

¿Qué es?

Primero vamos a comenzar definiendo que es un press kit.

Un «PRESSKIT« o «ELECTRONIC PRESSKIT» («PK» o «EPK«), literalmente se traduce como «KIT DE PRENSA» y «KIT DE PRENSA ELECTRONICO» respectivamente, y no es otra cosa que eso, un documento que se envía a medios de comunicación, patrocinadores, promotores de eventos, etc. donde hablamos de quienes somos, que hemos hecho, con quien hemos tocado, nuestro material discográfico, entre otras cosas.

EPK | Electronic Press Kit | Symphonic Distribution — Ejemplo de press kit

¿Para que sirve?

Como ya lo mencione antes, este documento se suele enviar a diferentes personas dentro de la industria musical, pero ¿para que sirve? Bueno, pues esta es nuestra carta de presentación o nuestro curriculum, si queremos ser parte de algún evento, una entrevista, una reseña, un sponsor, etc. Es necesario tener un buen press kit donde digamos de forma breve y clara quienes somos.

Es importante el tener un buen press kit ya que es lo que nos va a diferenciar de otras bandas, como dije, es nuestra carta de presentación. Imaginemos lo siguiente:

Nosotros somos un medio de comunicación que se dedica a hacer reseñas, recomendaciones, entrevistas, entre otras cosas, de bandas nuevas y no tan nuevas. Dependiendo nuestro alcance va a ser nuestra demanda, pero imaginemos que ya estamos bien posicionados y tenemos una base de fans que nos sigue para saber noticias del medio y conocer nuevas bandas, en este caso es muy probable que a diario recibamos correos y mensajes de bandas pidiéndonos apoyo para dar a conocer su proyecto, pues la forma que tenemos para decidir a quien podemos ayudar es mediante ese press kit, de entrada ya se ve el profesionalismo de la banda desde si te mandan un documento bien hecho, con un buen diseño o si solo te envían en un mensaje una descripción muy vaga del proyecto y con faltas de ortografía. Este primer acercamiento es muy importante porque aquí se define en gran medida si te van a tomar en cuenta o simplemente te van a desechar.

Como pueden ver en el ejemplo anterior, es muy claro el porqué es importante tener un buen press kit con un buen diseño, si ustedes no tienen el conocimiento para hacerlo es recomendable que contraten a alguna persona que sepa hacerlo para que quede de la mejor manera posible. Si es el caso, en Buck Records te ofrecemos los mejores precios y la mejor calidad en este y otros servicios, puedes contactarnos en nuestro Facebook, Instagram o al correo: buckrecordsofficial@gmail.com

How to Make an EPK That Will Get You Noticed – Icon Collective — Ejemplo de press kit

¿Qué debe llevar?

Si decidiste hacer tu press kit por tu cuenta o bien contratar a algún profesional para que lo diseñe por ti, es importante que agregues estos puntos en el press kit.

Logotipo: Es importante que ya tengas un logo diseñado de manera profesional y en los formatos adecuados para ello (por lo regular este te lo van a pedir una vez hayan leído tu press kit y aceptado trabajar contigo).

Biografía: En este punto es recomendable ser muy breve y centrarse principalmente en las influencias de la banda, su sonido, motivo, etc.

Fotografías: Es importante contar con algunas fotos profesionales de la banda.

Música: Obviamente debes incluir tu música, incluye algunos vínculos para que puedan escucharte en diferentes plataformas, cuando menos las mas importantes (es una buena idea poner hipervínculos para evitar poner un link gigante que se vería mal).

Videos: Si ya cuentan con videos oficiales es buena idea poner algunos hipervínculos a algunos de ellos.

Discografía: También se puede agregar un apartado donde mencionen su discografía.

Eventos importantes: Si ya han tenido algunos eventos importantes, ya sea en algún festival, abriendo para algún artista grande o en algún escenario de renombre también puede ser incluido.

Información de contacto: Es importante agregar la información de contacto, aunque parece obvio hay muchas bandas que lo olvidan por completo. Agrega tus redes sociales, correo y un número de teléfono.

Esto fue todo por este artículo, recuerden que esto es muy importante y les va a ayudar mucho en su carrera, busquen la manera de realizar un buen presskit, pueden contactarme a mi o a Buck Records y nosotros lo hacemos por ustedes.

