Plastikman-“Closer” (Nova Mute- 2003)
Justo cuando el estallido electroclash empezaba a pasar (a Medellín casi ni había llegado, dicen quienes entonces vivían en la ciudad) y las pistas de baile se llenaban de chicos indie que bailaban al son de la pléyade de imitadores de Gang of Four y Joy Division. Justo cuando el techno se deslizaba hacia la zona oscura del minimal, de la que aun le cuesta salir, Ritchie Hawtin acababa de un tajo con su carrera como productor creíble, y comenzaba a labrar su leyenda como ídolo de masas mainstream, al publicar un disco inimitable que define y a la vez despelleja lo que se conoce como minimal. Quienes en su momento oímos este disco, jamás nos volvimos a interesar por algo que llevara dicha etiqueta. En los oscuros abismos encapsulados entre los 10 cortes de este disco estaba todo lo que podía decirse de un subgénero que nunca jamás pudo dar algo mejor de sí. Nunca Plastikman, ni bajo su alias o bajo su nombre original, ni con su sello, ni con sus giras mundiales -donde las registradoras sonaban más duro que los platillos de sus cajas de ritmos- volvió a ser el mismo. Toda una generación de dj’s y gente pistera embrutecida al compas de las mesetas minimal, especialmente en Medellín. A la pregunta por el disco de Hawtin, su desconocimiento era ley. Afortunadamente para unos pocos, este disco llego para librarnos del minimal.
Al final del 2004 se presento en Medellin como Plastikman. Doy fe de que no gusto, ni a los chicos electroclash, ni a los pocos aletosos que después se convertirían en dj’s de eventos comerciales gigangtescos y de flyers con acabado UV.
Dj’s de Medellin: cuando terminen de despertar de su letargo minimal, no oigan este disco, corren el peligro de colgar los audífonos cuando se den cuenta del camino tan equivocado que tomaron.
El minimal no era para bailar.
Y eso que no vamos a perder tiempo hablando del progressive, la otra plaga local.
http://www.youtube.com/watch?v=eh5DR3WHyss
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The Strokes-“Is This It” (RCA/Rough Trade 2001)
Tenía que suceder tarde o temprano y sucedió. Al final de la vergonzosa época de los Superstar Dj’s, cuando había descerebrados que pagaban fortunas a un dj por dejarse ver con la camisa desabrochada y sonreír al publico arrodillado (en Medellín todavía hay quien muerde este anzuelo de los top dj’s y demás chorradas) o buscando que les hicieran remezclas, con el fin de no ser demodé y poder bailar con la más moderna, aparece este proyecto, el disco de debut de la banda neoyorquina, para redefinir lo que habría de ser la década en términos de música comercial. Como bien apuntan por ahí, de repente las canciones de 3 minutos y medio de rock de garaje se convirtieron en lo más cool. Lo que vino después ya nos lo sabemos de memoria, pantalones negros apretados, look un poco sórdido, actitud de callejón y cantidades de basura indie llenando las listas del Reino Unido y los Estados Unidos. La juventud del mundo rendida a ídolos de papel como The Killers. Cuando el revival aplicado y bien dirigido todavía era algo novedoso, Is This It se convirtió en una leyenda que ni siquiera los mismos Strokes, a pesar de sus intentos posteriores, lograron superar o igualar.
http://www.youtube.com/watch?v=-LYbWn_Oit8
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Bangkok Impact-”Traveller” (Crème Organization 2002)
El finlandés Sami Liuski publicaba en 2002 la referencia más importante de Crème Organization hasta entonces, el primer formato en LP del sello. Traveller es un viaje por la historia de lo más selecto de la música electrónica de baile, desde Moroder hasta el revival electroclash, pasando por el house y el techno. Todo este viaje está hecho a bases de ritmos 4 x 4 con baterías que hacen bailar a cualquiera. Incluso hasta al mas punk –donde los haya-
A pesar de tener sencillos y EP’s desperdigados por algunos de los sellos más notables de música de baile –y de escucha, seamos honestos- de la década, como Clone y Viewlexx, es éste LP publicado en Crème el que define no sólo un sonido único, propio, sinó que logra airear la escena de baile sacándola de los excesos electroclash de principios de década y que mostrará el camino que muchos habrían de seguir después. Teñido de referencias sexuales en sus pocas letras, melodías de ensueño y bajos pegajosos, Traveller nos presenta un nuevo universo de sonidos que hasta entonces convivían por separado en galaxias diferentes, los reúne y nos regala una pieza inolvidable. Con un pie en el pasado y el otro en el futuro, Bangkok Impact crea un disco nostálgico y atemporal, que seguirá sonando igual de bien durante muchísimos años, testigo y compañero de una época maravillosa perdida para siempre: Los 00’s.
