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Representa un paisaje llano y sin árboles con un horizonte alto. A la izquierda, la duna alta de Prerow sobresale del borde superior de la imagen. Frente a la duna, se puede ver el Prerower Strom, que conduce a la cadena de lagos Darß-Zingst . A lo lejos, se ve un barco con una vela blanca. En el tercio superior de la imagen, el artista representa la estación de tren de Prerow; una locomotora de vapor con cuatro vagones de pasajeros acaba de salir de la estación.

Un sendero conduce a las dos entradas de la estación. Dos personas avanzan por él a lo lejos, casi llegando al edificio. Una tercera persona, una mujer con un vestido largo con cinturón y un chal como tocado, corre tras ellos a grandes zancadas. Lleva un bolso en la mano derecha.

Amanecer (1920) es una reconocida obra expresionista que se caracteriza por el marcado contraste entre la oscuridad de los árboles y la luminosidad del cielo. Representa el amanecer como un momento dramático que simboliza la agitación interior y el anhelo de renovación.

La pintura representa un paisaje oscuro, casi negro, con árboles que se alzan contra un cielo salvaje y explosivo. El propio amanecer, con sus colores cálidos y luminosos, crea un marcado contraste con el entorno oscuro y las figuras sombrías que trabajan en el suelo. Este contraste entre luz y sombra es un motivo recurrente en la obra de Werefkin, que refleja sus experiencias personales y conflictos internos.

El Cartero (1929) es una reconocida obra expresionista que representa a una figura masculina con abrigo y sombrero rojos, caminando por un paisaje montañoso. El cartero es una figura frecuente en sus obras y a menudo se representa en conexión con el paisaje ruso y la vida de sus habitantes.

La representación del cartero en el arte de Werefkin se asocia a menudo con cierta melancolía y soledad, reflejando el alma y el paisaje rusos. El abrigo rojo del cartero crea un marcado contraste con el entorno, a menudo sombrío y frío, lo que realza aún más la figura.

La pintura Mère Larchevêque (The Washerwoman) de Camille Pissarro es una obra impresionante que destaca por su estilo artístico único y su composición hábilmente diseñada. La obra presenta una escena de una lavandera, una mujer mayor que se encuentra en el río lavando ropa. La pintura es un ejemplo de la habilidad de Pissarro para capturar la vida cotidiana de la gente común y transformarla en una obra de arte.

El estilo artístico de Pissarro en “Mère Larchevêque” es impresionista, lo que significa que utiliza pinceladas sueltas y rápidas para crear una sensación de movimiento y luz en la pintura. El artista también utiliza una paleta de colores suaves y apagados, lo que aporta una sensación de tranquilidad y serenidad a la obra.

Las protagonistas de Una lavandera en Eragny son una madre lavandera que realiza su trabajo y su hija que la contempla El lienzo de un estilo abocetado pero que no afecta al volumen de las figuras posee un bello colorido: los naranjas, verdes y azules comparten protagonismo creando una bella sinfonía de colores y la iluminación y la atmósfera están plenamente conseguidas.

Las protagonistas de Lavanderas (1899) son tres lavanderas. El lienzo posee un bello colorido : el verde de los árboles contrasta con el azul del agua y la iluminación inunda toda la escena.

La pintura muestra un campesino arando la tierra con la ayuda de dos bueyes. Lo hace sobre un paisaje agrícola de vegetación muy esquemática con puesta de sol al fondo. Predominan los colores cálidos como ocres, amarillos y marrones.

En Llauradors un par de hombres trabajan en el campo arando la tierra con sus animales. Se presenta un paisaje dividido en cuatro planos verticales, de abajo a arriba. El primero, presenta el terreno labrado a través de líneas diagonales y de color naranja; en el segundo, aparece un hombre y dos bueyes que labran el terreno con aperos. Aquí el campo aparece con líneas horizontales y en color rojo; en el tercero, aparece otro hombre con dos mulos, labrando igualmente la tierra, en dirección hacia la izquierda, y el terreno se representa con líneas diagonales en un rojo más claro que el anterior; y el cuarto, presenta una pequeño paisaje con colinas en tonos marrones y grises, con el sol y sus rayos en el cielo. En los tres campos de cultivo, el pintor ha colocado pequeños montones de piedra para incidir en la idea del arado de la tierra.

Joan Brotat Vilanova, nacido en Barcelona en 1920, fue uno de los artistas más originales y, sin embargo, hoy peor conocidos de la reconstrucción de la modernidad en los años de posguerra en España.

Su procedencia humilde, la experiencia dura de la participación en la Guerra Civil como miembro de la Quinta del Biberón y una posguerra muy dura, económica y moralmente, explican la dificultad y la tardanza en la carrera de Joan Brotat, que sólo se hizo pública cuando ya había cumplido los treinta años. La pintura y la creación de un mundo de inocencia absoluta fueron la respuesta a esa amargura. Después de un éxito de crítica que fue un espejismo, las circunstancias de la vida y la dinámica del sistema del arte lo relegaron posteriormente a un olvido injusto.

Antes de su primera exposición, Brotat tuvo un breve período de informalismo y experimentación con collages y técnica gestual, pero en 1949 su obra empezó a adquirir un estilo primitivista muy personal como una reinvención de la pintura románica catalana.

Buscó un lenguaje primigenio y sus exploraciones lo llevaron a una figuración primitiva, ruda y elemental, casi brutalista en algunos momentos, que luego se fue sofisticando y haciéndose preciosista. En sus inicios, el gesto es ágil, espontáneo y dinámico; recuerda claramente la crudeza y la fuerza del arte infantil. Pero a diferencia de los naifs, en Brotat hay una voluntad culta y reflexiva, como demuestran la vinculación al modelo románico y los esbozos abstractos, que preceden a la opción figurativa. Brotat enlazó con la corriente de primitivismo estético que se desarrolló en la Europa de posguerra y que tuvo una constancia muy notable en España, vinculada a la herencia de Joan Miró y a los debates surgidos alrededor de la llamada Escuela de Altamira. Fue, tal vez, uno de los más fructíferos representantes de esa tendencia.