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Explorando Rudimentos: Single Dragadiddle

Hoy quiero retomar la serie de «EXPLORANDO RUDIMENTOS«. Como ya saben esta es una serie de artículos que comencé con el fin de que podamos aplicar los rudimentos a la batería de una manera musical y en un contexto real, no solo como un ejercicio, de esta manera quiero incentivar a que estudien los rudimentos, ya que son parte esencial de cualquier baterista y que se explore la creatividad. Por eso el día de hoy continuamos explorando los rudimentos, esta vez veremos el «SINGLE DRAGADIDDLE«.

¿Qué es?

Primero vamos a comenzar explicando que es el single dragaddidle, este es un rudimento que consiste en la combinación de un drag y un paradiddle, por lo que tocaremos un paradidle simple (RLRR-LRLL [R = derecha y L = izquierda]), pero la primer nota de cada grupo de 4 la volveremos un drag o lo que seria lo mismo, duplicaremos esa nota, de modo que si tenemos el paradiddle en dieciseisavos RLRR – LRLL, el single dragadiddle nos quedara de la siguiente forma rrLRR – llRLL, dónde las primeras 2 notas de cada grupo serán 2 treintaidosavos (representadas con «r» y «l» minúsculas) mientras que las 3 restantes serán dieciseisavos.

Grooves

Una vez que ya entendimos y dominamos el single dragadiddle pasaremos a volverlo en un groove. Para este groove comenzaremos a tocar desde la primer mano derecha del segundo grupo, de este modo el sticking nos quedara de la siguiente forma: RLL – rrLRR – ll. Una vez que entendimos el sticking dejaremos la mano izquierda en tarola y la derecha la subiremos al hi – hat, como pueden notar el backbeat nos va a coincidir con la mano izquierda que se toca sola mientras que los golpes dobles quedaran solo como un adorno, por lo que acentuaremos las tarolas que quedan en los tempos 2 y 4 mientras que el resto serán tocadas en ghost strokes, el bombo esta como apoyo, por lo que pueden cambiarlo de la forma que más les guste.

Para nuestro siguiente groove tocaremos el single dragaddidle en nuestros platillos, más específicamente entre ride y hi – hat, solo que estos serán tocados únicamente en los tempos 1 y 3, por lo que el tempo 2 y 4 harán de puente entre cada uno de los dragadiddles. De nuevo, mantendremos el backbeat en la tarola en los tempos 2 y 4, y el dragadiddle en los tempos 1 y 3 tocados entre ride y hi – hat, lo demás son adornos para hacer sonar aun mejor el groove, por lo que pueden hacer sus variaciones.

Fills

Además de los grooves que ya vimos, también podemos aplicarlo a los fills. Para el primero lo que haremos será repartir nuestro dragadiddle entre tambores y platillos, el dragadiddle esta marcado para que sea fácil de encontrar, pero como pueden notar solo tenemos una repetición de el (rrLRR – llRLL), lo interesante es que lo tocaremos desplazado por un octavo, comenzaremos tocando un tresillo de dieciseisavo, posteriormente el single dragadiddle y al final el resto del fill.

Para nuestro segundo fill vamos a tocar el dragadiddle en seisillos, de esta manera tendremos un desplazamiento de 4 sobre 6, pero para hacerlo más interesante agregaremos un par de bombos y tarolas que funcionaran de puente y de final respectivamente. Como ya les mencione, vamos a ocasionar un desplazamiento, esto es, tendremos 6 grupos de 4 notas, lo que nos da un total de 24 que es lo mismo a los 4 seisillos del compás, tomaremos uno de esos grupos y lo dividiremos en 2 grupos de 2 notas, uno en bombo y el otro en tarola, estos los distribuiremos en el medio y al final del fill, de modo que nos quedaran 5 dragadiddles separados por el bombo después del tercer dragadiddle y las dos tarolas quedaran acentuadas y al final para dar énfasis en el final, quedarían de la siguiente forma: rrLRR – llRLL – rrLRR – KK – rrLRR – llRLL – SS (K= bombo; S = tarola).

Por último, estos ejercicios los pueden ensayar por separado, pero también pueden probar de la siguiente forma:

3 compases de groove y 1 compás de fill

2 compases de groove y 2 compases de fill

7 compases de groove y 1 compás de fill

1 compás de groove y 1 compás de fill

Groove #1, Groove #2, Groove #1, Fill #1

Groove #2, Groove #1, Groove #2, Fill #1

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Esto fue todo por este artículo, espero que les ayude a desarrollar su creatividad y espero haberles creado un interés por estudiar los rudimentos, o si es que ya lo han hecho a darles un nuevo enfoque.