Pista Forever!!!!
http://www.youtube.com/watch?v=tJz3QmMfddg
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Benjamin Biolay-”Rose Kennedy” (Virgin France 2002)
Pocas veces un disco de debut ha sido tan consecuente con sus secuelas. Benjamin Biolay, multi instrumentista, productor de muchas estrellas de la canción francesa, como Keren Ann, Coralie Clement, y rescatador del olvido de personajes como Henri Salvador, nos regalaba en el 2002 un disco inspirado en el glamour que despide la trágica historia de la madre de los Kennedy, fallecida en 1995 a la edad de 104 años. Ambientes sombríos, llenos de sutileza, elegancia y romanticismo, arreglos de cuerda, de viento y sonidos electrónicos, que al redefinir la chanson francesa, acaba redefiniendo en parte la música pop elegante en todos los idiomas y lugares de la tierra, esa que nunca cansa, que no es melosa, pero que no deja de ser música que pretende agradar y dejar huella. A pesar de que ésta década ha visto crecer a Biolay como músico, regalándonos grandes discos como Negatif, L’origin, o el que estrenó en 2009 La Superbe, es Rose Kennedy el que se merece aparecer en una lista como esta porque marca, de entrada, el camino que muchos artistas jamás alcanzarán aunque se esfuercen. El nacimiento de una estrella, uno de los discos favoritos de todos los tiempos de la piscina vacía. Arrollador.
http://hypem.com/track/949478/Benjamin+Biolay+-+Rose+Kennedy
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Hot Chip-“The Warning” (Astralwerks-DFA 2006)
Después de sus elegantes EP’S, y, sobre todo, de su excelente Coming On Strong, Hot Chip llegaban en el 2006 con otro disco que tampoco se parecía a nada oído antes que no fuese ellos mismos. Temas como Over and Over, Just Like We, No Fit State, y la aclamadísima Boy From School , ponían más que nunca a los chicos de Putney, Londres, en la mira de todo el mundo. Sonidos futuristas, percusiones acústicas, sonidillos caseros, bases bailables, y mucha mucha melancolía freak puesta en sus letras. Desde la primera escucha, The Warning es un disco que te deja atrapado entre sus acordes y sus coros a varias voces. Justo en el momento en que hacían remixes elegantes por doquier a artistas bien dispares, los Hot Chip alcanzaron el punto más alto de su discografía, que luego con su secuela Made in The Dark , disco con el que quien escribe estas líneas tuvo la oportunidad de verles en vivo, y con el que jamás alcanzaron lo logrado en éste álbum.
http://www.youtube.com/watch?v=Q3XWTKJGGzc
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Dj Rupture-“Special Gun Powder” (Tigerbeat6 2004)
Todo un paseo sonoro por las música negra de África y el Caribe, DUB, Reggae, Ragga, Hip Hop, Turntablismo, todo chorreado con elementos disonantes que crean confusión en la pista de baile. DJ RUPTURE tanto en sus presentaciones en vivo, como en la escucha del disco es una experiencia única e inolvidable. De los platos logra sacar melodías de canciones de The Cure a partir de la manipulación de discos de música de baile africana, o igual se saca de bajo la manga el último éxito champetero de la época y ponerlo a sonar como techno. Con Special Gun Powder lo que ocurre es casi una experiencia mística y es que uno, como latinoamericano que se ha pasado casi toda la vida oyendo música europea y anglosajona en general, empieza a sentir que la música que oyes en este disco te pertenece, que la conoces de toda la vida, que has nadado desde siempre en sus bajos gruesos y sus trompetas, que te has caído entre los cortes bruscos de sus beats….
