Mit Marcus Repp war ich schon eine Zeitlang in eben diesen Social Media verlinkt, bevor er mit seinem Comics TONI UND CHARLIE auf mich zukam. Wenige Tage später lag ein signiertes Exemplar seines Albums wohlbehalten in meinem Briefkasten und wartete nur darauf, gelesen zu werden. Und schon nach den ersten Seiten hatte ich einen ziemlich vertrauten Eindruck. Zwei aufgeweckte Kinder, ein Vater, der zwischen Erziehung und Alltag (gelegentlich?) an seine Grenzen gerät, und jede Menge familiärer Irrsinn. Da dachte ich unweigerlich an DIE CAMPBELLS von José Luis Munuera (und ja: wegen der Nervensäge auch an CALVIN & HOBBES von Bill Watterson, aber das passt nicht ganz so gut.)

Natürlich sind diese Comics nicht unmittelbar vergleichbar. Während Munuera seine Piratenfamilie spätestens ab dem zweiten Band durch eine zusammenhängende Abenteuergeschichte schickt, setzt Repp auf kurze, in sich abgeschlossene Episoden. Trotzdem gibt es mindestens eine Gemeinsamkeit, die ich bemerkenswert finde: in beiden Fällen steht (auch) ein Vater im Mittelpunkt, der seine Kinder liebt, von ihnen aber auch regelmäßig zur Verzweiflung getrieben wird. Und die Töchter haben jeweils ihren ganz eigenen Kopf.

Aus den ursprünglich im Internet veröffentlichten Geschichten ist inzwischen ein gedrucktes Album mit dem alliterierenden Titel DINOS UND DONNERWETTER geworden, in dem Marcus Repp 2024 eine Auswahl seiner Familiengeschichten im Selbstverlag herausgebracht hat. Das ist schön, zumal der klassische frankobelgische Funny im deutschen Comic-Markt längst nicht mehr selbstverständlich ist. Aber reicht eine turbulente Familie aus, um über ein ganzes Album hinweg gut zu unterhalten? Was soll ich sagen: ja, reicht!

Familie ist, wenn Papa’s Nerven blank liegen

Toni und Charlie heißen eigentlich Antonia und Charlotte. Die beiden Schwestern wachsen in einer Familie auf, deren Alltag stärker gegen den Strich organisiert ist, als es ältere Familiencomics gerne darstellen. Ihre Mutter ist die erfolgreiche Geschäftsfrau und beruflich häufig – sogar sehr häufig – unterwegs. Der Vater arbeitet als freiberuflicher Programmierer von zu Hause und übernimmt den größten Teil der Kinderbetreuung. (Wer jetzt sofort den Song „Das bisschen Haushalt …“ von Johanna von Koczian im Ohr hat, verrät ungefragt sein Alter.)

Wo war ich? Ach ja: Das klingt zunächst nach einer ziemlich vernünftigen, modernen Aufteilung. Schließlich lassen sich berufliche Selbstständigkeit und Familienleben zumindest theoretisch gut miteinander verbinden. Praktisch sieht die Sache natürlich ganz anders aus. Denn Toni und Charlie sind ausgesprochen talentiert darin, den häuslichen Frieden durcheinanderzubringen.

Die beiden Mädchen sind neugierig, selbstbewusst und mit einer Fantasie ausgestattet, die gelegentlich schneller zündet als ihr gesunder Menschenverstand. Regeln betrachten sie eher als unverbindliche Vorschläge. Und wenn sich eine Gelegenheit bietet, ihren Vater aus der Fassung zu bringen, lassen sie sich diese selten entgehen.

Der Vater wiederum versucht, seinen Beruf, den Haushalt und die Erziehung der Früchte seiner Lenden unter einen Hut zu bekommen. Das gelingt ihm nicht immer. Gerade darin steckt aber eine der sympathischsten Ideen der Serie. Repp zeigt keinen allwissenden Familienvater, sondern einen Erwachsenen, der seine Kinder zwar im Griff haben möchte, ihnen aber regelmäßig einen bis mehrere Schritt(e) hinterherläuft.

Geschwisterliebe mit Nebenwirkungen

Wer bei TONI UND CHARLIE eine durchgehende Geschichte erwartet, muss seine Erwartungen allerdings korrigieren. Das Album besteht aus kurzen, überwiegend einseitigen Episoden, jede davon entwickelt eine eigene kleine Situation, steuert auf eine Pointe zu und überlässt anschließend der nächsten Geschichte die Bühne.

Dabei liefert der Familienalltag reichlich Stoff. Einmal beschäftigen sich die Schwestern mit der Idee fliegender Schulranzen. Dann entwickeln sie eine erstaunlich praktische Begründung dafür, weshalb Mikroplastik gegen einen Schulbesuch sprechen könnte. In einer anderen Episode wird eine neue Haushaltshilfe mit den Eigenheiten der Familie konfrontiert.

Mir gefällt grundsätzlich, dass Repp seine Mädchen nicht auf die braven Kinderrollen reduziert. Sie dürfen frech sein, sich irren und gelegentlich gehörig über das Ziel hinausschießen. Gerade die Verbindung aus kindlicher Logik und erwachsener Verzweiflung gehört schließlich zu den zuverlässigsten Zutaten eines Familien-Funnys.

Allerdings zeigt sich hier das größte Problem. Die Rollenverteilung ist recht einseitig: die Schwestern sorgen für Unruhe, Vater reagiert. Das funktioniert als Ausgangspunkt für einen Gag, bietet aber auf Dauer wenig Abwechslung, falls die Figuren nicht gelegentlich aus diesem Muster ausbrechen dürfen. Wenn der Papa einen großen Auftritt bekommt, erlebe ich ihn in der Regel nicht aus seiner Perspektive, sondern aus der seiner Töchter. Über eine Wechsel der Sichtweisen hätte ich mich dann doch hier und da mal gefreut.

Wenn die Fantasie Familienurlaub macht

Zum Glück beschränkt sich Marcus Repp nicht ausschließlich auf Küche, Kinderzimmer und väterlichen Arbeitsplatz. Die Fantasie der beiden Mädchen führt sie auch an Orte, die mit ihrem gewöhnlichen Alltag wenig zu tun haben. Da werden imaginierte einsame Inseln zu Schauplätzen einer Schatzsuche, die Wüste zum Abenteuergebiet und Dinosaurier zu einer willkommenen Abwechslung vom Familienleben. Solche Geschichten geben dem Comic fix eine andere Richtung und hier müssen nicht zwangsläufig nur die Nerven des Vaters für die Pointe herhalten. Stattdessen entfaltet sich der kindliche Einfallsreichtum geradezu CALVINistisch.

Besonders gelungen finde ich dabei den Wechsel zwischen alltäglicher Situation und übersteigerter Vorstellung. Die Mädchen müssen gar nicht unbedingt etwas Außergewöhnliches erleben, um sich in Gedanken mitten hinein in ein neues Abenteuer zu stürzen. Gerade Kinder verwandeln schließlich die gewöhnlichsten Dinge in etwas Aufregendes.

Diese Ausflüge sind für mich eine willkommene Bereicherung. Gleichzeitig hätte ich mir gewünscht, dass Repp diesen Spielraum konsequenter nutzt. Denn dort, wo die beiden Schwestern unabhängig vom vertrauten Familienkonflikt handeln können, liegt eine Möglichkeit, ihnen deutlich mehr Eigenständigkeit zu geben.

Mama ist die Beste, Papa kriegt die Reste

Eine besondere Stellung innerhalb der Familie nimmt Frau Mama ein. Weil sie beruflich häufig unterwegs ist, gehört sie nicht zum ständigen Personal der häuslichen Auseinandersetzungen. Wenn sie jedoch auftaucht, ist die Freude ihrer Töchter entsprechend groß. Das ergibt eine durchaus amüsante Konstellation.

Papa übernimmt den anstrengenden Alltag, setzt Grenzen und muss gelegentlich unangenehme Entscheidungen treffen. Mama dagegen kann sich über einen herzlichen Empfang freuen, sobald sie eine Fuß durch die Tür setzt. Eine gehörige Prise Sozialkritik zu Lasten von Rollenklischees lässt sich hier durchaus herauslesen.

Familienhumor braucht mehr als eine Pointe

Die größte Stärke von Marcus Repps Comic ist zugleich seine größte Einschränkung. Das Konzept der One-Pager sorgt für einen unkomplizierten Lesefluss. Jede Geschichte ist schnell gelesen, die Ausgangssituation meist unmittelbar verständlich. Dies macht das Album angenehm zugänglich und gut für Zwischendurch geeignet. Allerdings entsteht daraus auch eine gewisse Vorhersehbarkeit.

Viele Episoden folgen einem ähnlichen Muster: eine zunächst harmlose Situation gerät außer Kontrolle, die Mädchen haben ihre Finger im Spiel und am Ende steht eine Pointe. Nicht jede davon sitzt gleich gut. Gelegentlich erkenne ich die Richtung des Witzes bereits, bevor das letzte Panel erreicht ist. Dann fehlt mir diese klitzekleine Überraschung, die einen guten Funny erst richtig unterhaltsam macht.

Noch stärker fällt mir auf, dass die Figuren kaum Gelegenheit bekommen, sich weiterzuentwickeln. Natürlich muss eine Gag-Serie keine große Charaktergeschichte erzählen. Aber gerade die besten Vertreter des Genres schaffen es, ihren Figuren trotz kurzer Episoden unterschiedliche Eigenschaften und überraschende Reaktionen mitzugeben und dadurch Facetten der jeweiligen Charaktere auszuleuchten. Da haben TONI UND CHARLIE in diesem Band noch Luft nach oben.

