The Phantom Express (1932)

Image

alt. titel: Le mystère du 101, Il lampo

Bruce Harrington är son till järnvägsdirektören för Southwest Pacific och lever livets glada dagar med fin bil och sköna damer i faderns strandhus. Men så blir han förälskad i lokförardottern Caroline Nolan, vars far Smokey kallats till huvudkontoret eftersom han orsakat en urspårning. Smokeys förklaring till olyckan är “conflicted with improbability” eftersom både han och eldaren Axel påstår att de tydligt såg ett mötande tåg, på väg rakt mot dem. Det var Smokeys desperata nödbromsning som fick loket att spåra ur.

För att vinna Carolines gunst reser Bruce med henne och Smokey tillbaka till järnvägsknuten för att börja jobba undercover och lösa mysteriet med “the phantom express”. Han låtsas att han är en vanlig working joe medan vännen Dick Walsh får föreställa direktörssonen som kommer för att ta över ruljansen.

Tjahapp, jag hoppades att The Phantom Express skulle vara något i stil med Charles Dickens “The Signal-Man” men där sket filmen mig i näven och kallade det för chokladtårta. För det är så klart inget övernaturligt alls med tåg-mysteriet, vilket Bruces snokande snart uppdagar. Istället blir The Phantom Express en historia om illistiga affärsmän, sjunkande aktiekurser och arbetslöshet.

Det är väl framförallt det sista temat som gör mig något överraskad. Det läggs oväntat mycket tid på att beskriva hur Smokey blir avskedad på sin födelsedag och först inte vill berätta något hemmavid för att inte förstöra festen. Men till slut kan han inte kontrollera känslorna längre, utan låter tårarna flöda bredvid några inramade medaljer som han fått för heroiska insatser i tjänsten. Sanningen uppdagas till allas stora harm: “So this is how they treat a man who’s given his best years to the road?!” Men han får såklart möjlighet att upprätta sitt lokförarrykte med en avslutande och dödsföraktande åktur när telegrafen ligger nere under en svår storm.

Den uppmärksamme läsaren noterade kanske förnamnet på Smokeys eldare. Axel spelas av Axel Axelson som pratar en nästintill obegriplig svengelsk rotvälska och som, förutom den här filmen, inte tycks ha gett några avtryck på den världsvida webben. Jag bli påmind om rollen Peter Ericson i The Man Who Shot Liberty Valance, eftersom den också skulle vara en comic relief. Är det nu jag ska bli upprörd över att svensk-amerikaner uppenbarligen uppfattades som oerhört komiska i det tidiga Hollywood?

The Phantom Express var för all del en ganska frejdig rulle på minimala 70 minutrar. Dess stora behållning var dock inte mysteriet eller den oskyldiga kärlekshistorien, utan alla bildsekvenser på antingen assnygga tågmodeller eller den myllrande bangården. Tåg är finemang på film!

ImageImage

Vermines (2023)

Image

alt. titel: Spiders – Ihr Biss ist der Tod, Vermin. La plaga, Vermin, Infested

Det är långt mellan Nordafrikas öken och de parisiska förorterna. Men inte längre att en liten spindel letar sig från det ena till det andra. I en undangömd (och högst olaglig) hylla får Kaleb upp ögonen för den lille gynnaren och eftersom han gillar djur som man kan ha i terrarier tjatar han till sig arachniden för en struntsumma.

I hyreshuset, där Kaleb och systern Manon fortfarande delar på den avlidna moderns lägenhet, är det full rulle. Ärligt talat är det ganska stökigt och slitet. I bästa fall flimrar lamporna, men ofta funkar de inte alls. Moussa buskör motorcyklar i det underjordiska garaget. Det pågår knarkhandel och allehanda fiffel i de långa korridorerna.

Men Kaleb älskar huset, trots slitenheten, och alla grannarna. Till skillnad då från systern Manon som tycker att de ska flytta. De har ändå inga pengar att behålla lägenheten för. Och när vi etablerat allt detta, då är det dags för Kalebs nyförvärvade spindel att rymma och förvandla hela huset till ett rent helveteshål.

Franska Vermines nämns ofta i samma andetag som australiensiska Sting, men bortsett från att bägge filmerna handlar om supergiftiga spindlar har de inte särskilt mycket gemensamt. Sting är som sagt en hyfsat mysryslig produktion medan Vermines var den typen av film som fick en spindelfobiker som jag att:

  • se filmen mitt på dagen när det är ordentligt ljust
  • kasta mig undan i panik varje gång jag såg ludd på golvet
  • känna hur det kröp och kliade på hela kroppen
  • knappt kunna hämta andan under de 105 spelminutrarna

Vermines öppnar med samma grepp som exempelvis Peter Jacksons Braindead (från 1992, icke att förväxla med 1990 års Brain Dead), alltså att vi i publiken ska bli lite extra på spänn eftersom vi raskt får veta exakt hur farliga filmens monster egentligen är. Sedan är det bara en tidsfråga innan det blir skrik och panik i det stora lägenhetskomplexet. Samtidigt som det är krypande och klaustrofobiskt i samma anda som den uppenbara föregångaren: Alien.