A pesar de ser un álbum de corte electrónico, la anécdota es que pareciera contar con orquestas de África y El Caribe metidas en el estudio. Un disco inolvidable y fundamental, pero sobre todo indescriptible. Adjuntamos sólo una de sus tracks en el disco, que precisamente es en español. Ultra recomendado, sobre todo para los creen que la cumbia es lo más guay y lo más chachi.
Para interesados y enteradillos, adjuntamos su blog.
http://www.youtube.com/watch?v=tBwS8XJkN_Y
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Primal Scream-“XTRMNTR” (Creation 2000)
Juntando la crema y nata del pop y rock británico de los 80’s y 90’s en un supergrupo: Mani (ex Stone Roses) Bobby Gillespie (ex Jesus ans Mary Chain) y Kevin Shields (ex My Bloody Valentine) un remix por Chemical Brothers y la producción de David Holmes en muchos de los temas, Primal Scream, conformado entonces por personas que rondaban los 40 años, firmaban uno de los discos más importantes de la historia de la música, donde definían cómo debía sonar el rock en el nuevo milenio, teniendo como telón de fondo una crítica directa y fuerte a un mundo globalizado, en poder de las multinacionales, del complejo Industrial Militar y su contraparte Química. Negocio redondo, fabricar las armas para herir y los químicos para curar. El espeso y corrupto mundo que se hacía cada vez más visible, y que tuvo como primer suceso a gran escala el atentado a las Torres Gemelas el 11 de Septiembre de 2001, era descrito y recreado en el tenso ambiente que este disco insuperable deja aparecer.
Títulos como “Kill All Hippies” o “Swastika Eyes” nos dejaban el sabor amargo de vivir en un mundo prostituto, arrodillado a unos pocos, listo para mamar y dejarse meter el dedo.
Y pensar que sólo un año después liviandades como “New York City Cops” de The Strokes era censurada en los Estados Unidos….
Recogiendo el testigo de Stooges y los MC5 de “Kick Out Jams Motherfuckers!” Primal Scream firman con XTRMNTR un disco irrepetible, incluso por ellos mismos. Cuando aún la llamada Guerra contra el Terrorismo no era el negocio más lucrativo del mundo, los Primal Scream nos advertían lo que pasaría si seguíamos arrodillados. Ya todos conocemos el desenlace fatal. Que nadie diga que no le advirtieron, y mucho menos en Colombia. Mucho más fuerte y arrollador que cualquier payasada de los chicos de la cresta y la A de Anarquía, que parece de “Autocomplacientes”. Si a los pirados del Mid West norteamericano se les aparece Elvis Presley en el omelette, a los punks de Medellín se les aparece Sid Vicious en la taza de aguapanela.
http://www.youtube.com/watch?v=c5Q0dYq1G48
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Phoenix-“It’s Never Been Like That” (Source UK 2006)
Después de todo lo dicho por mi gran amigo JC sobre el álbum debut de Phoenix “United”, parecería imposible que en otra lista apareciese el grupo francés. Sin embargo, en la lista de la piscina vacía casi se meten sus dos secuelas. Por inadmisible, y por no dedicarle todo el espacio disponible a Phoenix -en detrimento de otras brillanteces- su segundo álbum “Alphabetical”, quedaba por fuera de esta lista muy a pesar de la piscina. Sin embargo éste, su tercer álbum, sí que ocupa acá un lugar de privilegio. Phoenix es uno de esos grupos que no desmejoran después de un debut brillante. Al contrario firman segundos, terceros e incluso cuartos discos geniales. La más norteamericana de las bandas francesas, dejaba claro que el pop rock les pertenece y que son los máximos creadores de himnos instantáneos de nuestra generación, desde su ya lejano en el tiempo “United” con ”If I ever Feel Better” y “Too Young”, su arsenal de hits en el segundo disco, y cortes inolvidables como “Consolation Prizes”, “One Time Too Many”, “Second To None” del disco en cuestión. Fue “It’s Never Been Like That”, pero bien pudo ser cualquiera de sus tres primeros discos, llenos de galleticas que se siguen paladeando sin perder ni un ápice de sabor.