TONI UND CHARLIE könnten für meinen Geschmack auch noch deutlicher voneinander unterschieden werden. Ihre gemeinsame Frechheit und Geschwisterliebe trägt viele Situationen, ersetzt aber keine ausgeprägten Einzelpersönlichkeiten. Mich würde interessieren, welche der beiden eher überlegt handelt, welche spontan entscheidet und wie sie miteinander umgehen, wenn sie (ausnahmsweise) einmal unterschiedlicher Meinung sind.

Ein Familienalbum mit frankobelgischen Wurzeln

Zeichnerisch orientiert sich Repp erkennbar am europäischen Funny. Seine Figuren sind cartoonesk angelegt, die Formen gut lesbar und die Gesichtsausdrücke auf unmittelbar verständliche Mimik ausgelegt. Das ist bei einer Serie, die von kurzen Gags lebt, eine wichtige Fähigkeit.

Der Seitenaufbau folgt dem Prinzip des klassischen One-Pagers. Die begrenzte Fläche verlangt eine klare Abfolge von Ausgangssituation, Zuspitzung und Auflösung. Marcus Repp muss deshalb recht ökonomisch erzählen, was er auch tut. Für ausführliche Nebenhandlungen oder lange Dialoge bleibt bei diesem Konzept logischerweise wenig Platz. Die Farbgestaltung unterstützt den freundlichen, familiennahen Charakter. Die Bilder sollen nicht bedrücken oder durch aufwendige Effekte beeindrucken. Sie sollen die jeweilige Situation schnell erfassbar machen und den Blick auf die Figuren lenken. Das funktioniert hier sehr gut.

Manchmal fehlt mir gelegentlich etwas mehr zeichnerischer Mut. Gerade bei den überdrehten Einfällen der Mädchen wäre es reizvoll, wenn die Bildgestaltung noch stärker mit Tempo und Übertreibung spielen würde. Ein überraschender Perspektivwechsel, eine besonders ausdrucksstarke Körperhaltung, ein Ausbruch aus dem Panel oder ein bewusst ausgedehnter Moment könnten manche Pointe zusätzlich verstärken.

Dass Marcus Repp durchaus die Fähigkeit zu wechselnden Perspektiven hat, zeigen diverse Episoden wie beispielsweise LEISE TÖNE. Darin erlebt die Familie bei einem Spaziergang während der Corona-Phase eine ungewöhnliche Stille. Die wechselnden Blickwinkel und die Aufmerksamkeit für kleine Vorgänge in der Umgebung machen deutlich, wie reizvoll auch eine ruhigere Geschichte sein kann. Gerade solche – für mich als Betrachter abwechslungsreichen – Ansätze würde ich gerne häufiger sehen.

Der Familienvater hinter dem Zeichenbrett

Marcus Repp arbeitet als Illustrator und Comiczeichner. Zu seinem beruflichen Spektrum gehören Auftragsillustrationen, Cartoons, Sympathiefiguren und Comics für Unternehmen. Seine Zeichnungen entstehen nach eigenen Angaben zunächst klassisch mit Tusche auf Papier. Bei der Kolorierung nutzt er sowohl traditionelle als auch digitale Verfahren.

TONI UND CHARLIE ist sein eigenes Serienprojekt, bei dem er sich offensichtlich an frankobelgischen Humorcomics wie GASTON oder KID PADDLE orientiert. Interessant ist auch der persönliche Hintergrund. Antonia und Charlotte sind die Vornamen seiner Töchter. Die Serie ist nach eigenen Angaben teilweise autobiografisch inspiriert und zumindest die erste Episode beruht auf einem tatsächlichen Erlebnis, während die weiteren Geschichten frei erfunden sind.

Mit DINOS UND DONNERWETTER erschien im Sommer 2024 das erste gedruckte Album. Repp übernahm die Veröffentlichung selbst, weil die Verlagswelt auf der Suche nach weniger klassischen Alben war. (Vor dem Mut ziehe ich den Hut!) Damit hat er seiner zuvor online präsentierten Serie sowohl einen Platz im klassischen Comicregal als auch auf den üblichen Comic-Salons gesichert.

Fazit

TONI UND CHARLIE ist ein sympathischer Familien-Funny, der seine besten Momente dann hat, wenn kindliche Fantasie und erwachsener Alltag krachend aufeinanderprallen. Marcus Repp versteht es, aus gewöhnlichen Situationen kleine komische Geschichten zu entwickeln. Dabei sind seine Figuren sehr zugänglich, der Zeichenstil freundlich und das Album lässt sich angenehm lesen.

Wer klassische frankobelgische Humorcomics mag und Freude an turbulenten Familiengeschichten hat, dürfte mit diesem Album seinen Spaß haben. Mich hat es jedenfalls gut unterhalten. Ich bin gespannt, ob Repp seine Figuren zukünftig häufiger aus ihren vertrauten Mustern ausbrechen lässt. Denn die beiden Mädchen haben das Potenzial für mehr als nur den nächsten Nervenzusammenbruch ihres Vaters. Und Papa dürfte gerne auch mal den einen oder anderen Rache-Moment bekommt, um sich bei den Früchtchen zu revanchieren…

• TONI UND CHARLIE –
  DINOS UND DONNERWETTER
• Marcus Repp
• Softcover | 44 Seiten | Farbe
• ISBN 978-3-00-078681-5
• Storyline:  ★★★☆☆
• Zeichnungen: ★★★☆☆
• Farben: ★★★☆☆
• Lettering: ★★★☆☆
• Humor: ★★★☆☆
• Meine persönliche Bewertung: ★★★☆☆
• © Marcus Repp im Selbstverlag
• Informationen zu den Bildrechten findest Du hier

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Schon die ersten Minuten führen mitten hinein in eine Welt aus Papiergirlanden, aus Fotos und Schuhen, aber auch zu Musikverboten und hartnäckigen Familienregeln. Miguel Rivera wächst in Santa Cecilia auf, einem fiktiven mexikanischen Ort, der nach Staub und Werkstatt riecht und der nach Sonne und Hitze aussieht. Seine Familie stellt Schuhe her, Musik ist verboten. Ohne Ausnahme.

Für Miguel ist das eine Katastrophe, denn in ihm oszilliert jeder Rhythmus weiter, den seine Familie aus dem Haus verbannen will. Er verehrt Ernesto de la Cruz, den großen Sänger und Filmstar des Ortes und baut sich heimlich eine eigene Gitarre. Ich mag an diesem Anfang, wie schnell der Film seine Grundfragen stellt: Was schulde ich meiner Familie? Was schulde ich mir selbst? Und was passiert, wenn beides einfach nicht zusammenpassen will?

Ein Fest, das den Tod ins Haus bittet

Der Día de Muertos ist kein bloßer Schmuck für COCO. Er ist die erzählerische Grundlage. In vielen indigen geprägten Gemeinschaften Mexikos gilt die Zeit Ende Oktober bis Anfang November als Moment, in dem verstorbene Angehörige für kurze Zeit wieder in die Welt der Lebenden zurückkehren können. Die UNESCO führt diese Festlichkeit seit 2008 auf der repräsentativen Liste des immateriellen Kulturerbes der Menschheit. Zentral sind Ofrendas, also häusliche Altäre mit Fotos, Speisen, Blumen und Gegenständen, die an die Toten erinnern. Dazu kommen Ringelblumen, Kerzen, Friedhofsbesuche, Musik und ein Umgang mit Vergänglichkeit, der Trauer nicht verdrängt, aber ihr eine gewisse Wärme gibt.

PIXAR hat für den Film mehrere Jahre in Mexiko recherchiert. Das Team besuchte Museen, Märkte, Plätze, Werkstätten, Kirchen, Haciendas und – natürlich – Friedhöfe. Die fiktive Stadt Santa Cecilia blieb dabei bewusst bodenständig. Sie sollte nicht wie ein Postkartenort wirken, sondern wie ein Zuhause mit engen Gassen, Familienbetrieben und einem zentralen Platz. Für das Reich der Toten griff die Gestaltung größere historische Bilder auf. Die Idee einer Stadt, die Schicht um Schicht wächst, nimmt auch Bezug auf Mexiko-City und deren ältere Geschichte auf dem Gebiet von Tenochtitlán. So entsteht eine Totenwelt, die nicht nur bunt ist. Sie wirkt gewachsen, sie wirkt bewohnt, verwaltet (!) und voller Spuren.

Interessant finde ich, wie stark der Film Musik als kulturelle Alltagssprache einsetzt. Mariachi, Bolero, Ranchera, Filmmusical und Familienlied stehen dicht nebeneinander wie Nummern in einer Show und erzählen von den jeweiligen Beziehungen. Ein Lied kann Prahlerei sein oder ein Versprechen oder auch ein Abschied. Genau deshalb wirkt die Musik im Film nie wie simples Beiwerk.

Ein Junge gegen ein Familiengesetz

Miguel ist zwölf Jahre alt und voller Ungeduld. Das gefällt mir. Er ist kein braver kleiner Held, der zufällig über ein Abenteuer stolpert. Er will etwas, nämlich Musiker werden. Seine Familie hält diesen Wunsch für gefährlich – ja, für Verrat an der Tradition. Der Grund liegt dafür mehrere Generationen zurück.