Långfilmsdebuterande Sébastien Vaniček har regisserat samt skrivit manus tillsammans med Florent Bernard. Jag skulle bli väldigt förvånad om Vermines inte öppnar stora Hollywood-famnen för Vaniček, för detta är riktigt bra (han har mycket riktigt också fått ett Evil Dead-gig). Särskilt som han valt att inte “bara” göra en skräckfilm utan också berätta en historia som lägger stor tyngd på det klassamhälle som är de parisiska förorterna.

Titeln kan i det avseendet tolkas dubbeltydigt. Våra huvudpersoner avfärdar med en gång möjligheten att gå till polisen eller andra myndigheter eftersom de ändå aldrig hjälper sådana som dem. Vilket också ska visa sig vara en helt korrekt slutsats. Hyresgästerna är helt utelämnade till sig själva och det är sällan tillräckligt inför ett spindelhot av den här magnituden. De avslutande scenerna påminner om allt för många minnesmärken som kanske får en viss uppmärksamhet i stunden, men sedan snabbt glöms bort igen.

Filmen är inspelad i förorten Noisy-le-Grand, ungefär 1,5 mil från Paris, där det finns ett antal i sanning magnifika exempel på postmodern arkitektur. Vermines delar därmed inspelningsplats med exempelvis Hunger Games-filmerna, områdena som kallas Arenes Picasso och Les Espaces d’Abraxas.

Vermines är något av en pärs för oss spindelfobiker men samtidigt så pass välgjord och -berättad att den är värd att genomlida. För er som inte har problem med spindlar och samtidigt gillar tajta hyreshus-filmer (The Raid, Attack the Block, Poltergeist 3, Demons 2, La Horde, Evil Dead Rise, Dredd, [Rec], för att nämna några) är den en självklar titt.

ImageImageImageImage

Sting (2024)

Image

alt. titel: Sting. Araña asesina

Tolvåriga Charlotte har lyckan att bo i ett lägenhetshus med så generöst tilltagna ventilationsrör att hon utan problem kan kravla runt till varenda lägenhet för att spana lite. Alla ungar gillar väl att ha lite egna hemligheter? Men där slutar kanske Charlottes lycka eftersom hennes pappa har lämnat familjen och hennes mamma numera istället har plockat upp Ethan, med vilken hon dessutom skaffat en pestig lillebror vid namn Liam.

Ethan försöker försörja sig som illustratör men framgången är så pass måttlig att han behöver ett extra jobb. Därför agerar han vicevärd i huset, som händelsevis ägs av Charlottes mormors syster. Tyvärr är hyresvärden en snålkärring som bara kostar på byggnaden det allra mest nödvändiga, vilket ska visa sig inte vara så smart när huset invaderas av något som glufsar i sig såväl husdjur som betalande hyresgäster.

Jag gissar att Charlotte inte heter som hon heter av ren slump. Den klassiska barnboken Fantastiska Wilbur heter ju Charlotte’s Web i original (och översätts numera även på svenska till Min vän Charlotte) där Charlotte är spindeln som räddar dagen. Filmens Charlotte hittar nämligen en supercool spindel på en av alla sina utflykter som hon döper till Sting, efter Bilbos svärd. Grejen är bara att Sting ganska snabbt vill ha något mer substantiellt i krävan än de kackerlackor Charlotte kan fånga åt henne.

Inte för att huset löper någon större brist på kackerlackor. Sting lägger stor vikt vid att karakterisera fastighetsägaren som en slumvärd och det pratas gärna om hur nedgånget huset är, till Ethans stora förtret. Kruxet är möjligen att regissör och manusförfattare Kiah Roache-Turner valt att göra en rätt mysryslig creature feature och då kan omgivningarna inte vara allt för realistiskt slitna. Därför blir kackerlackorna i princip det enda beviset på husets “slum”-status, i övrigt framstår alla lägenheterna som ganska mysiga. Långt ifrån smällkalla, trots att den rasar en rejäl isstorm utanför huset och inte ett spår av vare sig fukt- eller mögelangrepp. Såväl möbler som köksutrustning ser hyfsat fräscha ut.