Si algún día me preguntan cuál es mi época, diré, sin dudarlo, y con la garganta a punto de estallar de emoción, que soy de la época de Phoenix: You Know I don’t want to be clever, to be brilliant or superior, True Like Ice True Like Fire…
(…)when it’s all over I’ll let you know
http://www.youtube.com/watch?v=4hGYANqDEyw
http://www.youtube.com/watch?v=avXVv6NSIE0
http://www.youtube.com/watch?v=ceF0Qy9BPr0
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Zoot Woman-“Living in a Magazine” (Wall of Sound 2001)
Nunca lanzados en los Estados Unidos, ninguneados deliberadamente por la prensa española, sin contar con suficientes fans en Londres, pero con una influencia enorme que no para de crecer, Zoot Woman entraban en la arena con su álbum debut, que agotaba de una vez por todas las posibilidades inteligentes de revival ochentero. Su frívolo título, la foto de portada, y las letras de algunas de sus canciones, ambientaban el advenimiento de una nueva onda fashion reconocida por pocos pero seguida por muchísimos. La impagable voz de Johnny Blake, la elegante y copiadísima producción de Stuart Price a.k.a. Jacques Lu cont (si, el mismo de Les Rythmes Digitales, si, el mismo detrás de la composición y producción del Confessions on a Dancefloor, de lejos el mejor disco de Madonna en décadas) y la batería de Adam Blake, reúnen en Living in a Magazine lo que se ha convertido en un libro de estilo del pop que se mueve bajo la mesa. Años han pasado y este disco sigue siendo un referente obligado entre artistas y productores, pero difícilmente ha conseguido llegar a las multitudes. Temas como el homónimo “Living in a Magazine”, “Information First”, “It’s Automatic”, “Jessie”, el cover de “The Model” de Kraftwerk, y ”Holiday Home”, con la que cierran el disco, constituyen un repertorio difícil de alcanzar en un solo disco, y además de debut. Sin vivir bajo la sombra de nadie, y apostándole a sacar pocos discos, separados en sus giras por el éxito de Price como productor, pero reunidos en el estudio para grabar, Zoot Woman se mantienen en un bajo perfil, a la par que su primer disco gana con el tiempo y envejece como el disco de culto de nuestra década. Una larga espera para su segundo y tercer discos, los únicos con que llenan gran parte de nuestra década.
La piscina vacía, como reseño hace ya dos años, tuvo la feliz ocasión de verles en vivo en un pequeño local cerca de Hoxton Square en Londres, para sorprenderse con que en vivo suenan igual o mejor que en el disco, y para constatar que si, que sus canciones no pierden vigencia que son la banda sonora de una parte muy importante de su vida. Inolvidable el día en que JC me pasaba “Living in a Magazine”en casa de Cordula Daus. Gracias wey, eternamente agradecido.
http://www.youtube.com/watch?v=Me_W6WkaQ8w
http://www.youtube.com/watch?v=JJo8pLHPLI4
http://www.youtube.com/watch?v=PIeq-dYIyxU
http://www.facebook.com/video/video.php?v=10414473635
http://www.facebook.com/video/video.php?v=10414358635
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The Whitest Boy Alive-“Dreams” (Asound/Bubbles 2006)
Acoustic Music Club, o Old Rave, fué la etiqueta que Erlend Oye escogió en el myspace de Whitest Boy Alive, cuando Modular Recordings lanzó este disco en 2007 en el Electric Ballroom de Camden Town en Londres. Erlend, integrante del delicado dúo Kings of Convenience, firmante del elegante disco en solitario “Unrest” -con productores regados en diferentes ciudades del mundo, entre los que se destacan, entre otros, Morgan Geist (Metro Area), Soviet o Kompis y del que Jarvis Cocker le dirige el video de “Sudden Rush”- da un giro a su proyecto The Whitest Boy Alive, que inicialmente se pensaba para las pistas de baile en clave electroclash, y firma el debut en LP convirtiéndolo en un disco acústico de música de baile, refrescando el género con diez elegantes cortes, y demostrando su hasta entonces desconocida faceta de carismático entertainer que crea una complicidad con el público vedada hasta entonces a