Miguels Ururgroßmutter Imelda wurde mit ihrem Kleinkind von ihrem Ehemann, einem Musiker, sitzen gelassen. Aus Schmerz und Stolz machte sie Musik zum Feindbild. Stattdessen baute Imelda ein Schuhgeschäft auf, das zur Lebensgrundlage der nachfolgenden Generationen wurde. Seither gelten Schuhe als ehrliche Arbeit und Musik als Gift.

Das ist als Familienregel natürlich absurd – aber genau deshalb funktioniert es! In Familien überleben manche Verbote länger als ihre Gründe. Miguel spürt nur die Wand die ihn einengt, nicht die Wunde dahinter. Seine Abuelita – also Oma – verteidigt das Verbot mit einer Mischung aus Liebe, Angst und locker sitzendem Hausschuh. Sie ist streng, aber keine Karikatur. Der Film zeigt sie mit einem liebevollen Blick, auch wenn sie Miguel nicht versteht. Sie schützt eine Ordnung, die ihr Sicherheit gibt, während Miguel genau diese Ordnung als Käfig empfindet.

Die Krise wächst, als Miguel am Día de Muertos bei einem Wettbewerb auftreten will. Dazu braucht er eine Gitarre. Weil seine eigene zerstört wird, bricht er in das Mausoleum von Ernesto de la Cruz ein. Dort nimmt er die berühmte Gitarre seines Idols an sich – und in diesem Moment öffnet sich das Tor zwischen den Welten.

Miguel wird für die Lebenden unsichtbar und kann plötzlich seine verstorbenen Verwandten sehen. Der Schritt ins Fantastische ist dabei wunderbar einfach. Kein Portal erklärt sich lange, kein Regelwerk bremst die Szene. Ein falscher Griff, ein gestohlener Gegenstand, ein besonderer Tag und schon steht Miguel auf der anderen Seite.

Die Toten sind sehr lebendig

Im Reich der Toten trifft Miguel auf seine Vorfahren. Die sehen zwar aus wie Skelette, benehmen sich aber wie eine Familie, die zu spät zum Zug kommt. Dieser Einfall ist Gold wert. Der Film nimmt den Tod ernst, aber er nimmt den Toten nicht ihre Launen, Eitelkeiten und Sorgen. Die Verstorbenen müssen über eine Brücke aus Ringelblumenblättern in die Welt der Lebenden gelangen. Das gelingt nur, wenn ihr Foto auf einer Ofrenda steht. Erinnerung wird damit zu einer echten Kraft, die Wege öffnet und die Toten in Bewegung hält.

Miguel, der lebende Junge unter den Toten, braucht den Segen seiner Familie, um nach Hause zurückkehren zu können. Imelda gibt ihn nur unter einer Bedingung: Nie wieder Musik! Miguel weigert sich. Also sucht er Ernesto de la Cruz, von dem er glaubt, er sei sein Ururgroßvater. Auf diesem Weg trifft er Héctor, einen schlaksigen, charmanten Herumtreiber mit wackeligem Lächeln und traurigen Augenhöhlen. Héctor möchte zu den Lebenden, weil er nicht vergessen werden will. Aber sein Foto fehlt auf jeder Ofrenda. Also hilft er Miguel, weil Miguel ihm helfen könnte.

Für mich beginnt der Film in dieser Phase erst richtig zu leuchten. Miguel und Héctor sind ein tolles Paar. Miguel rennt seinem Traum hinterher. Héctor tut so, als hätte er alles im Griff. Aber beide brauchen einander. Beide verstecken etwas und beide wirken sofort lebendig, obwohl einer von ihnen längst tot ist.

Währenddessen stolpert Dante, Miguels haarloser Hund, als treuer Begleiter durch diese Welt. Später wird sich zeigen, dass auch er mehr ist als nur ein komischer Sidekick ist. Trotzdem bleibt er immer Hund genug, um mit hängender Zunge für herrlichen Unsinn zu sorgen.

Das Idol fällt vom Sockel

Ernesto de la Cruz ist zunächst alles, was Miguel bewundert. Er singt, er lächelt, er glänzt und spricht in großen Gesten. Sein Satz vom eigenen Moment hat Miguel geprägt: „Nutze Deinen Augenblick!“. Ernesto ist die Art Star, die in alten Filmen größer wirkt als das Leben. Genau darin liegt aber auch die Gefahr: Miguel hält Ruhm für Wahrheit! Er glaubt, Erfolg adle die Person dahinter.

Der Film dreht diese Vorstellung jedoch sehr sauber ins Gegenteil. Ernesto ist nicht der vergessene Familiengroßvater, sondern ein Betrüger und Mörder. Er hat Héctors vergiftet, seine Lieder gestohlen und sich sein Werk angeeignet. In Wahrheit ist Héctor Miguels echter Ururgroßvater. Und mit einem Mal steht die Miguels Familiengeschichte auf dem Kopf. Der vermeintliche Verräter war der Vater, der nach Hause wollte, aber nicht mehr konnte und der verehrte Held war der Dieb.

Das ist ein starker, melodramatischer Plot-Twist. Er ist groß, aber nicht billig. Stattdessen verschiebt er Miguels Blick. Jetzt geht es nicht mehr nur um seinen Traum. Es geht um Gerechtigkeit für Héctor, um Imeldas verletzte Erinnerung und um Coco, die inzwischen uralte Tochter Héctors, die in der Welt der Lebenden fast alles vergessen hat. Wenn sie sich nicht mehr an ihren Vater erinnert, wird auch Héctor endgültig verschwinden, genau wie sein Freund Chicharrón. Diese Idee ist schlicht und furchtbar. Der sogenannte „zweite Tod“ ist kein Spektakel, sondern das leise Auslöschen aus dem Gedächtnis der Lebenden.

Warum der Film nach Coco heißt

Die zentrale Hauptfigur läuft, singt und kämpft nicht. Das tut Miguel. Trotzdem trägt der Film genau den richtigen Titel. Ur-Ur-Oma Coco sitzt lange am Rand der Handlung. Sie ist alt, uralt, zerbrechlich und still. Miguel liebt sie, aber er versteht zunächst nicht, dass sie der Schlüssel für alles ist. In ihr liegt die Verbindung, nach der alle suchen, denn sie ist die Tochter, die den Vater noch erreichen kann. Sie ist das letzte lebende Band – das Gedächtnis – zwischen Héctor und seiner Familia.

Dass der Film COCOs Namen trägt, verschiebt den ganzen Film. Am Ende geht es nicht um die Frage, ob Miguel berühmt wird. Auch nicht darum, ob ein Lied noch rechtzeitig bei der richtigen Person ankommt. Der große Showdown findet nicht auf der großen Bühne eines Sonnenaufgang-Spektakels statt, sondern in einem kleinen Zimmer. Miguel singt seiner Urgroßmutter das Lied vor, das ihr Vater ihr hinterlassen hat. Keine Explosion aus Sternen, kein Triumphmarsch, kein großer Sieg über einen Schurken könnte stärker sein. Coco erkennt etwas wieder, ihr Gesicht verändert sich und die Familie bekommt ihre wahre Geschichte zurück.

Genau hier zeigt der Film, was er wirklich leistet. Er baut erst eine riesige, farbige Totenstadt. Er hetzt durch Bahnhöfe, über Brücken, durch Ateliers und Paläste. Dann aber wird mit einem Mal alles klein. Ein Junge, eine alte Frau, eine Melodie und ein Foto. Ich kenne kaum einen Animationsfilm, der seine Größe so schön zurücknimmt.

Eine Heldenreise mit Herz und Heimweg

Natürlich folgt der Film einer Heldenreise. Miguel verlässt seine vertraute Welt, überschreitet eine Grenze, findet Begleiter, begegnet einem falschen Mentor, lernt, die Wahrheit zu erkennen und kehrt verändert wieder zurück. Das Grundmuster ist bekannt und es funktioniert, weil der Film es nicht wie eine Schablone behandelt. Miguel gewinnt am Ende nicht, weil er seinen Willen durchsetzt. Er gewinnt, weil er seinen eigenen Wunsch genauer versteht.

Am Anfang verwechselt er Musik mit Ruhm. Dann verwechselt er Herkunft mit Legende. Erst durch Héctor, Imelda und COCO begreift er, dass die Musik nicht gegen die Familie stehen muss. Sie kann Familie auch reparieren und Menschen und Emotionen verbinden. Die Reise führt ihn also nicht weg von den Riveras. Sie führt ihn tiefer in diese Gemeinschaft hinein und das ist ein schöner Kniff. Die Familie muss sich ändern, aber Miguel auch. Er lernt, dass ein Traum ohne Verantwortung leer werden kann. Die Erwachsenen lernen, dass Schutz sehr schnell zur Fessel wird, insbesondere wenn alte Verletzungen nie ausgesprochen werden.

Formal ist das alles hinreißend erzählt. Die Bildsprache arbeitet mit klaren Gegensätzen. Santa Cecilia ist warm, staubig, körperlich. Die Totenwelt ist funkelnd, steil, übervoll und doch erstaunlich geordnet. Die Skelette wiederum sind technisch brillant animiert. Ihre Knochen klappern, fallen auseinander, setzen sich neu zusammen und bleiben trotzdem Figuren mit Gewicht. Besonders schön finde ich ihre Gesichter. Leere Augenhöhlen müssten eigentlich jede feine Regung erschweren. Der Film löst das über Haltung, Rhythmus, Mundpartien und Augenbrauenformen. So werden die Toten nicht zu Masken, sondern zu ausdrucksstarken Charakteren.