Trots en rejäl släng av spindelfobi tyckte jag att Sting höll den där mysrysligheten på en ganska lagom nivå. En stor del av dess styrka ligger hos Alyla Browne som spelar Charlotte med den äran. Innan skiten träffar fläkten tycker jag att det kompletterande familjedramat funkar ganska bra (Ethan försöker hela tiden komma överens med Charlotte), men i slutänden blir det alldeles för smetigt. Utan tvekan mer amerikanskt än australiensiskt (produktionen är huvudsakligen australiensisk, men handlingen ska utspela sig i Brooklyn).

En stabil liten skräckis som inte tar sig själv på allt för stort allvar och som kommer långt på sin förhållandevis modesta budget (under tre miljoner dollars).

ImageImageImage

Voyna i mir (1865-67)

Image

alt. titel: Krig och fred

Någonsin undrat hur det fina folket levde i Moskva, St. Petersburg och diverse lantegendomar under det tidiga 1800-talet? Vänd eder med förtroende till Lev Tolstoj som introducerar läsaren till virvlande sociala kretsar där det gäller att hänga med i namnöverflödet.

Ska jag försöka mejsla ut några slags huvudpersoner blir det nog i så fall släkterna Bolkonskij och Rostov samt oäktingen Pjotr “Pierre” Kirillovitj Bezuchov. Att Pjotr dras med en förfranskning av sitt namn har ganska lite att göra med att han växt upp utomlands och ganska mycket med att den ryska societeten inledningsvis hellre pratar franska än ryska. En del av dem har till och med så skraltigt modersmål att de knappt kan instruera sina tjänare och ännu mindre trälarna som…ja, trälar (ordet “jobbar” känns lite för lättsamt i sammanhanget) på deras lantegendomar.

Många beundrar också Napoleon Bonaparte som för tillfället drar fram som en furie i Europa, men än mer beundrar man naturligtvis Tsar Alexander I. Ganska snart i Krig och fred är det alltså dags att dra ut i krig tillsammans med österrikarna, ledda av kejsar Frans II. Tyvärr utmynnar det i slaget vid Austerlitz och därmed nederlag för våra ryssar – Andrei Bolkonskij blir skadad och Nikolai Rostov förlorar sin ungdomliga naivitet vad gäller krigets ära.

Större delen av detta berättas i “Bok 1”. I “Bok 2” får vi följa hur familjerna genomlever åren efter freden i Tilsit 1806. Då finns det av naturliga skäl bättre möjligheter för exempelvis Pierre att fundera över tillvaron i största allmänhet och Natasha Rostov att bli hals över huvud förälskad i första bästa karl som kommer sig för att dansa med henne på de extravaganta baler som hålls. Men 1812 surnar återigen de fransk-ryska relationerna; “Bok 3” och “Bok 4” kommer därmed att handla om hur romanens olika personer upplever och hanterar Napoleons olycksaliga invasion av Ryssland, brännandet av Moskva och den franska härens successiva retirering. Pierre blir krigsfånge, Andrej Bolkonskij blir återigen skadad och familjen Rostov måste fly för sitt liv från Moskva.

Jaha, varför inte ägna en sommarsemester åt dryga tusen sidor Lev Tolstoj-klassiker? Eller, i mitt fall, dryga 60 timmars lyssning. I likhet med Anna Karenina är Krig och fred en ibland märklig skapelse eftersom den nu och då inte alls är en roman, utan istället förfaller i diverse utläggningar kring filosofiska spörsmål eller funderingar över historievetenskapen. Föga förvånande tyckte jag att det senare var betydligt intressantare och Tolstoj har en del klokt att säga när det gäller vem som skriver historien och ur vilket perspektiv man tittar på en människas (säg, Napoleon) handlingar.

Men om just de delarna nu kan kännas lite tradiga är Tolstoj också väldigt bra på att beskriva såväl miljöer som känslor och tankar hos sina romanfigurer. Han uppmärksammar sådant som exempelvis den skriande klasskillnaden i tsarens armé där vanliga soldater ligger och dör i sin egen smuts medan officerare hålls avskilda och privilegierade. Emellertid gör han det som en slags allvetande och allseende Gud, vilket innebär att det kan vara lite svårt att känna sig direkt berörd. Däremot har beskrivningarna inte sällan en sådan inlevelse att det är lätt att få någon slags förståelse för romanpersonerna. Sedan behöver läsaren kanske inte alltid tycka att de beter sig särskilt rimligt, exempelvis när Nikolai inför slaget vid Austerlitz uppfylls av en sådan brinnande kärlek till sin Tsar att han är beredd att offra vad som helst om det bara skulle innebära att Tsaren skulle Se honom. Det skulle till och med vara värt att dö om det bara innebar att Tsaren skulle besöka hans dödsbädd. Lika tanklös är Natasha i sin himlastormande kärlek till casanovan Anatolij Kuragin, där hon är beredd att kasta allt och alla överbord om det bara innebar att hon fick vara med honom.