oscuros músicos de culto o estrellas consagradas de rock. Sin ser ni lo uno ni lo otro, sinó más bien un nerd con poder que vence la timidez, Erlend Oye suma durante la década de los 00’s discos geniales de todos sus proyectos, hace giras por Suramérica, e incluso compone el segundo disco de Whitest Boy Alive en México, país en el que decide vivir durante una temporada. Letras de ensueño, su voz inconfundible, y su aspecto sanote constituyen una imagen de anti-estrella que de inmediato cala en la retina del público y la prensa. Nuevamente una feliz ocasión se le presenta a la piscina vacía para el lanzamiento de “Dreams” en el mencionado evento en Londres, y en vivo Erlend demuestra, a pesar de tener la guitarra estropeada durante medio concierto, que no está para fracasar, que compone canciones increíbles, que contagia al público de una energía indescriptible, que hace versiones acústicas de temas noventeros tan dispares como “I Like to Move It Move It” de Reel 2 Reel, “Show Me Love”de Robin S., “The Power” de Snap y siempre, oígase bien, siempre, supera al original, incluso como tema bailable. Todo esto demuestra que Erlend es, quizás, el genio de la década. Larga vida a Erlend, o como el mismo se presenta: The Whitest Boy Alive!
http://www.youtube.com/watch?v=QrC00hhWnSM
Estos 10 años posiblemente no serán recordados por grandes discos de rock pesado o metal. Los buenos tiempos ya pasaron y creo que no veremos una buena cantidad de discos decentes de estos géneros en los años venideros. Pero más allá de eso, es demasiado refrescante cuando vemos un futuro prometedor en grupos de metal con integrantes que pueden pasar fácilmente por chicos universitarios que gustan del centro comercial. En pocas palabras, el metal rescatable de las épocas venideras provendrá de derivados del math rock y de chicos con anteojos y converse, sin interés alguno en llenar estadios de gente coreando sus canciones. Eso se los aseguro.
The disentegration loops es una colección de cuatro discos que tienen una historia por demás, bella y ambiciosa. En uno de sus tantos experimentos con cinta magnética, Basinski notó como el inevitable deterioro de éstas cintas al continuo contacto con las cabezas de reproducción, iba creando nuevas texturas y colores en sus composiciones. Entonces decidió componer pequeñas piezas para luego pasarlas y pasarlas interminablemente por sus máquinas grabadoras hasta lograr esto. Sonidos provenientes del cielo, texturas hipnóticas y hermosas con una carga emocional infinita. Este disco sólo demuestra que la paciencia y la dedicación siempre son bien recompensadas
“I seen the demons
Para serles sincero, nunca he sido muy fanático de los discos dobles. Me parece que el proceso de selección simplemente no existió y que lo que escuchamos es la sesión de grabación completa, cosa que por múltiples razones no debería pasar. Pero bueno, luego de escuchar este disco por primera vez quedé atónito, no dejé de pensar en cómo es posible tanta belleza junta. Desde la primera nota de “the tired sounds…” te sientes flotando en una nube de drones y texturas sublimes que quisieras nunca se desvaneciera y que durara al menos otros 3 discos más. Un sueño perfecto donde no existe la gravedad y del que nunca quisieras despertar
No se si muchos lo sepan pero detrás de este seudónimo está Wolfgang Voigt, creador del sello Kompakt. Para muchos puede ser muy extraño que el creador de Kompakt haga música de este tipo, más propia de sellos como Kranky o Mille plateaux, pero así es. Gas, su pseudónimo mas ambient, contó con 6 discos entre el 96 y 00 de los que todos recordamos Zauberberg, tal vez para muchos su obra maestra. Pero no podemos dejar de lado este pequeño manojo de piezas perfectas que componen Pop, una obra tan hermosa, que Voigt tardó casi ocho años en volver a publicar algo que merezca estar a la altura de lo hecho hasta ese momento. Ocho larguísimos años para volvernos a entregar algo de música pero si es para escuchar algo así, bien vale la pena.