Auch die Dramaturgie sitzt. Der Film gibt den großen Gefühlen Raum, ohne ständig auf die Tränendrüse zu drücken. Die komischen Szenen kommen nicht gegen die Trauer an, sondern existieren neben ihr. Frida Kahlos Auftritte beispielsweise sind verspielt, das Amt für Familienzusammenführungen ist ein herrlicher Bürokratie-Gag und Chicharrón’s Verschwinden zeigt früh, wie hart die Regeln dieser Welt tatsächlich sind. Diese Mischung aus Witz, Tempo und Schmerz hält den Film in Balance und permanenter Bewegung.

Fazit

COCO ist für mich PIXAR auf dem Höhepunkt ihres künstlerischen Könnens. Der Film ist zugänglich, bunt, komisch und musikalisch. Zugleich erzählt er mit erstaunlicher Genauigkeit von Erinnerung, Familienstolz, falschen Helden und dem Wunsch, gesehen zu werden. Er funktioniert als Abenteuer, als Familienfilm und als sehr zärtliche Erzählung über den Tod. Seine größte Stärke liegt für mich darin, dass er am Ende nicht lauter wird, sondern leiser und leiser. Er vertraut einem Lied, einem Gesicht und einem Blick, der plötzlich wieder weiß, wen er vermisst. Demenz ist häufig das Vergessen des Alters, während die Musik uns in der Lage versetzt, Erinnerungen wieder aufzuwecken.

Ich kann bei diesem Film nach Schwächen suchen. Der Schurke ist am Ende vielleicht etwas sehr deutlich als Schurke markiert und einige Stationen der Reise erfüllen ihren Zweck beinahe zu sauber. Doch das fällt für mich kaum ins Gewicht. Der Film verdient seine Tränen, weil er vorher seine Welt, seine Figuren und seine Regeln ernst genommen hat.

COCO ist kein Film über das Loslassen im kalten Sinn. Er ist ein Film über das Festhalten, solange Liebe und Erinnerung noch eine Stimme haben. Gestern war wieder Halloween und damit auch wieder der Dia de Muertos. Welchen schöneren Grund könnte es geben, als sich genau diesen Film mit der Familie gemeinsam anzuschauen?

• COCO – LEBENDIGER ALS DAS LEBEN!
• Lee Unkrich und Adrian Molina
• Film | 1 Stunde 45 Minuten | Farbe
• Storyline:  ★★★★★(★)
• Zeichnungen: ★★★★★
• Farben: ★★★★☆
• Humor: ★★★★☆
• Meine persönliche Bewertung: ★★★★★
• © PIXAR Animation Studios
• Informationen zu den Bildrechten findest Du hier

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Genau aus diesem Ärger heraus entstand FINIX COMICS, ein Verein, der im November 2007 eingetragen wurde. Angestoßen hatten die Idee Marc Schnackers und eine Gruppe von Comicfans, die sich zuvor im Comicforum über die Reihen ausgetauscht hatten, deren deutsche Veröffentlichung einfach stoppte. Statt jedoch länger darüber zu schimpfen, entstand eine ziemlich verwegene Idee: Dann veröffentlichen wir die fehlenden Alben eben selbst! Im April 2008 erschien der erste Titel und zwar ausgerechnet Band 16 von DIE PIONIERE DER NEUEN WELT. Passender hätte der Anfang kaum sein können, oder?

FINIX COMICS, ein Verlag aus einem offenen Ende

Was mir an dieser Geschichte gefällt, ist weniger die romantische Vorstellung von einigen Fans, die ihre Lieblingscomics retten wollen. Interessanter ist, dass FINIX aus dieser Idee tatsächlich einen funktionierenden Verlag gemacht hat. Anfangs waren vier bis sechs Titel pro Jahr geplant, doch schon im zweiten Jahr wurde daraus deutlich mehr. Inzwischen gehört eine regelmäßige Produktion längst zum Alltag. Das aktuelle Programm bestätigt, dass der Verein auch 2026 keineswegs nur seine alten Projekte verwaltet. BOULE & BILL, AGENT ALPHA, I.R.$., DIE GROSSEN SEESCHLACHTEN oder SILLAGE – ERSTE MISSIONEN zeigen, wie breit das Angebot inzwischen geworden ist.

Dabei ist FINIX COMICS rechtlich weiterhin ein Verein mit etwa 200 Mitgliedern. Genau das unterscheidet ihn praktisch von jedem klassischen Comicverlag. Mitglieder finanzieren mit Beiträgen und Investitionen einen Teil der Produktion, Einnahmen fließen zurück in weitere Comics. Ein wirtschaftlich stärkerer Titel hilft also indirekt dabei, einen schwierigeren zu ermöglichen. Nicht jede(r) investiert also nur in den Comic, den er / sie selbst unbedingt haben möchte.

In der Verlagsküche wird selbst gekocht

Wer bei einem Verein zunächst nur an ein bisschen Buchhaltung, Stammtisch und gemeinsames Hobby denkt, unterschätzt den Aufwand gewaltig. FINIX COMICS übernimmt Lizenzverhandlungen, Übersetzungen, Lektorat, Layout und Lettering. Selbst Pressearbeit, Website und Teile des Versands werden aus dem eigenen Umfeld organisiert. Auf der Vereinsseite findet sich dafür eine erstaunlich lange Aufteilung der Zuständigkeiten.

Gerade hier liegt für mich aber auch eine der bemerkenswertesten Leistungen. Ein Comic erscheint schließlich nicht deshalb professionell, weil alle Beteiligten große Fans sind. Rechte müssen geklärt, Übersetzungen sauber bearbeitet, Druckdaten vorbereitet und Veröffentlichungen koordiniert werden. Idealismus ersetzt schließlich kein Handwerk.

Dass FINIX COMICS die Schwelle zur Professionalität längst überschritten hat, sieht man auch an Projekten, die weit über das bloße Nachreichen eines fehlenden Albums hinausgehen. Gesamtausgaben wurden entwickelt, alte Titel neu aufbereitet und bei JACKIE KOTTWITZ sogar mit einer neuen Kolorierung gearbeitet. Der kleine „Rettungsbetrieb“ aus dem Comicforum ist also längst ein Verlag geworden, der selbst editorisch gestaltet.

Vom Lückenfüller zum richtigen Programm

Dabei hat sich FINIX COMICS im Laufe der Jahre spürbar verändert. 2009 kommt die EDITION SOLITAIRE hinzu, 2012 startet mit HAUTEVILLE HOUSE erstmals eine neue Serie und 2013 folgt mit JACKIE KOTTWITZ die erste Gesamtausgabe. Das ursprüngliche Versprechen wurde also um- und vorsichtig erweitert.

Und das war sowohl notwendig als auch zukunftsorientiert. Ein Verlag, der ausschließlich Band 12 einer längst vergessenen Serie veröffentlicht, lebt schließlich von einer sehr kleinen Gruppe besonders treuer Leser. Gesamtausgaben schaffen dagegen Einstiegsmöglichkeiten für neue Interessenten. Serien wie BOULE & BILL oder inzwischen SILLAGE – ERSTE MISSIONEN öffnen das Programm zusätzlich für Leser, die FINIX COMICS nicht erst deshalb entdecken, weil ihnen seit 1998 irgendein Band 7 fehlt.

Ganz verschwunden ist dieses Problem natürlich nicht. Teile des Programms richten sich weiterhin an Sammler und Kenner des klassischen europäischen Comic-Albums. Wer weder die Vorgängerbände besitzt noch etwas mit frankobelgischen Abenteuer-, Historien- oder Funny-Serien anfangen kann, wird manche Veröffentlichung wahrscheinlich eher neugierig betrachten als spontan kaufen.

Für mich ist das zugleich Stärke und Begrenzung. Natürlich muss FINIX COMICS nicht jedem Trend hinterherlaufen, der Verein darf Nischen besetzen, die andere Verlage aus guten, wirtschaftlichen Gründen verlassen haben. Doch ein Programm, das stark von bestehenden Serien, älteren Lesern und gewachsenen Sammelbiografien lebt, muss immer wieder neue Zugänge schaffen, um mittel- bis langfristige das Überleben des Projekts zu sichern. Sonst wird aus Pflege irgendwann Verwaltung.

Der ungewöhnlichste Platz im Regal

Dass FINIX nach fast zwei Jahrzehnten (!) noch existiert, ist deshalb vielleicht die interessanteste Aussage über diesen Verein. Schon 2018 waren auf der damaligen Statistik 154 Veröffentlichungen verzeichnet. Comic-Datenbanken führen inzwischen weit über 300 Ausgaben unter dem Verlagsnamen. Die genaue Zählweise unterscheidet sich je nach Datenbank, doch die Größenordnung zeigt deutlich, wie weit sich das mit Herzblut betriebene Projekt von seinen bescheidenen Anfängen entfernt hat.

Und trotzdem ist der ursprüngliche Gedanke noch erkennbar. Als JUGURTHA 2025 mit dem fünften Band der Gesamtausgabe beendet wurde, enthielt dieser auch das sechzehnte Album der Reihe, das zuvor nie auf Deutsch erschienen war. Genau dafür wurde FINIX einmal gegründet. Fast zwei Jahrzehnte später funktioniert diese Idee dank vieler Gleichgesinnter immer noch.