Jag har inga supertydliga minnen av Tolstojs påföljande roman Anna Karenina, men tror ändå att jag tycker bättre om den. Krig och fred är lite mer traditionell när det gäller själva händelseutvecklingen och alla utläggningar där Pierre och Andrei ska försöka komma underfund med vad som gör livet värt att leva var som sagt ganska trista. Men det är fortfarande ett författarskap som slinker ner oväntat obehindrat och jag tycker verkligen om Tolstojs sätt att förmedla både realism och känslosamhet.

Jag väljer att avsluta med ett citat (från en engelsk version från Project Gutenberg, Projekt Runebergs svenska version hade tyvärr valt att hoppa över den här delen) som gäller Napoleon som som kommer otäckt nära en viss amerikansk president. Kan Tolstoj ha varit synsk eller finns det trots allt historiska omständigheter som kan upprepa sig?

ImageImageImage

The ignorance of his colleagues, the weakness and insignificance of his opponents, the frankness of his falsehoods, and the dazzling and self-confident limitations of this man raise him to the head of the army. The brilliant qualities of the soldiers of the army sent to Italy, his opponents’ reluctance to fight, and his own childish audacity and self-confidence secure him military fame. Innumerable so-called chances accompany him everywhere. The disfavor into which he falls with the rulers of France turns to his advantage. [—] And the men who commit these crimes, especially their leader, assure themselves that this is admirable, this is glory – it resembles Caesar and Alexander the Great and is therefore good. This ideal of glory and grandeur – which consists not merely in considering nothing wrong that one does but in priding oneself on every crime one commits, ascribing to it an incomprehensible supernatural significance – that ideal, destined to guide this man and his associates… [—] He alone – with his ideal of glory and grandeur developed in Italy and Egypt, his insane self-adulation, his boldness in crime and frankness in lying – he alone could justify what had to be done. Chance, millions of chances, give him power, and all men as if by agreement co-operate to confirm that power. [—] …convincing the mob more forcibly than in any other way that he had the right, since he had the might. [—] …all men […] despite their former horror and detestation of his crimes, now recognize his authority, the title he has given himself, and his ideal of grandeur and glory, which seems excellent and reasonable to them all.

Truth (2015)

alt. titel: Truth: Le prix de la vérité, Der Moment der Wahrheit, Truth: Il prezzo della verità, Conspiración y poder

Image

I april 2004 går nyhetsprogrammet CBS 60 Minutes (egentligen uppföljaren CBS 60 Minutes II, om vi ska vara petiga) ut med historien om det som pågått vid Abu Ghraib-fängelset, med ärevördiga nyhetsankaret Dan Rather i spetsen. Men bakom historien står bland andra producenten Mary Mapes och nu har hon vittring på en annan, potentiellt spektakulär, berättelse.

Det börjar dra ihop sig till presidentval mellan sittande George W. Bush och John Kerry, där bägge sidorna bland annat siktar in sig på den andra kandidaternas militärtjänstgöring. Bush undkom Vietnams fasor genom att vara med i nationalgardet på hemmaplan, men nu är frågan om han ens gjorde så mycket. Hur fick han egentligen den privilegierade positionen och hur skötte han sig?

Den som är nyfiken på att läsa om debaclet som Truth berättar, istället för att se filmen, kan kolla upp sidan “Killian documents controversy” på Wikipedia. Att det finns en ganska matig sida antyder förstås att detta inte var ett avslöjande som gick helt enligt planerna. Filmens titel antyder möjligen på vilken sida man väljer att sätta ned foten eller i alla fall komma med budskapet att det där med “sanning” kanske inte alltid är så himla enkelt.

Om Truth kan uppfattas som att man ställer sig bakom nyhetsteamets försäkranden om att i alla fall den bakomliggande historien är sann, är det kanske inte så konstigt eftersom regissör och manusförfattare James Vanderbilt utgått från Mary Mapes bok Truth and Duty: The Press, the President and the Privilege of Power. Men som boktiteln antyder handlar filmen inte enbart om ett rättfärdigande av att gå ut med en historia som inte var 100% verifierad, utan lägger sig också vinn om att beskriva ett nyhetsklimat som är på väg rakt ned i helvetesgapet. Där grundläggande historier allt oftare tappas bort i ett evinnerligt virrvarr av tyckanden och eventuellt fullkomligt meningslösa hårklyverier rörande exempelvis fonter, kerning och språkbruk.