Con una escena rock moribunda, agónica y que parece no querer revivir, Deerhunter al parecer quiere tomar la batuta y luchar hasta el fin. Provenientes de Atlanta, este quinteto decide publicar dos discos en uno. Dos discos grabados de una forma maratónica pero que describen excelentemente de qué está hecho el buen rock. «Microcastle / Weird era continued» es un aliciente de esperanza para aquellos pesimistas como yo que piensan que el rock es un género en vía de extinción.
Jeff Tweedy es de lejos el poeta de nuestra generación y para este disco aún contaba con el lastimosamente fallecido Jeff Bennett y con el gran Jim O’rourke en la producción. A finales del 2001, el mundo pasaba por momentos difíciles y Wilco también. Al terminar este disco, Reprise su sello disquero en ese entonces, subsidiario de Warner y manejado por empresarios obviamente sordos, rechazaron el disco por sus letras un tanto oscuras y por el supuesto poco éxito que tendrían con él. Así que los dejaron ir y Wilco se convirtió tal vez, en el primer grupo conocido que decidió regalar un disco completo por Internet. Luego de su éxito al compartir este disco por la autopista de la información, fueron fichados por otro sello de Warner, nonesuch, con el que continúan tranquilos y felices hasta ahora. Además, grabaron un video hermoso que es un documental de la grabación de este disco y se vendió igual de bien que “Yankee..”, el disco más vendido de Wilco a la fecha. Ay! Warner, hay marranos que pagan dos veces por lo mismo y no se dan por enterados. Dios! Cómo pueden llegar a ser tan tontos los grandes empresarios.
El segundo esfuerzo de los escoceses Boards of Canada consta de 23 tracks brumosos e introspectivos. Se trata de un disco que generó cantidad de opiniones encontradas, ya que para muchos no es un disco exitoso y para otros un disco de culto. Pero es que se trata de Boards of Canada, su intención no es hacer hits, viven en un faro donde lo poco que sabemos de ellos lo conocemos gracias a su música y donde desde tierras lejanas e inhóspitas, llenan nuestros hogares con un brillo singular. Una sensación de estar viendo todo el tiempo a través de un vidrio empañado, una sensación de tener el corazón en todo momento amainado.
Es cierto que el disco que les dio a DCFC un lugar de reconocimiento en la escena musical es el esfuerzo anterior llamado “Transatlanticism”, pero escogí éste porque se trata de un disco mucho más maduro. En “Plans” cada canción está maravillosamente bien confeccionada y con letras hermosas además de inteligentes. Un disco que muestra que para ser pop en la actualidad, no es necesario venderle el alma al diablo ni al R&B.
Biosphere a.k.a. Geir Jensen, se muda a vivir a un sitio remoto y helado en las mas altas tierras nórdicas. Allí decide hacer grabaciones de campo del frío y helado territorio antártico con el que crea la urdimbre de “Dropsonde”. Se trata de una producción ambient y downtempo que recoge experiencias anteriores y que sigue fielmente con el tipo de música que Jensen gusta hacer y que a muchos nos gusta escuchar. Un tipo de música compuesta en el frío antártico con una calidez un tanto extraña y propicia para cualquier tipo de clima.
Eric Claridge, Sam Prekop, Archer Prewitt y John McEntire son nombres que muchos conocemos de memoria y que asociamos a buena música. The sea and cake es rock inteligente que no suena a ninguna otra cosa, es tal vez la cara más pop del post-rock.
El único disco en vivo de mi lista porque simple y llanamente refleja toda la carga emocional y la crudeza de las canciones de este excelente artista que primero nos deleitó con sus discos como Red house painters y luego bajo el seudónimo de Sun kil moon. Un disco doble que incluye la mayoría de los temas compuestos a la fecha, los tracks de su ep de covers de AC/DC y otros más de sus múltiples proyectos alternos. Así, que como sólo podía escoger un disco de este señor, escogí el que es en vivo y el que tiene casi todas sus canciones, porque todas son fascinantes.