Was bleibt?

FINIX COMICS e.V. ist für mich eines dieser Projekte, ohne den der deutsche Comic-Markt ein wenig ärmer wäre. Nicht weil jeder Verlag zum Verein werden sollte, sondern weil hier Leser irgendwann beschlossen haben, eine Lücke nicht länger nur zu beklagen und den Mut aufgebracht haben, einer Vision zu folgen. Ärmelhoch und ran! Nicht umsonst ist der Phönix das Wappentier des Verlages.

Überzeugt hat mich auch das Solidarprinzip hinter dem Programm. Schwächere Titel dürfen existieren, weil nicht jedes Album für sich allein den größtmöglichen Gewinn erwirtschaften muss. Gleichzeitig sollte FINIX jedoch aufpassen, nicht zu sehr zum Verlag für Leser zu werden, die ohnehin schon genau wissen, warum ihnen Band 17 im Regal fehlt.

Vielleicht ist aber gerade diese Mischung aus professionellem Verlagsbetrieb und hartnäckigem Sammlergeist der entscheidende Reiz. Andere Verlage beginnen Geschichten. FINIX hat sich einen Ruf damit erarbeitet, dafür zu sorgen, dass einige davon doch zu Ende erzählt werden. Jetzt fehlt mir zu meinem Glück nur noch Band 3 von SHOOTING RAMIREZ, aber DEN hat Nicolas Petrimeaux selbst nicht fertig. Also kann mir FINIX COMICS da leider wohl auch nicht weiterhelfen…

Website: https://www.finix-comics.de

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Also: Ich mag Comics, die nicht so tun, als wären sie nur Unterhaltung. FRANKENSTEIN, ALIVE, ALIVE! erzählt mir die bekannte Schöpfungslegende nicht noch einmal. Dieser Band setzt später an, danach. Er nimmt den Moment, in dem viele Adaptionen ausblenden und fragt, was aus der Kreatur wird, wenn der Schöpfer tot ist und die Welt dennoch weiterläuft.

Wenn der Mythos nicht endet

Das klingt nach klassischer Gothic-Fortsetzung. Es ist aber vor allem ein Buch über Einsamkeit, Schuld und den Hunger nach Anerkennung. Mary Shelley lieferte mit FRANKENSTEIN ODER DER MODERNE PROMETHEUS eine Geschichte, die mich bis heute auch nervt: Nicht wegen Blitz und Labor, sondern wegen Verantwortung bzw. ausgerechnet dem Fehlen davon.

Genau daran dockt Steve Niles an. Seine Sprache bleibt bewusst dicht am alten Ton. Das wirkt manchmal fast ein Wenig zu brav, aber diese Zurückhaltung passt zur Idee. Das Monster sucht keinen neuen Plot. Es sucht einen letzten Sinn. Dazu kommt ein realer Schatten, den ich beim Lesen nicht ignorieren kann. Niles‘ Serie erschien über Jahre verteilt und fand ihren Abschluss erst 2018. Diese lange Strecke gehört zur Wirkung. Sie macht das Werk zu einem Vermächtnis. Und sie erklärt, warum sich das Finale des Comic anders anfühlt.

Vier Beobachtungen vor dem Eintauchen

Wer sich zu diesem Band umschaut, stößt auffallend oft auf dieselben Kernpunkte. Erstens loben viele die Treue zum Roman. Diese Fortsetzung wirkt nicht wie Fanfiction sondern wie ein Nachklang. Zweitens haben – auch mich – die Zeichnungen von Bernie Wrightson fasziniert. Er liefert eine große Schwarzweiß-Leistung mit beeindruckendem Licht und Schatten-Spiel auf Einzel- und Doppelseiten ab.

Drittens ist der Bruch im letzten Heft unübersehbar. Kelley Jones übernimmt das Finale und lässt seine Handschrift stehen. Andere empfinden das gelegentlich als harte Kante, ich lese es als würdigen Abschluss, weil der Wechsel ehrlich bleibt.

Und viertens: die Gesamtausgabe enthält spürbar viel Bonusmaterial, darunter Skizzen, Layouts und Entwürfe, die den Arbeitsprozess sichtbar machen. Das ist mehr als nur Fanservice. Es erklärt, wie stark dieses Projekt von seinem Haupt-Zeichner geprägt wurde.

Wenn der Tod nicht kommt

Die Handlung startet dort, wo der Roman in die Kälte kippt. Victor Frankenstein ist tot. Die Kreatur treibt allein im arktischen Nichts. Sie hat ihr Ziel verloren. Sie wollte den Schöpfer zur Rechenschaft ziehen. Doch nun bleibt ihr nur die Leere. Also versucht sie, die Sache zu beenden. Sie hungert, sie friert, sie lässt sich treiben und sie sucht den Tod, weil sie ihn als einzigen Ausweg kennt.

Doch ihr Körper verweigert sich dem Ende. Das ist der erste große Schrecken dieses Comics. Unsterblichkeit wirkt hier nicht heroisch. Sie wirkt wie eine Folter, die sich als Naturgesetz tarnt. Die Kreatur spürt Schmerz und Erschöpfung, trotzdem fällt sie nicht um. Niles lässt sie darüber nachdenken, was Strafe bedeutet, wenn niemand mehr da ist, der sie ausspricht.

In dieser Phase wird die zentrale Perspektive gesetzt. Die Kreatur spricht selbst. Sie berichtet nicht nur: sie wertet und sie schämt sich. Sie erinnert sich an die Opfer, erkennt aber auch, dass ihr die Welt nie eine zweite Chance geben wird. Das Monster wirkt nicht harmlos. Es wirkt wach. Und gerade diese Wachheit macht es tragisch.

Gejagt und ausgestoßen

Nach dem Eis beginnt der Weg durchs Land der Menschen. Die Kreatur sucht Orte, an denen sie verschwinden kann, stattdessen findet sie jedoch Angst. Dörfer reagieren auf ihren Anblick wie auf eine Seuche. Türen schlagen zu und stereotype Mistgabeln werden gerückt. Es braucht oft keinen Anlass. Ein Körper wie der ihre reicht. Die Menge liest die Haut wie ein Urteil.

Diese Episoden erzählen viel über die Dynamik von Gewalt. Die Kreatur hält sich zunächst zurück, denn sie will nicht noch einmal töten. Die Umgebung zwingt sie dennoch in die Rolle, die sie erwartet. Wenn jemand ein Monster sehen will, wird er eines provozieren. Niles zeigt diese Spirale ohne große Predigt. Er zeigt sie über Wiederholung, Flucht, Aufspüren, Vertreiben. Immer wieder.

Dabei wächst eine bittere Erkenntnis. Die Kreatur kann moralisch reflektieren, sich sogar zügeln. Trotzdem bleibt sie in den Augen der anderen eine Bedrohung. Dieser Teil ist bewusst deprimierend. Genau das macht ihn aber auch glaubwürdig: die Welt belohnt Reue nicht automatisch. Sie registriert sie oft gar nicht einmal.

Ein Deal mit der Demütigung

Irgendwann landet die Kreatur dort, wo Anderssein Geld bedeutet: in einem Wanderzirkus! Hier wird sie zur Attraktion. Sie bekommt einen Platz, zu Essen und eine Art Alltag. Hier nennt man sie sogar Frank. Das ist zugleich zynisch und entlarvend. Als Kunstfigur darf sie existieren, als Mensch darf sie es nicht.

Dieser Abschnitt gehört zu den stärksten des Albums, weil er das Thema auf den Punkt bringt. Gesellschaft toleriert das Fremde oft nur, wenn es sich einordnen oder sich ausstellen lässt. Die Kreatur nimmt den Handel an. Sie verkauft den Schrecken, um nicht allein zu sein. Das wirkt zunächst wie Kapitulation, dann wiederum wie eine Überlebensstrategie.

Hier zeigt der Comic auch seine zarte Seite. Innerhalb des Zirkus entstehen kurze Momente von Nähe. Keine große Liebe, keine große Freundschaft – eher ein stilles Nebeneinander, das nicht sofort in Gewalt kippt. Genau dadurch wird der spätere Absturz umso schmerzhafter. Die Kreatur lernt, wie es sich anfühlt, nicht sofort verjagt zu werden und wie schnell dies wieder kippen kann.

Freundlichkeit mit Skalpell

Der Zirkus führt zur entscheidenden Begegnung. Dr. Simon Ingles wirkt zunächst wie das Gegenteil von Victor Frankenstein. Er spricht ruhig und bietet Schutz. Der Kreatur gibt er Bücher und Raum. Das ist für das Monster eine Droge. Endlich behandelt es jemand wie ein fühlendes Wesen. An dieser Stelle erinnert mich der Band sehr an den 200-Jahre-Mann.

Doch Ingles ist kein Retter. Sein Antrieb ist persönlicher, denn seine Frau liegt im Sterben. Er will sie zurückholen und dafür überschreitet er Grenzen, die er selbst gut begründen kann. Genau das macht ihn gefährlich. Ingles mordet nicht aus Sadismus, sondern aus Verzweiflung gepaart mit Zielstrebigkeit. In dieser Konstellation verschiebt der Comic die klassische Frage: Wer ist hier das Monster? Der, der hässlich aussieht, oder der, der höflich bleibt, während er Leben als Material behandelt?