Dan Rather porträtteras av Robert Redford, som förstås är exakt rätt man att längtansfullt minnas en tid när nyhetsrapportering var en fråga om plikt och förtroende. Inte snöd vinning och snabba klick. Det antyds bland annat att teamet stressades av att få ut rapporteringen onödigt snabbt eftersom programtiderna annars var upptagna av Billy Graham och Dr. Phil.

Nyhets- och internetkulturen har förstås hunnit förändras ytterligare sedan både 2004 (berättelsens nutid) och 2015 (filmens samtid), vilket antyds av den hotfulla musiken som ska signalera att ett fåtal hatiska kommentarer mot Mapes är något exempellöst. Cate Blanchett spelat Mapes och är förstås lika perfekt som Redford i rollen av en Kvinna i Karriären. Bestämd och kompetent men som också släpar på en del bagage som kan vara både till fördel och nackdel när det börjar hetta till. I teamet ser vi också Elizabeth Moss, Topher Grace och Dennis Quaid.

Truth är en stabil journalist-BOATS som tyvärr tvingas fokusera mer på det sura efterspelet av eventuella misstag, snarare än det spännande Grävet. Samtidigt är det intressant att i backspegeln iaktta en tid när George W. Bush kunde uppfattas som det sämsta USA:s presidentämbete någonsin hade olyckan att få på halsen.

ImageImageImageImage

The Last of the Mohicans (1992)

Image

alt. titel: Den siste Mohikanen, Den sidste mohikaner, Den siste mohikaner

Fenomenet med europeiska krig som spiller över på andra kontinenter var inget som startade med första världskriget. I mitten av 1700-talet stod Storbritannien och Preussen mot Frankrike och Österrike och eftersom det fanns såväl engelsmän som fransoser i de nya kolonierna västerut exporterades även konflikten dit. Både nybyggare och ursprungsbefolkning värvas till olika milistrupper av bägge sidorna.

En av de som vägrar välja sida är mohikanen Chingachgook, som tillsammans med sonen Uncas är de sista av sin stam. Tillsammans med Chingachgooks adoptivson Nathaniel (som också kallas “Hawkeye” eller “la Longue carabine”) försörjer de sig på att jaga och sälja skinn och kött. Men det går inte att hålla sig neutral hur länge som helst.

Efter att trion räddat överste-döttrarna Cora och Alice Munro från ett bakhåll, iscensatt av illvilliga hurons, åtar de sig också att eskortera dem till Fort William Henry som styrs av systrarnas far. Men när de väl kommer fram är fortet under belägring av fransmännen och Munro är i desperat behov av förstärkningar som inte tycks komma. Trots de pressade omständigheterna spirar kärleken mellan Nathaniel och Cora, samtidigt som huronen Magua har en personlig hämnd att utkräva från överste Munro och hela hans familj.

Jag vill minnas att jag var totalt ointresserad av The Last of the Mohicans när den hade premiär i början av 90-talet. Trailers gav intrycket av något som var alldeles för bombastiskt och romantiskt. Filmer som lockade på den tiden var snarare Sneakers, A Few Good Men eller Candyman. Men sedan har den väl legat och gnagt i bakhuvudet, inte minst hjälpt av Trevor Jones och Randy Edelmans otroliga score.

Så nu var det dags. Nästan med en gång stöter filmen på patrull eftersom jag så här över tjugo år senare uppenbarligen helt glömt bort att Daniel Day-Lewis en gång i tiden visades upp som en leading man/first lover-hunk – en karaktär som ju längre The Last… förlöper passar honom allt sämre. Den stormande passionen med Madeleine Stowes Cora övertygar inte för fem öre och filmens allt mer desperata försök att visa dem i ett sådant sken gör mig bara ännu mer skeptisk.

Jag har aldrig läst James Fenimore Coopers klassiker, men en titt på Wikipedia pekar på flera intressanta ändringar som gjorts i adaptionen (som förvisso också bygger på ett manus från en adaption som gjordes redan 1935). För det första tycks det vanligaste namnet på Day-Lewis rollfigur vara “Natty Bumpoo” vilket såklart inte är alls lika coolt som Hawkeye. Han verkar i romanerna också vara mer av en typisk pionjär (frontiersman) och mindre av en man som uppenbart tillhör amerikansk ursprungsbefolkning, vilket är fallet i 90-talsfilmen. Han och Cora har givetvis heller inte en romans. Att Cora inte alls var lika fritänkande och självständig behöver väl knappast nämnas?