Les recuerdo que pueden dejar sus opiniones, dudas y sugerencias en la sección de comentarios, así como seguirme en mis redes sociales para estar al pendiente de nuevos artículos, los links directos los pueden encontrar en la sección de “CONTACTO”.

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6 Métodos Imprescindibles

Como muchos sabemos, la alternativa más común para aprender a tocar algún instrumento cuando no tenemos la posibilidad de asistir a una escuela son los métodos, e incluso estos son la guía que tienen en las escuelas para enseñar a los alumnos. Por eso hoy les quiero recomendar 6 métodos que me parecen esenciales para desarrollarnos mejor como bateristas.

Antes de comenzar quiero mencionar que a pesar de que los métodos son una excelente manera para aprender de manera autodidacta, es muy recomendable que consigan un buen maestro que los ayude a estudiar estos métodos. Una vez dicho esto, comencemos.

1. Stick Control

Comenzamos con uno de los más conocidos, este método es muy útil para cualquier baterista, este en el nivel que este, contiene una serie de ejercicios que como su mismo nombre lo indica, nos ayuda a desarrollar el control de las baquetas, claro que esto no es todo, también puede ser aplicado al bombo y de muchas otras maneras, solo debemos ser creativos.

2. Syncopation

Este es otro de los método más conocidos, pero no por eso son menos importantes, de hecho son tan populares entre los bateristas por lo útiles que son para el desarrollo de nuestro instrumento. En este libro podemos encontrar múltiples ejercicios que nos van a ayudar a desarrollar nuestra lectura y a dominar las sincopas y a su vez mejorar nuestro tempo interno.

3. New Breed

Este método, al igual que los 2 anteriores es un clásico bien conocido entre los bateristas. Este libro trae ejercicios que nos van a ayudar a desarrollar más nuestra independencia y musicalidad, en este libro podemos encontrar algunos ostinatos los cuales deben ser tocados con 3 de nuestros miembros (manos y pie izquierdo) mientras el miembro libre (pie derecho) va tocando una serie de melodías, desarrollando así la independencia mientras se aplica de una manera más musical.

4. The Encyclopedia Of Double Bass Drumming

Este método es un poco menos conocido o al menos yo no se lo he escuchado mencionar a muchos bateristas. Este método es ideal para los que tocan con doble bombo o doble pedal, en este libro podemos encontrar un gran recopilado de ejercicios que nos van a ayudar a desarrollar el control, velocidad y resistencia de nuestro doble bombo, este método abarca ejercicios que traen desde octavos hasta tresillos de treintaidosavos, pasando por dieciseisavos, treintaidosavos y tresillos de estos mismos valores, además de traer ejercicios aplicados a diferentes métricas como 6/8, 12/8, 5/16, 7/16, etc.

5. The Art Of Bop Drumming

Este es otro de los métodos mas estudiados por los bateristas, y no es para menos, ya que este libro no solo trae ejercicios (principalmente de jazz), sino que también nos explica como se aplican en un contexto más real, nos da referencias, nos explica como hacer y/o identificar estructuras musicales, distintos géneros, etc. Este es un libro muy completo que nos va a ayudar demasiado a desarrollarnos en nuestro instrumento.

6. Drummer’s Guide To Odd Meters

Para el último método vamos a ver uno que nos va a llevar a explorar, entender y desarrollar nuestra habilidad dentro de las métricas irregulares. Personalmente uno de mis aspectos favoritos del drumming son las métricas irregulares y este método fue uno de los que más me ayudo a entenderlas, con este libro logre desarrollarme dentro de las métricas irregulares además de llevarme a otro nivel en este concepto.

En este método vamos a aprender a tocar métricas que van desde los 3/4 y 3/8 hasta los 13/8, pasando por 5/4, 5/8, 7/8, 9/8, 7/4, etc. Con diferentes ejercicios que nos ayudan a entender de que manera se puede frasear cada métrica, además de incentivarnos a desarrollar nuestros propios fraseos y por si fuera poco nos da ejemplos aplicados a diferentes estilos.