Die Kreatur steht vor einer Entscheidung, die sie nicht sauber lösen kann. Sie trägt eigene Schuld und kann deshalb nicht einfach den Richter geben. Trotzdem muss sie handeln, wenn sie nicht zum Komplizen werden will. Der Schluss hält keine perfekte Katharsis bereit. Er liefert eher eine letzte Zumutung. Moral kostet hier etwas und der Preis heißt erneut Einsamkeit.

Drei Karrieren, die zusammenlaufen

Steve Niles kommt aus dem modernen Horror, der schnell zupackt und trotzdem Atmosphäre baut. Sein bekanntestes Werk ist 30 DAYS OF NIGHT. Dort wird Horror zur Belagerung, kalt und direkt. Gleichzeitig schrieb er lange am Noir-Horror-Mix CRIMINAL MACABRE. Diese Mischung aus Zynismus und Mitgefühl passt erstaunlich gut zur Frankenstein-Figur. Niles kann Außenseiter schreiben, ohne sie zu verniedlichen.

Bernie Wrightson ist der andere Pol. Er prägte Horror im US-Comic über Jahrzehnte und schuf mit Len Wein das SWAMP THING. Dabei setzte er Maßstäbe für Textur, Licht und Körperlichkeit. Sein großer Solitär bleibt seine illustrierte Ausgabe von Mary Shelley’s FRANKENSTEIN, an der er rund sieben Jahre arbeitete. Viele sehen darin ein Lebenswerk und ich spüre diese Nähe zum Stoff in jedem Panel dieser Fortsetzung.

Kelley Jones steht stilistisch für einen expressiven Gothic-Stil. Seine bekanntesten Stationen sind THE SANDMAN sowie die BATMAN-Arbeiten mit Doug Moench, darunter BATMAN DIE VAMPIR SAGA – ROTER REGEN. Er eignet sich als Vollender, da er Wrightson nicht kopiert, sondern einen eigenen Schlusspunkt setzt.

Schwarzweiß, das sich wie Gravur anfühlt

Die Zeichnungen tragen dieses Buch. Wrightson denkt in Licht und Material. Er lässt Holz fasrig, lässt Steine feucht und Haut unruhig wirken. Dieses Monster wirkt nicht wie eine Maske, sondern wirkt wie lebender Körper. Das Schwarzweiß hilft dabei, weil es nichts versteckt. Jede Falte, jede Narbe zählt. Wer hier Farbe erwartet, liest am Ziel vorbei. Die Wirkung entsteht aus Kontrast und Detail.

Wrightson erzählt außerdem über Rhythmus. Er baut große Bilder, die wie Stiche wirken. Dann setzt er kleinere Panels dagegen, die das Tempo anziehen. Das ergibt ein Lesen zwischen Staunen und Weiterblättern. Ich kenne wenige Comics, die so konsequent Illustration mit Sequenz verbinden, ohne dass es geschniegelt wirkt.

Dann kommt der Wechsel im Finale. Jones übernimmt nach dem Tod von Wrightson und arbeitet mit runderen Linien. Er setzt die Schatten schwerer, macht Gesichter schneller grotesk. Das bricht die vorherige Textur, keine Frage. Ich empfinde es trotzdem nicht als Unfall. Der Bruch passt zum Inhalt, weil auch die Geschichte dort die Kontrolle verliert. Und er passt zur Realität des Projekts. Der Band zeigt zudem Entwürfe und Skizzen, die deutlich machen, wie stark Wrightson die Erzählung auch konzeptionell geprägt hat. Gerade diese offenen Werkspuren machen die Gesamtausgabe wertvoll.

FRANKENSTEIN, ALIVE, ALIVE! gewinnt so eine zweite Ebene. Man sieht nicht nur eine Geschichte über ein künstliches Leben. Man sieht auch die Handarbeit hinter jedem Schatten.

Als Leichen noch Ware waren

Der Frankenstein-Mythos entstand nicht im luftleeren Raum. Um 1800 faszinierte viele Menschen die Idee, Elektrizität könne Leben anstoßen. 1803 führte Giovanni Aldini galvanische Experimente am Körper des Hingerichteten George Foster durch. Zeitgenossen berichteten von Zuckungen und Bewegungen. Das war keine Auferstehung, aber es war genug, um die Grenze zwischen Tod und Körper neu zu verunsichern.

Parallel dazu gab es einen handfesten Skandal um Leichen. Anatomische Schulen brauchten Körper. Legale Quellen reichten nicht. Also arbeiteten sogenannte Body Snatchers, also Grabräuber, die frisch Begrabene ausgruben und verkauften. Dieses Thema verarbeitet in ihrem ersten Band auch die MALCOLM MAX-Reihe. Der öffentliche Ekel war real. Der Staat reagierte 1832 mit dem Anatomy Act. Er gab Ärzten und Studenten legalen Zugang zu unbeanspruchten Körpern aus Einrichtungen wie Arbeitshäusern, Hospitälern oder Gefängnissen. Damit sollte das Geschäft mit den Gräbern enden.

Genau diese Mischung aus Fortschrittsglaube und Körperangst steckt auch in der Figur des Dr. Ingles. Der Comic wirkt dadurch altmodisch und erstaunlich aktuell zugleich. Wissenschaft wird hier nicht als böse – aber als hungrig – dargestellt.

Fazit

FRANKENSTEIN, ALIVE, ALIVE! ist kein Plot-Monster. Wer Twists und große Überraschungen sucht, bekommt eher einen langsamen Marsch durch Gefühl und Gewissen. Das kann man natürlich kritisch betrachten. Manchmal wirkt Niles zu respektvoll. Dann bleibt die Sprache einen Tick zu gestelzt für die Härte der Situation.

Trotzdem trägt der Band, weil er eine klare Haltung hat. Er macht aus der Kreatur keine Ikone. Aber er macht aus ihr ein Wesen, das sich nach Menschlichkeit sehnt und daran scheitert. Das ist unbequem, das ist stark und es passt zu Mary Shelley.

Am Ende bleibt für mich vor allem eine Erfahrung. Ich sehe hier Horror, der nicht schreit und Zeichnungen, die noch lange im Kopf bleiben. Ich sehe ein Projekt, das durch Bonusmaterial und sichtbaren Prozessgewinn noch wächst. Das Monster bleibt, auch wenn das Buch schon zu ist. Gerade auch weil wir Menschen mit der künstlichen Intelligenz möglicherweise neue Monster erschaffen, die ohne einen Körper daher kommen…

• FRANKENSTEIN, ALIVE, ALIVE
• Steve Niles, Bernie Wrightson und Kelley Jones
• Hardcover | 104 Seiten | Schwarz-Weiss
• ISBN 978-3-98721-252-9
• Storyline: ★★★☆☆
• Zeichnungen: ★★★★☆
• Farben: ★☆☆☆☆
• Lettering: ★★★☆☆
• Humor: ☆☆☆☆☆
• Meine persönliche Bewertung: ★★★☆☆
• © Splitter Verlag
• Informationen zu den Bildrechten findest Du hier

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Otfried Preußler hat Figuren geschaffen, die seit Jahrzehnten in deutschen Kinderzimmern zu Hause sind. Dabei ist es schon erstaunlich, wie unterschiedlich seine Geschichten ausfallen. Da gibt es den ziemlich harmlosen Räuber Hotzenplotz, der eigentlich nur Großmutters Kaffeemühle stehlen wollte. Und da gibt es KRABAT, eine düstere Geschichte über Verführung, Macht und die Schwierigkeit, sich aus fremder Abhängigkeit zu befreien. Was diese Welten verbindet, sind nicht allein Preußlers Geschichten. Es sind auch die Bilder, die Generationen von Lesern mit ihnen verbinden.

Hotzenplotz und die Macht der sieben Messer

Beginnen wir mit einem alten Bekannten. RÄUBER HOTZENPLOTZ erscheint 1962 und entwickelte sich zu einem der bekanntesten Kinderbuchklassiker überhaupt. Die Geschichte beginnt mit einem dreisten Diebstahl. Hotzenplotz raubt Großmutter ihre Kaffeemühle, die beim Mahlen ihr Lieblingslied spielt. Kasperl und Seppel beschließen, den Räuber zu fangen und natürlich geht dabei einiges schief.

Was ich an dieser Geschichte bis heute mag, ist ihre herrliche Unbekümmertheit. Hotzenplotz sieht gefährlich aus, ist aber längst nicht so furchteinflößend, wie seine Bewaffnung vermuten lässt. Kasperl und Seppel sind keine makellosen Helden, sondern zwei ziemlich einfallsreiche Burschen, die sich gelegentlich selbst in Schwierigkeiten bringen.

Preußler bedient sich hier ganz bewusst der Tradition des Kasperle-Theaters. Die Figuren sind deutlich gezeichnet, die Konflikte überschaubar und die Handlung steckt voller überraschender Einfälle. Mit dem Zauberer Petrosilius Zwackelmann kommt außerdem eine Figur hinzu, die noch deutlich unangenehmer ist als der Räuber selbst.

Dass diese Geschichte so wunderbar funktioniert, liegt auch an Franz Josef Tripp. Seine Illustrationen haben das Erscheinungsbild von Hotzenplotz entscheidend geprägt. Der große Hut, der gewaltige Bart, die bedrohlichen Messer und die ausgesprochen komische Körpersprache gehören für mich untrennbar zu dieser Figur.