Manuset har också skruvat på bevekelsegrunderna för berättelsens skurk – Magua. I filmen söker han hämnd på överste Munro eftersom denne mördade hans familj (i verkligheten blev skådisarna Wes Studi och Maurice Roëves goda vänner under inspelningen), vilket skjuter honom i riktningen mot en Tragisk Skurk som Uppslukats av Hämnden. I boken handlar hämnden om att Munro förvandlat Magua till en whiskey-alkis, vilket inte framstår som riktigt lika ärbart och definitivt inte politiskt gångbart på 1990-talet.

Jag hade helt hunnit glömma bort att regissören faktiskt var självaste Michael Mann och det känns inte som om detta är den av hans filmer som nämns oftast när folk pratar om Michael Mann-filmer. Det känns inte helt osannolikt att Fenimore Coopers böcker var favoriter för lille Michael och att han nu i vuxen ålder äntligen fått en chans att levandegöra dem på stora duken.

Jag ska inte ta ifrån Mann att The Last… är otroligt snygg och verkligen visar ett mer ursprungligt Nordamerika från sin mest magnifika sida. Berg, oändliga skogar och brusande forsar fanns i tillräcklig mängd i North Carolina, även om historien egentligen utspelas i New York och Adirondack-bergen. Det filmtekniska hantverket imponerar.

Men vad gäller framställning, berättelse och karaktärer fallerar filmen så till den milda grad att den ibland blir svårt skrattretande. Övertydligheten är sådan att unge Uncas redan i sin första scen har Dödens Lammunge skrivet över hela sig. I slutänden framstår det som om Trevor Jones och Randy Edelmans score är betydligt bättre än vad filmen egentligen förtjänar.

ImageImage

Heldin (2025)

Image

alt. titel: Kvällspass, Kveldsvakt, En première ligne, Late Shift

Sjuksköterskan Floria Lind hinner knappt slänga in lunchmackan i personalkylen innan hon måste hugga i. Dagpasspersonalen behöver hjälp med en äldre, förvirrad dam med förstoppning innan de kan lämna över salens patienter i Florias och kollegan Beas händer. Egentligen skulle det behövas fler händer men folk är sjukskrivna och det finns inte budgetutrymme för vikarier. Sköterskeeleven Amelie finns förvisso på plats men hon är ju där för att lära sig, vilket innebär att hennes närvaro i slutänden sannolikt kommer att kosta Floria och Bea mer tid än hon tjänar åt dem.

Sedan händer inte så mycket mer än att vi följer Floria i hälarna medan hon tävlingssnabbgår som ett skållat troll mellan de olika rummen för att kolla upp sina patienter. Frau Lauber har fått vänta på sin antibiotika i nästan 20 minuter och är det inte väldigt viktigt att man tar det vid samma tid varje gång? Herr Osmani är redan sen ned till operation och vägrar släppa greppet om sin mobil. Istället för att Herr Osmani ska förlora sin operationstid, åker Floria själv ned med honom, vilket innebär att hon blir ännu senare med Frau Laubers antibiotika. Privatpatienten Herr Schneider tycker att han borde få hjälp först av alla, för vad är det egentligen han betalar dyra pengar för?! Och så mitt i alltihopa så ringer en omtänksam anhörig och undrar om inte Floria skulle kunna leta efter svärmoderns läsglasögon som hon nog glömde när hon åkte hem under dagen?

Schweiziska Kvällspass avslutas med en redogörelse för hur många sjuksköterskor som beräknas saknas i arbetslivet, både i landet och globalt, och som en förklaring till denna brist är filmen kraftfull och berörande. Floria och Bea har inte en hanterlig arbetssituation, på någon fläck. Samtidigt är Leonie Benesch sjuksköterska (precis som läraren Carla Nowak i den tyska Lärarummet från 2023) exakt en sådan där kapabel, kompetent och omtänksam yrkesmänniska som man själv skulle vilja ha om man någon gång hamnade på sjukhus.

Kvällspass bjussar inte på ett lika delikat moraliskt dilemma som Lärarrummet men är thrillerartad på samma sätt eftersom tittaren konstant undrar när, inte om, saker och ting kommer att gå åt helvete tack vare att Floria inte kan dela sig själv i två eller tre personer. Och även om filmen inte avslutas i total katastrof eller tragedi (hon hinner ju ändå trycka i sig luchmackan i hissen på väg hem…) känns det ändå ganska uppenbart att det förr eller senare kommer att gå åt helvete med Florias stressnivåer. Patienters tacksamhet räcker inte hur långt som helst i det avseendet.

Filmen hänger förstås till 100% på Benesch prestation och hon är som sagt en lika trovärdig sjuksköterska som hon var lärare för två år sedan. Kvällspass är inte upplyftande, men väl värd en titt.