Delicadeza y minimalismo son las palabras que mejor pueden describir a Jan Jelinek y toda su majestuosa obra. Un disco de nueve temas que nunca aburren y que siempre te mantienen enganchado. Y es que esta placa es siempre impredecible, porque con un bajo, unos cuantos clicks y un manojo de samples, Jelinek sabe manejar la tensión y nunca te deja caer en lo monótono y lineal que a veces puede llegar a ser este tipo de música. No se que piensen ustedes pero yo estoy absolutamente seguro de que si los dioses bailaran, de seguro lo harían con Textstar.
Creo que este fue el disco más difícil de escoger para mí, porque podría fácilmente hacer un top con discos de Tim Hecker. Cada disco de este señor es tan único, tan lleno de magía y merece para mí estar en esta lista. “Radio Amor” y sus distorsiones y eperimentación, “haunt me, haunt me…” y su repetición hecha perfección, “Harmony in ultraviolet” y Chimeras, una de sus piezas más sublimes, pero bueno, resultó que me incliné por “Mirages”, elección un tanto personal, debida a que de todos es el que más escucho. “Mirages” tiene capas y capas de guitarras distorsionadas, bajos usados extrañamente y texturas ambient con grano extremo que generan una amalgama magistral de ambient y solo ambient. Para que más, con Tim Hecker sonando que se acabe el mundo ya mismo que lo espero feliz.
No cabe duda que cuando se piensa en rap en nuestro idioma, el primer grupo que se viene a la mente es éste y es que es muy simple, Doble V es el mejor. Luego de una cantidad extensa de discos, ep’s y colaboraciones, Hate, Kase-O y Liriko demuestran con este disco, que ya no son solamente importantes como referencia Hip-Hop en nuestro idioma sino como referencia Hip-Hop a secas. Aunque un poco menos hardcore que sus anteriores esfuerzos, “Vivir para contarlo” tiene un lugar en los grandes de la música mundial. No es un disco para coger a la ligera, es un disco que hay que escuchar, entender, meditar. Un disco que te enseña que es necesario coger esos falsos MC’s, músicos pop de moda y toda esa música con pronta fecha de caducidad y seguir sus dogmas al pie de la letra. Así, como el gran Hate dice:
Extraño tal vez, pero Donnacha Costello decide crear una obra demasiado íntima para un artista que nos tiene acostumbrados a la pista de baile. Un disco tejido casi completamente con microsampling y bellos pads de teclado. Un disco para aquellos momentos de tristeza y soledad. Un disco desgarrador que hace mucho se llevó la mitad de mi alma y que no me molesta que lo haya hecho, porque pocos discos se lo merecen y uno de ellos es éste.
Estoy casi seguro de que he sido el único de todos nosotros que ha puesto en su lista un disco de nuestro continente y no me avergüenzo de hacerlo, no hay por qué. Café Tacuba es tal vez el mayor referente de rock en nuestro idioma después de Soda Stereo y se que muchos dudarán de ello, pero a mi me gusta pensar que es así. Me gusta pensar que tienen el lugar que se merecen, por su trabajo constante y por la calidad entregada en cada disco nuevo que prensan. Son tan buenos y tan subvalorados por muchos. De verdad, cuándo comprenderán que Café Tacuba es mucho más que Ingrata, que Café Tacuba es un verdadero grupo digno de culto y que desde hace mucho tiempo ya, tiene un terrenito muy bien ganado en el cielo.
Pocas veces las uniones temporales entre dos artistas son tan afortunadas como lo fue ésta. Madlib, genio de las instrumentales y MF Doom diestro mentor de las rimas oscuras y sincopadas, hicieron una placa más que memorable. Samples de viejas tonadas jazz y extractos de audio de series de ciencia ficción son la base para que las muy bien pensadas líricas de MF Doom fluyan sin parar. Abstracción sin límite en un género que en su gran mayoría carece de ello. Genialidad sin límite en un género que poco a poco cae en el abismo de lo predecible. Perfección sin límite en un disco hecho por dos artistas obsesivos por el deber bien cumplido.