Wenn Zeichnungen zu Kindheitserinnerungen werden

Gerade für einen Comic-Leser liegt hier der eigentliche Reiz der Ausstellung. Denn die Langenfelder Schau präsentiert Illustrationen von Franz Josef Tripp und Winnie Gebhardt-Gayler. Darunter befinden sich sowohl Originalarbeiten als auch Farbdrucke. Das ist mehr als eine hübsche Ergänzung zu den Büchern. Schließlich entscheidet die Illustration wesentlich darüber, wie wir uns eine literarische Figur vorstellen.

Tripp arbeitet mit einer lebendigen, karikierenden Zeichensprache. Seine Figuren besitzen ausgeprägte Gesichtszüge, eine deutliche Körpersprache und einen hohen Wiedererkennungswert. Besonders Hotzenplotz profitiert davon. Schon sein Äußeres erzählt eine kleine Geschichte. Dieser Kerl möchte unbedingt gefährlich aussehen. Gleichzeitig wirkt er mit seinem übertriebenen Räuberaufzug fast wie eine wandelnde Theaterfigur.

Hier sehe ich eine deutliche Verwandtschaft zum Comic. Auch dort kann eine einzige Zeichnung bereits viel über den Charakter einer Figur erzählen. Ein schiefer Blick, eine übertriebene Bewegung oder eine bestimmte Körperhaltung ersetzen manchmal mehrere Sätze. Allerdings gibt es einen wichtigen Unterschied. Während Comics ihre Geschichten über aufeinanderfolgende Bilder erzählen, müssen Kinderbuchillustrationen häufig einen einzelnen Moment besonders wirkungsvoll einfangen. Zwischen zwei Bildern übernimmt der geschriebene Text die Erzählung. Gerade deshalb lohnt sich ein genauer Blick auf solche Arbeiten. Die Zeichner müssen auswählen, welchen Augenblick sie zeigen und was sie der Vorstellungskraft der Leser überlassen.

Eine kleine Hexe mit ziemlich großen Problemen

Winnie Gebhardt-Gayler gehört ebenfalls zu den Künstlerinnen, deren Bilder eng mit Preußlers Geschichten verbunden sind. Besonders DIE KLEINE HEXE ist ohne ihre Illustrationen kaum vorstellbar. Das 1957 erschienene Buch erzählt von einer jungen Hexe, die mit ihren gerade einmal 127 Jahren noch viel zu jung ist, um in der Walpurgisnacht mit den großen Hexen zu tanzen. Trotzdem versucht sie ihr Glück und bekommt prompt Schwierigkeiten. Gemeinsam mit ihrem sprechenden Raben Abraxas muss sie anschließend beweisen, dass sie eine gute Hexe ist.

Darin steckt ein wunderbar einfacher Konflikt. Was bedeutet es eigentlich, gut zu sein? Für die kleine Hexe bedeutet es zunächst, anderen zu helfen. Die älteren Hexen verstehen darunter allerdings etwas ganz anderes. Ich finde bemerkenswert, wie geschickt Preußler eine moralische Frage in eine unterhaltsame Kindergeschichte verpackt. Er hält keine Vorträge über richtiges Verhalten. Stattdessen lässt er seine Hauptfigur Erfahrungen sammeln und schließlich selbst eine Entscheidung treffen.

Gebhardt-Gaylers Illustrationen unterstützen den märchenhaften Charakter der Erzählung. Ihre Figuren wirken freundlich und zugänglich, ohne dass die Welt dadurch völlig harmlos erscheint. Gerade die kleine Hexe lebt von dieser Mischung aus kindlicher Neugier, Eigensinn und einer gewissen Unbeholfenheit. Für mich zeigt sich daran, wie wichtig die zeichnerische Interpretation eines Textes sein kann. Die Bilder legen nicht jedes Detail fest. Sie geben den Figuren aber ein Gesicht, das im Gedächtnis bleibt.

Vom Mühlenweiher bis Burg Eulenstein

Natürlich besteht Preußlers Geschichtenwelt nicht nur aus Räubern und Hexen. Bereits 1956 erscheint DER KLEINE WASSERMANN, sein erster großer Kinderbucherfolg. Zehn Jahre später folgt DAS KLEINE GESPENST. Beide Geschichten verbindet ein schöner Gedanke. Ihre Hauptfiguren sind neugierig auf eine Welt, die sie noch nicht richtig kennen. Der kleine Wassermann entdeckt seine Umgebung im Mühlenweiher. Das kleine Gespenst wiederum möchte unbedingt einmal bei Tageslicht unterwegs sein. Als dieser Wunsch tatsächlich in Erfüllung geht, entwickelt sich daraus ein Abenteuer, das ganz anders verläuft als erwartet.

Preußler erzählt solche Geschichten mit einem feinen Gespür für kindliche Wünsche. Seine Figuren wollen etwas erleben, Grenzen überschreiten und selbst herausfinden, wie die Welt funktioniert. Dabei verzichtet er weitgehend auf komplizierte Erklärungen. Ein Wassermann lebt eben im Wasser. Ein Gespenst spukt auf einer Burg. Das reicht als Ausgangspunkt vollkommen aus. Gerade diese Selbstverständlichkeit gefällt mir. Die fantastischen Wesen müssen ihre Existenz nicht rechtfertigen. Sie dürfen einfach da sein.

Krabat und die dunkle Seite der Fantasie

Mit KRABAT betreten wir allerdings eine ganz andere Welt. Der 1971 erschienene Jugendroman basiert auf einer sorbischen Sage. Im Mittelpunkt steht ein Waisenjunge, der als Lehrling in eine geheimnisvolle Mühle kommt. Dort erlernt er nicht nur das Müllerhandwerk, sondern auch schwarze Magie. Doch die vermeintlich verlockende Ausbildung hat einen schrecklichen Preis. Während Hotzenplotz und die kleine Hexe vor allem von Humor und Abenteuerlust leben, erzählt KRABAT von Abhängigkeit, Angst und der Versuchung durch die Macht. Das ist kein Zufall. Preußler verarbeitete in diesem Roman auch Erfahrungen seiner eigenen Jugend während des Nationalsozialismus. Der finstere Meister und seine Macht über die Müllergesellen lassen sich deshalb nicht allein als Elemente einer fantastischen Geschichte verstehen.

Besonders interessant ist in diesem Zusammenhang die 2023 zum 100. Geburtstag Preußlers erschienene Schmuckausgabe, die Mehrdad Zaeri illustriert hat. Seine Arbeiten gehören ebenfalls zur Langenfelder Ausstellung. Damit treffen unterschiedliche Generationen der Buchillustration aufeinander. Während die klassischen Preußler-Bilder bei vielen Lesern unmittelbar Kindheitserinnerungen auslösen dürften, eröffnet Zaeri einen jüngeren bildnerischen Zugang zu einem der anspruchsvollsten Werke des Autors.

Für mich ist das einer der spannendsten Aspekte der gesamten Ausstellung. Denn ein literarischer Text verändert sich nicht zwangsläufig, wenn er neu illustriert wird. Unsere Wahrnehmung kann sich dadurch aber erheblich verschieben. Eine neue Bildsprache setzt andere Schwerpunkte. Sie kann Figuren fremder erscheinen lassen, Bedrohungen verstärken oder vertraute Szenen in einem ungewohnten Licht zeigen.

Der Geschichtenerzähler aus Böhmen

Otfried Preußler wurde am 20. Oktober 1923 im böhmischen Reichenberg geboren, dem heutigen Liberec in Tschechien. Seine Kindheit war stark von Geschichten, Märchen und Sagen geprägt. Besonders die Überlieferungen seiner Heimat sollten später immer wieder Eingang in seine Bücher finden. Sein Lebensweg verlief allerdings alles andere als geradlinig. Während des Zweiten Weltkriegs wurde er Soldat und geriet anschließend in sowjetische Kriegsgefangenschaft. Nach seiner Rückkehr fand er in Bayern eine neue Heimat und arbeitete als Lehrer.

Das Erzählen gehörte dabei von Anfang an zu seinem Leben. Einige seiner bekanntesten Geschichten entstanden zunächst für seine drei Töchter. Aus mündlich erzählten Abenteuern wurden schließlich Bücher, die weltweit Millionen Leser erreichten. Was ihn für mich als Erzähler besonders auszeichnet, ist sein Gespür für die Perspektive seiner jungen Hauptfiguren. Seine Geschichten nehmen kindliche Ängste und Wünsche ernst, ohne sie unnötig aufzubauschen. Und obwohl seine Bücher inzwischen mehrere Jahrzehnte alt sind, funktionieren viele ihrer grundlegenden Konflikte noch immer. Wer möchte nicht dazugehören wie die kleine Hexe? Wer wäre nicht neugierig auf die Welt außerhalb des eigenen Mühlenweihers? Und wer hat sich nicht schon einmal gewünscht, einem mächtigen Gegner die Stirn bieten zu können?

Preußler starb 2013 im Alter von 89 Jahren.

Wenn Bilder mehr erzählen als Worte

Für einen Comic-Blog wie PANELWALKER ist eine Ausstellung über Otfried Preußler zunächst vielleicht kein naheliegendes Thema. Schließlich handelt es sich bei seinen bekanntesten Werken um illustrierte Kinderbücher und nicht um Comics oder Superhelden. Dennoch gab es für mich gute Gründe, mich damit zu beschäftigen.