ImageImageImageImage

X2: Dubbeldoku (2025 & 2025)

Image

Det svenska styckmordet (2024)

Ibland kommer dokumentärer även i form av serier. Det blev till slut omöjligt att undvika Det svenska styckmordet, serien som “alla” pratade om. Jag blev främst intresserad när jag fattade att en av upphovsmännen var Dan Josefsson (den andre är Johannes Hallbom som inte har en mindre imponerande meritlista), vars formidabla research-kompetens visat sig i boken Mannen som slutade ljuga.

Anledningen att jag inte kastade mig över serien som “alla” andra var att jag för ett antal år sedan läst Hanna Olssons Catrine och rättvisan, Per Lindebergs Döden är en man samt Lars Borgnäs Sanningen är en sällsynt gäst. Men jag borde ju ha fattat att en ny serie, särskilt en som kommer från Josefsson, skulle åstadkomma något mer än att bara värma upp gamla rester.

För mig var det alltså första gången de anklagade – “Obducenten” och “Allmänläkaren” – fick möjlighet att ge sin syn på saken. Samtidigt tecknar serien skickligt en bild av den masspsykos (jag kan inte hitta något bättre ord för det) som uppstod i samband med fallet hos såväl polis och rättsväsende, som allmänheten. Både i relation till misstänkliggörandet av Teet Härm utifrån ett normbrytande beteende och Thomas Allgén utifrån anklagelserna som kom från hans före detta fru.

Det svenska styckmordet är välproducerad och välberättad och gör det än tydligare hur absurd rättsprocessen var.

ImageImageImageImage

Image

Filmen om Siw (2025)

Jag har ingen särskilt stor eller nära relation till Siw Malmkvist. Likt många andra i min generation handlar det väl främst om att hon var dels Pippi Långstrump på scen, dels Dorabella i Trolltider. Plus som kommissarie Ewert Grens allestädes närvarande snuttefiltssångfågel i Roslund och Hellströms kriminalromaner.

Så i det perspektivet är det förstås välkommet med en välgjord dokumentär som gör tydligt hur enormt stor ”Sivan” var när det begav sig, utan att för den skull förfalla till en detaljerad uppräkning av vartenda framträdande.

Det är också en dokumentär som lyckas förmedla en personlighet som inte bara verkar ha varit reserverad för scenen eller kameran. I klipp mellan nutid och dåtid framstår Siw Malmkvist generellt som en ganska sorglös och sprallig person som har nära till såväl skratt som krasshet. Full i fan och jävlar anamma. Intrycket är en kvinna som landat väl i sin ålderdom, utan att för den skull någonsin sluta upp med att vara nyfiken.

Förutom att Malmkvist verkar vara en skön personlighet är det också befriande med en artistdokumentär som synes helt renons på skandaler, otrohetskrashade förhållanden och missbruk av alla de slag. Överhuvudtaget tycks dess huvudperson ha tagit sig an sin karriär som ett jobb, om än ett ovanligt roligt (och välbetalt) sådant.

På det hela taget intressant, trots att jag blev lite orolig över att de många egeninspelade filmerna skulle återupprepa regissören Stina Gardells Jag är Ingrid-misstag. Så illa blev det inte, men speltiden på 125 minuter var samtidigt lite väl voluminös. Men då tror jag heller inte att jag egentligen tillhör filmens främsta målgrupp.

ImageImageImage

X2: David Ärlemalm (2020 & 2021)

Image

Jag plockade upp David Ärlemalm från bibliotekets ljudbokstjänst i tron att det skulle vara något i skräckgenren. Men debuten Lite död runt ögonen och den påföljande Som natten är främst psykologiska skildringar från mer eller mindre kriminella miljöer.

I fokus står föräldrar som egentligen bara försöker Göra Det Rätta för sina barn, men som hela tiden motarbetas av omständigheterna. Först Arto som är ensamstående med dottern Bodil efter att Bodils mamma Sofia dött av en överdos. Arto har själv en historik som gör sådant som anställningar till något chansartat samtidigt som han hela tiden har Socialtjänstens ögon på sig. Sedan Asynja som är inte ensamstående med fyramånadersbebisen Snäckan, men skulle nästan kunna vara det med tanke på hur mycket Eddie bryr sig om sin dotter. Och nu har Eddie och hans kompis Kevin satt sig i skiten med misslyckade knarkaffärer.

Som synes är ingen av böckerna några klackarna-i-taket-berättelser, men de har bägge nerv och känsla. Arto och Asynja är huvudpersoner som läsaren bryr sig om, även om särskilt Artos långsamma nedstigande i helvetet knappast kommer som en överraskning. I mina öron låter replikskiften och samtal föredömligt naturliga och Ärlemalm har överhuvudtaget ett sparsmakat språk som passar hans berättelser.