Cuando salió al mercado “Boces”, Mercury Rev se ganó un lugar reconocido entre los críticos. Una especie de rock psicodélico muy de los 90, empezó a invadir las principales listas del rock independiente. Pero como todo el mundo, Mercury rev envejece, y con “Deserter’s songs” maduraron al punto de prescindir casi por completo de instrumentos rock. En “All is dream” retoman ciertos elementos de discos anteriores y los fusionan con su nueva forma de composición. Un sonido un tanto beatlesque y melancólico que nadie puede pasar por alto y que te pone a pensar que para qué Sigur Ros cuando tenés a Mercury rev
Quién no conoce la trayectoria de este par de señores, cada uno un maestro en su campo y cada uno con mucho por dar aún en el mundo de la música. Sus realidades una vez se encontraron y como fue tan maravilloso el resultado, decidieron volver a hacerlo. De ahí surge “Insen”, no hay nada que decir de él, ninguna palabra puede hacerle justicia a esta obra maestra. Sólo toca escuchar y disfrutar.
Quién al escuchar por primera vez a Edith Frost en sus discos en drag city o con su boxhead ensemble en atavistic no quedo prendado de su voz y sus bellas tonadas folk. Considérenme uno de ellos, porque Edith Frost en su minimalismo folk no puede ser mas expresiva, abrasiva y acertada.
Después de entregarnos en el 2008 ese bello disco llamado Sworn lleno de dub techno y clicks & cuts excepcionales, el señor Ilar decide regalar en su website otra bella obra. En twilight rainfalls, Ilar mezcla muy bien el estilo de sus eps anteriores en diversos netlabels con el de su sonido un poco más dancefloor de su último esfuerzo. Un bello disco que bien valdría la pena hacer parte de algún sello, pero debido al poco interés de estos actualmente, obliga a los artistas a tomar éste no menos noble camino.
Kyoto digital fue un excelentísimo netlabel afincado en Dinamarca y que lastimosamente ya desapareció. Su funcionamiento era un poco diferente al de otros netlabels, ya que los releases no permanecían disponibles indefinidamente. La página estuvo viva hasta hace un tiempo pero en el momento de redactar esta reseña me di cuenta que ya también desapareció. Bueno, aún es posible encontrar unos cuantos releases en archive.org, los otros toca buscarlos por algún p2p. El disco que reseño de este sello es un ep split entre Xoki a.k.a. Theodor Zox y Hieronymus, ambos miembros muy activos de Kyoto Digital. Sonidos hipnóticos, dub del mejor, para aquellos amantes de rhythm & sound o cualquier cosa hecha por ese grupo de genios llamado Basic channel.
Hace unos años, mi amigo Rigo Bagual me mandó uno de esos mensajes instantaneos (que ahora son tan comunes) diciéndome que le había llegado un paquete con nuevos discos y que entre ellos había un disco de un chico de unos 18 años llamado Khonnor. Decía que no lo dejaba de escuchar desde que lo puso por primera vez, que hacía una música increible y que tenía que escucharlo. Pues eso hice, escuché el disco y yo tampoco dejé de escucharlo. Luego de esto decidí indagar un poco más en la trayectoria de Khonnor y me di cuenta de que el Handwriting no era su primer disco, que ya había hecho un par de eps antes y que además de todo, eran de libre descarga. Pues como había quedado prendado de su dulzura, de ese extraño folk hipnótico que hace, los descargué y no me arrepentí ya que son iguales de buenos que el disco. Asi que aventúrate a conocer a Khonnor y descarga su ep antes de que desaparezca de la red porque el site del label que lo alberga desapareció hace un tiempo ya y solo nos queda su enlace en archive.org
El último disco para cerrar con este listado se refiere a una música menos conservadora. Un sonido mucho más actual, llegando casi a esa tendencia d ‘n b tipo Erik truffaz u otras joyas de la época. Pero no se limitan a eso como muchos otros nujazzeros (es correcta esta definición? no se y poco me importa, pero se acerca mucho a lo que quiero apuntar). Le dan un amplio margen a la experimentación, no de solos ni progresiones, sino mas bien de texturas y pasajes melancólicos que inclusive te pueden remitir a ese sonido de los 90 que tan popular fue en chicago con thrill jockey y otros sellos. Un disco que se pasa muy rápido, se disfruta al máximo y solo tiene una cosa mala…es demasiado corto para suplir mis necesidades de bluebridge quartet.
LA PISCINA VACÍA 
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