Esto fue todo por este artículo, espero que les ayude a desarrollarse de una mejor manera, les comparto 6 de los métodos que considero mas importantes y que me han ayudado a desarrollarme, pero aun tengo mas libros que les puedo recomendar, si quieren una segunda parte háganmelo saber en los comentarios o por mis redes sociales.

Les agradezco por haber visto este artículo y nos leemos en el siguiente.

6 Intros De Batería Inconfundibles Pt. 2

La semana pasada vimos y analizamos 3 intros de batería icónicos (clic aquí si no lo vieron). El día de hoy, como se los prometí en ese artículo, vamos a ver la segunda parte, con los últimos 3 intros, estos son un poco más complejos por lo que decidí separarlos en 2, para un mejor estudio.

El primer intro de hoy, tomado del álbum “Moving Pictures” de la banda de rock progresivo “Rush” y lanzado el 12 de febrero de 1981, es el tema que lleva por nombre «YYZ». Esta canción fue grabada por el legendario baterista “Neil Peart”.

La historia detrás de Moving Pictures de RUSH. — Rush – Moving Pictures

Esta canción comienza con un intro en 5/4 a 103 bpm. Aquí Neil Peart comienza tocando una frase en la campana del ride (que como curiosidad son las letras «YYZ» en clave morse), misma que se repetirá 2 veces y posteriormente se ira desarrollando junto a la guitarra y el bajo. Cuando entran los demás instrumentos podemos notar como la frase pasa a estar tocada en el hi-hat, tarola y bombo, se tocan 3 compases y trae un arreglo en el último octavo del cuarto compás que funciona como un corte para indicar el cambio de sección, este será tocado cambiando el hi-hat por el ride y con unas pequeñas variaciones, a diferencia de la sección anterior, esta se divide en 2 compases y se toca 2 veces antes de pasar a la última sección, que se tocara de igual forma en 2 compases, el primero retoma la variación del hi-hat pero tocada en el crash, y el segundo será una variación nueva, tocada en el bombo y crash con staccato.

El siguiente intro es la canción que abre el álbum “Awake”, de la banda de metal progresivo “Dream Theater”, lanzado el 4 de octubre de 1994, este tema lleva por nombre «6:00». Esta canción fue grabada por el icónico baterista “Mike Portnoy”.

Awake: Amazon.com.mx: Música — Dream Theater – Awake

Esta canción comienza en un tempo de 105 bpm en un compás de 9/16, abre con un pequeño corte que combina treintaidosavos y tresillos de dieciseisavo para posteriormente pasar a un compás de 4/4 y entrar con un groove basado en dieciseisavos en el hi-hat, este groove es muy sincopado y juega mucho con los acentos del compás así como con aperturas del hi-hat, lo que ayuda a enfatizar esos acentos, para el último compás tenemos un corte que comienza en el segundo tempo, este corte se toca en platillos tarola y bombo, lo que lo hace distinto a lo que solemos estar acostumbrados. Este corte juega con un desplazamiento que se produce en 3 dieciseisavos, lo que nos deja 4 grupos de 3, el hi-hat se toca en treintaidosavos y la primer nota de cada grupo de 3 dieciseisavos (o 6 treintaidosavos) es acentuada por tarola en 1 y 3 y bombo y splash en 2 y 4.

El último intro, es una canción tomada del álbum “Still Crazy After All These Years” de “Paul Simon”, lanzado el 25 octubre 1975, este tema lleva por nombre «50 Ways To Leave Your Lover». Esta canción fue grabada por nada más y nada menos que el legendario baterista “Steve Gadd”.

Still Crazy After All These Years (Vinyl) [Importado]: Amazon.com.mx: Música — Paul Simon – Still Crazy After All These Years

Esta canción comienza en anacrusa con un pequeño roll, posterior a esto entra en un compás de 4/4 a 102 bpm, lo interesante de este intro es ver la creatividad y habilidad que tiene Steve Gadd, no es muy común ver que bateristas utilicen el pedal de hi-hat como parte del groove, y cuando se hace suele marcar octavos o cuartos, pero en este tema Gadd lo utiliza como una parte esencial del mismo, además de que podemos ver un gran juego con roles y dinámicas.