Image

Orättvist eller inte är det lättare att känna sympati för pappa Arto. När vi träffar honom har han av allt att döma blivit en fin pappa till Bodil och därför svider det så mycket mer när vi förstår hur Samhället har ögonen på honom. Enbart utifrån hans risiga bakgrund ser sig skolan tvungen att läxa upp honom den dagen Bodil är lite för tunt klädd. Problemet blir framförallt att dottern slåss, inte klasskompisarna som kallar hennes föräldrar för knarkare.

Asynja är som sagt en mer komplicerad huvudperson, i alla fall när det kommer till sympatin. Absolut, hon har också en bakgrund att tampas med och det är lätt att förstå hur hon desperat klamrar sig fast vid Eddie eftersom han en gång var den enda trygga punkt hon upplevde att hon hade. Någon som brydde sig om och ville vara med henne. Men den Eddie som läsaren får träffa är verkligen ingen trevlig typ, vare sig mot Asynja eller sin egen dotter. Han domderar, kontrollerar och slår. Hon borde dra, men till vad?

Bägge berättelserna är inkännande skildringar av två personer som bara vill ta hand om sina barn och ha ett värdigt liv. Det är ingen av dem förunnat.

Lite död runt ögonen (2020)

ImageImageImageImage

Som natten (2021)

ImageImageImageImage

Legend (1985)

Image

alt. titel: Legenden – Mörkrets härskare, Legenden – mørkets hersker

Det är så jäkla typiskt. Du är prinsessa, ung och kär. Din käresta är en snygg skogsmulletyp som gosar med rävungar och kan prata med djuren. Han visar dig något helt magiskt – enhörningar. Och så när du ska gå fram och bara hälsa på dem går allt åt helvete. Plötsligt är det vinter, din käresta håller nära på att drunkna och själv blir du kidnappad av goblins för ett tvångsäktenskap med Mörkrets härskare.

När jag drar igång denna 80-talsfantasyklassiker kastar sig namnen på mig från förtexterna. Jag hade faktiskt inget som helst minne av att det är självaste Ridley Scott som stod för regin och verkligen ingen koll på att manus kom från William Hjortsberg. Däremot är det ju svårt att glömma att detta var rollen som Tom Crusie gjorde direkt innan han breakade rejält i Top Gun. Något mer bortglömd är sannolikt Mia Sara i sin debutroll, även om jag tror att det finns många före detta tonårsgossar som minns Ferris flickvän Sloane, även den rollen året efter Legend.

Trots kombon Scott och Cruise blev mottagandet ljumt och 2015 utnämndes Legend till ett “extinction event” för fantasyfilm på 80-talet. Men jag vet inte, jag… Förvisso föregicks den av Excalibur och The Dark Crystal men sedan kom Ladyhawke samma år, Labyrinth året efter och Willow först 1988.

Däremot går det inte att komma undan att fantasyfilmer var rätt kostsamma. Förutom Excalibur gick alla ovan nämnda exempel loss på minst 25 miljoner dollar. I det här gänget filmer skulle dock jag utan tvekan vilja utnämna Legend till den visuella vinnaren. Sannolikt mycket tack vare dels Scotts öga kombinerat med Alex Thomsons foto, dels Rob Bottins effektmakeri.

Stämningen är av höggradig sagoart, med en överjordiskt vacker skog som synes hemsökt av effektfullt blåljus och guldgult solljus genom softade linser. Luften är konstant tjock av glitter, såpbubblor, maskrosfjun eller yrande snö som räcker de mer kortväxta rollfigurerna upp till bröstet. I kontrast till detta står det mörka slottet med sina underjordiska fängelsehålor, där det enda ledljuset kommer från enorma eldstäder. Även rollfigurernas utseende vittnar om inspirationen från såväl Arthur Rackham som Heath Robinson. Berättelsen är påhittad av Scott och Hjortsberg men lånar förstås en hel del från klassiska sagor som Peter Pan, Törnrosa och Snövit.

Men trots all kompetens framför och bakom kameran är det något som inte riktigt klaffar med Legend. Kanske är tempot lite off, kanske är Tompa inte riktigt rätt för rollen som skogsmulle-Jack, kanske är Mia Sara lite för oerfaren som skådis? Trots att den är ruggigt snygg och att Tompa drar på sig en rustning som knappt täcker rumpan hinner jag bli lite uttråkad innan det hela är över. Eventuellt ska jag i så fall skylla på att jag nu såg Director’s Cut-versionen som är 25 minuter längre än den amerikanska och 21 minuter längre än den internationella bioversionen?

ImageImageImage

Designa en webbplats som denna med WordPress.com
Kom igång