Hijo de zapateros y vecino de un barrio tradicional de artesanos, una de las temáticas clave de Brotat es el mundo del trabajo, pero no el de la industria y la tecnología, que sería el propio de las dinámicas de su tiempo, en la era atómica y de los inicios de la sociedad de consumo, sino el de la artesanía y la agricultura, el de las tareas y los modos de hacer anteriores a la alienación. Había en él una especie de ética genuina del artesano.

Brotat construyó una realidad paralela hecha de ternura y de serenidad, habitada por seres afables y felices, modestos y trabajadores. Esta añoranza de una cultura arcádica se produce bajo el signo de la nostalgia. Brotat celebra una sociedad premoderna donde las personas parecen estar más cerca de la naturaleza. Se intuye, asimismo, una dimensión mágica, animista, en los paisajes cargados de símbolos y de referencias a lo orgánico y a la fertilidad, pero también a la muerte. Brotat crea un universo en que se domina y se sublima el conflicto. El vitalismo de la naturaleza se conjuga con la serenidad cotidiana o trascendente de los hombres. El hieratismo de las figuras, heredado del románico, confiere una especie de valor mítico a los personajes.

Aunque su vida fue breve, Halfdan Egedius dejó una impresión duradera en el arte noruego. Su talento artístico fue descubierto desde el principio y comenzó su formación en la escuela de pintura de Bergslien cuando tenía nueve años. Durante su formación en Kristiania, entre sus profesores también se encontraban pintores de renombre como Erik Werenskiold y Harriet Backer.

El arte de Egedius representa una ruptura con el realismo hacia un estilo más atmosférico, como se ve en sus formas simplificadas, colores tenues y pinceladas onduladas. Pero, sobre todo, las pinturas de Egedius muestran su personal interpretación de paisajes y entornos.

El cuadro El soñador continúa la revitalización en la década de 1880 del retrato del artista como género. El compañero pintor de Egedius, Torleiv Stadskleiv, doce años mayor que él, está retratado en una granja en el pueblo de Bø en Telemark, donde Egedius pasó el verano de 1895. El retrato es majestuosamente simple e informal. Mirando hacia la luz que se filtra, la figura se sumerge profundamente en sus propios pensamientos. Está situado un poco a un lado en el plano pictórico, con la mancha de sol en el suelo como contrapunto. La pintura está organizada cromáticamente alrededor de una sección media en blanco y negro, rodeada por el esquema complementario de rojo, amarillo y verde, con los calcetines rojo brillante del hombre y la silla de troncos como elementos llamativos.

La pose alude a un motivo popular en la historia del arte: el pensador melancólico. Este motivo fue apropiado y rearticulado en el fin de siglo del siglo XIX por artistas como Auguste Rodin y Edvard Munch. En la pintura de Egedius, el tema se formula de una manera más realista y mundana.

Aunque a menudo se hace referencia al cuadro Juego y danza (1896) como “inacabado”, sigue siendo una de las principales obras de Halfdan Egedius. Egedius utiliza una paleta tenue, y las diversas formas parecen sólo parcialmente terminadas, o bien se desvanecen en una oscuridad indeterminable. El entorno y los detalles se minimizan en favor de una impresión inmediata y holística. La forma relajada realza los motivos atmosféricos de música, ritmo, baile y éxtasis de la pintura.

Egedius creó la pintura en el verano de 1896, con su colega pintor Torleiv Stadskleiv haciéndose pasar por el violinista. Durante su primer viaje a Telemark en 1892, Egedius quedó cautivado por su naturaleza y cultura y, en particular, por la “ferocidad” inherente al patrimonio de música y danza de la región. Egedius trabajó en este tema durante bastante tiempo y conocemos varios dibujos, estudios preliminares y variaciones del motivo. La relación entre el violinista, el instrumento y la gente que baila crea una impresión hipnótica de sonido, movimiento y emoción fuerte, subrayada por las pinceladas amplias y las pinceladas apresuradas de color. Por cierto, la música era un tema común en las pinturas de la década de 1890.

Las mujeres del fondo están ataviadas con trajes típicos típicos. El brillante perfil del violinista, situado muy a la izquierda, contrasta con la oscuridad del fondo, y la luz da a su rostro un aspecto dramático. Con los ojos entrecerrados, cede a la capacidad de la música para incitar a los bailarines.

Cuando Lasar Segall (1891-1957) empezó a pintar “El barco de los emigrantes” en 1939, estallaba la Segunda Guerra Mundial en Europa. Siempre que vemos esta imagen, pensamos en la experiencia de los miles de refugiados que abordaron estos barcos para sobrevivir. Y, aún hoy, la relevancia de este trabajo es evidente cuando vemos tantos desplazamientos ocurridos debido a guerras, conflictos y crisis que continúan en el mundo contemporáneo. Pero más allá de estas primeras reflexiones, este panorama puede llevarnos a un balance muy extenso.

Lasar Segall tardó dos años en pintar el cuadro, que se completó en 1941. Antes, sin embargo, ya había realizado varios dibujos de anotaciones del mar, barcos, gaviotas y marineros, elaborados a partir de su propia experiencia viajando en barcos; tanto cuando vino a Brasil como en otros viajes que realizó. Mário de Andrade dijo una vez que “Navio de emigrantes” es un cuadro “muy reflexivo”. Muestra su preocupación por la condición humana y con todo el rigor y cuidado estético.