Este groove es tocado en dieciseisavos de una manera prácticamente lineal, estos dieciseisavos se dividen de esta forma, el primero se toca al unísono entre bombo y pedal de hi-hat, hi-hat tocado con baqueta, ghost stroke en la tarola, pedal de hi-hat, hi-hat con baqueta, ghost stroke en tarola, hi-hat con baqueta, bombo y tom de piso, y en el último tiempo resuelve con lo que podría describirse como 3 dieciseisavos precedidos por un drag, el siguiente compás es muy similar, con la única diferencia que en el cuarto tempo tendremos un octavo al unísono entre tom de piso y tom de aire, seguido por un 5 stroke roll que resuelve al siguiente compás, con el bombo y hi-hat.

Paul Simon – 50 Ways To Leave Your Lover

Esto seria todo por este artículo, quise dejar estos 3 intros al final ya que me parecen los mas creativos y complejos de los 6 que ya vimos, espero que esto les sirva para notar lo importantes que pueden ser los rudimentos y las dinámicas y también que puedan desarrollar nuevas ideas.

Les agradezco por haber visto este artículo y nos leemos en el siguiente.

6 Intros De Batería Inconfundibles Pt. 1

El día de hoy quiero mostrarles 6 intros de batería que son inconfundibles por el gran peso que tienen para la canción a la que pertenecen. Son de esos ritmos que se te quedan y al escucharlos inmediatamente reconoces la canción, pero no solo los vamos a ver, sino que trataremos de analizarlos un poco.

El primero, tomado del álbum «Rust In Peace» de la banda «Megadeth» lanzado el 24 de septiembre de 1990 es el tema del mismo nombre. Esta canción fue grabada por el baterista «Nick Menza».

Megadeth Vinilo Megadeth Rust In Peace– Unimart.com — Megadeth – Rust in Peace

Esta canción comienza con un intro de batería a 4/4 y 157 bpm. Al comenzar podemos notar que tenemos una base rítmica muy sencilla que consiste en dos octavos tocados al unísono entre el tom aéreo y el de piso, seguido por una respuesta de la tarola donde se tocan los primeros 2 dieciseisavos, todo esto sobre un ostinato muy del metal de doble bombo en dieciseisavos constantes. En la siguiente sección entra el riff de guitarra el cual se sigue al unísono con la batería.

El siguiente intro lo tomaremos del álbum «Led Zeppelin IV» de la legendaria banda de rock «Led Zeppelin», lanzado el 8 de noviembre de 1971, este lleva por nombre «Rock And Roll». Esta canción fue grabada por el icónico baterista «John Bonham».

images-na.ssl-images-amazon.com/images/I/81yf0W... — Led Zeppelin – Led Zeppelin IV

Esta canción comienza en un compás de 4/4 a 90 bpm, aquí podemos notar como Bonham logro hacer un intro tan reconocible e interesante con una teoría muy sencilla. Tenemos golpes al unísono entre tarola y hi-hat (abierto) en dieciseisavos, lo que lo hace interesante es como juega con los acentos, comenzamos con un grupeto de 3 dieciseisavos y continuamos con 5 + 3 + 5 + 3 + 4 + 3 + 2 + 2 y terminamos acentuando todos los dieciseisavos restantes.

El siguiente intro lo tomaremos del álbum «Painkiller» de la banda de heavy metal «Judas Priest», lanzado el 3 de septiembre de 1990, tomaremos el tema que le da nombre al álbum. Esta canción fue grabada por el baterista «Scott Travis».

images-na.ssl-images-amazon.com/images/I/61GVeu... — Judas Priest – Painkiller

Esta canción comienza en un compás de 4/4 a 115 bpm. En esta canción tenemos un fraseo del compás de 4/4 en grupetos de dieciseisavos que quedan de esta forma 3 + 3 + 2 + 3 + 3 + 2 para el primer compás y 3 + 3 + 2 + 2 + 2 + 2 + 2 para el segundo compás, esto se repite dos veces con una pequeña variación en el cuarto compás. Estos grupetos son marcados por tarola y crash que se tocan sobre una base de treintaidosavos en el doble bombo, en el cuarto compás tenemos un pequeño corte que nos da la transición a la siguiente sección donde ya entran las guitarras, en esta el tempo cambia a 105 bpm y la base del doble bombo cambia a dieciseisavos, la tarola cae en cada tiempo y los crashes pasan al hi-hat en octavos.

Esto fue todo por este artículo, la próxima semana les traeré la segunda parte, esto con el fin de no alargar demasiado el artículo y de que puedan practicar estos 3 primero, ya que los 3 siguientes serán mas complicados.

Les agradezco por haber visto este artículo y nos leemos en el siguiente.