Die Arbeiten von Tripp, Gebhardt-Gayler und Zaeri zeigen, wie unterschiedlich Künstler literarische Geschichten interpretieren können. Dabei geht es um dieselben Fragen, die auch im Comic eine wichtige Rolle spielen. Wie sieht eine Figur aus? Welche Eigenschaften lassen sich durch ihre Haltung vermitteln? Welche Szene verdient ein eigenes Bild? Und wie viel muss überhaupt gezeigt werden?

Besonders reizvoll finde ich die Möglichkeit, Originalillustrationen zu betrachten. Ein gedrucktes Buch zeigt schließlich immer auch das Ergebnis eines technischen Vervielfältigungsprozesses. Das Original erlaubt einen anderen Zugang zur Arbeit des Künstlers.

Ein bisschen Zauberei zum Mitnehmen

HEXEN, RÄUBER, SPUKGESTALTEN – DIE WELT DES OTFRIED PREUSSLER richtet sich ausdrücklich an unterschiedliche Generationen. Erwachsene können vertraute Figuren wiederentdecken, während jüngere Besucher die Geschichten möglicherweise zum ersten Mal kennenlernen. Dazu passt das Begleitprogramm des Museums.

Kreativangebote für Kinder und ein mehrteiliger Illustrationskurs mit Dirk Schmitt greifen die Verbindung zwischen Geschichten und Bildern auf. Gerade der Zeichenkurs erscheint mir als sinnvolle Ergänzung. Denn wer selbst versucht, eine literarische Figur zu gestalten, entwickelt schnell ein Gefühl dafür, wie viele Entscheidungen hinter einer scheinbar einfachen Illustration stecken. Dass der Thienemann Verlag die Ausstellung mit Leihgaben unterstützt, ermöglicht zudem die Präsentation historischer und neuerer Illustrationen.

Mein Interesse gilt dabei weniger dem nostalgischen Wiedersehen mit Hotzenplotz und seinen Freunden. Viel spannender finde ich die Frage, weshalb bestimmte Bilder über Jahrzehnte hinweg mit einer Geschichte verbunden bleiben. Die Ausstellung bietet dafür einen schönen, vielversprechenden Ansatzpunkt.

Und wenn sie nicht gestorben sind …

Otfried Preußler gehört zu jenen Autoren, deren Figuren längst ein Eigenleben entwickelt haben. Seine Geschichten werden gelesen, vorgelesen, auf Theaterbühnen gespielt und immer wieder neu illustriert. Das Stadtmuseum Langenfeld widmet sich mit seiner Ausstellung einem wichtigen Teil dieses Erfolgs. Denn so sehr Preußlers Erzählkunst im Mittelpunkt steht, so wenig sollte der Anteil der Illustratoren unterschätzt werden.

Franz Josef Tripp gab dem Räuber Hotzenplotz sein unverwechselbares Aussehen. Winnie Gebhardt-Gayler prägte die Vorstellung von der kleinen Hexe und Mehrdad Zaeri zeigt, dass auch ein längst etablierter Klassiker wie KRABAT neue bildnerische Interpretationen verträgt. Genau darin liegt für mich der größte Reiz von HEXEN, RÄUBER, SPUKGESTALTEN – DIE WELT DES OTFRIED PREUSSLER. Die Ausstellung erinnert daran, dass Geschichten nicht allein aus Worten bestehen müssen, um im Gedächtnis zu bleiben. Und vielleicht ist das ja das schönste Kompliment, das sich ein(e) Illustrator(in) wünschen kann. Auch wenn wir nach Jahrzehnten uns nicht mehr genau an jeden Satz erinnern können, die Gesichter der Figuren haben wir aber immer noch vor Augen.

Die kleine Ausstellung ist bis zum 20. Dezember 2026 im Stadtmuseum Langenfeld, Hauptstraße 83, 40764 Langenfeld (Rheinl.) zu sehen. Geöffnet ist dienstags bis sonntags von 10 bis 17 Uhr. Der Eintritt ist frei, i.e. kostenlos und barrierefrei.

Die gezeigten Foto sind © 2026 Michael Henseler

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Eigentlich wollte ich nur ein bisschen blättern. Man kennt das ja: Nichts kaufen, nur gucken! Dann fiel mir Ken Broeders’ Cover ins Auge. Ich nahm das Album aus dem Regal, blätterte ein paar Seiten durch – und war verloren. Diese Zeichnungen hatten wirklich was. Schmutz, Bewegung, schräge Gesichter, gewaltige Kreaturen und Farben, die nach Hitze, Staub und Abenteuer aussahen. Genau so fangen gefährliche Antiquariatsbesuche an.

Das Schöne daran ist, dass DRIFTWELT aus einer kreativen Abschweifung entstanden ist. Broeders zeichnete während der Arbeit am letzten Band seiner historischen Reihe APOSTATA zum Vergnügen fantastische Wesen. Irgendwann begann er sich zu fragen, wer diese Figuren eigentlich sind und wo sie leben. Daraus erwuchs eine ganze Welt. Seine historischen Interessen baute er gleich mit ein. Kleidung und Waffen tragen Spuren realer Vorbilder, unter anderem aus der napoleonischen Zeit und dem Osmanischen Reich. Selbst manche Namen haben kleine private Geschichten. Dellric Twotter verdankt seinen Namen Del Boy Trotter aus der britschen Fernseh-Serie ONLY FOOLS AND HORSES. Mutter K’Nosser wiederum ist eine Spielerei mit dem Wort Connoisseur (frz. für Genießer).

Der Zauberer hinter dem Zeichenbrett

Ken Broeders stammt aus Antwerpen und schloss 1993 seine Ausbildung am dortigen Sint Lucas Institut ab. Sein Abschlussprojekt wurde zur fünfteiligen Reihe TYNDALL. Später folgten VORBIJ DE STEEN und CYRANO, bevor er sich mit APOSTATA ausführlich dem römischen Kaiser Julian widmete.

DRIFTWELT führte ihn danach zurück zur Fantasy. Die Reihe erschien zunächst im niederländischen Magazin EPPO und wurde anschließend als dreibändige Album-Serie veröffentlicht.

Broeders schreibt, zeichnet und koloriert selbst. Er arbeitet mit Bleistift, Acryl und Gouache und malt direkt auf seine Zeichnungen. Das erklärt einiges von dem wunderbar Handgemachten, das mich überhaupt erst am Antiquariatsregal festgehalten hat.

Willkommen im Land hinter dem Dimensionsspalt

Die DRIFTWELT ist eine Zwischenwelt. Hierher haben sich Wesen zurückgezogen, die in unserer Wirklichkeit längst in Märchenbüchern gelandet sind. Elfen, Trolle, Zauberer und allerlei Geschöpfe, für die Broeders offenbar keine Lust hatte, erst einen zoologischen Stammbaum anzulegen. (Danke dafür!) Der Comic erklärt gerade genug, damit ich folgen kann und lässt vieles einfach herumlaufen, fliegen oder brüllen.

Ganz friedlich ist dieses Reich allerdings nicht. Der Norden wirkt vergleichsweise geordnet. Im Süden sieht die Sache anders aus. Dort breitet Mutter K’Nosser mit ihren Trollen ihre Macht aus. Sie ist eine herrlich widerliche Erscheinung.

Riesig, schwer, gierig und vollkommen von sich überzeugt. Sie erinnert mich sehr an den Großen Ork aus der Orkstadt im Nebelgebirge (DER HOBBIT). Bei ihr wird gefressen, gesoffen, herumkommandiert und Eroberungspläne geschmiedet. Ich wusste schon nach wenigen Seiten, dass ich diese Frau schrecklich finde – und unbedingt mehr von ihr sehen möchte. Solche Bösewichter mag ich. Nicht weil sie besonders fein gezeichnete Seelen hätten, sondern weil sie ihren Raum sofort besetzen.

Gegen K’Nosser formiert sich Widerstand. Durrys versucht, verschiedene Gruppen zusammenzubringen und gewinnt schließlich auch die Dommovoi für den Kampf. Broeders setzt damit früh eine größere politische und militärische Ebene neben seine eigentliche Abenteuergeschichte. DRIFTWELT will nicht bloß zwei Figuren durch hübsche Kulissen jagen. Hier bahnt sich ein Krieg an!

Der Elf, der besser nichts anfassen sollte

Mitten hinein in diese Lage stolpert Dellric Twotter. Wobei stolpern nicht so ganz passt. Dellric seilt sich eher in die Geschichte ab. Er ist ein Dieb, ein Schwindler und ein Mann für Geschäfte, bei denen hinterher garantiert jemand unzufrieden sein wird. Mutter K’Nosser hat ihn beauftragt, in einem Tempel ein magisches Schmuckstück zu stehlen. Dies hängt am Hals einer Mumie. Schon diese Ausgangslage verrät ziemlich gut, welche Sorte Fantasy Broeders mir erzählt.

Da wir schon bei DER HERR DER RINGE waren: Dellric ist kein Aragorn! Er folgt keinem höheren Auftrag, trägt keine ererbte Verantwortung mit sich herum und würde den einen Ring vermutlich verkaufen, bevor jemand erklären könnte, warum er ins Feuer geworfen werden muss. Er arbeitet für die Seite, die bezahlt. Punkt. Wenn die Lage kippt, denkt er neu und hat gerne einen Plan C, D oder E. Moral ist bei ihm flexibel, sein Überlebenswille hingegen nicht.

Und Dellric redet. Viel. Er flucht, prahlt, meckert und kommentiert seine eigene Lage. Dazu kommt dieses ungeheure Gebiss. Broeders hat ihm Zähne verpasst, die fast eine eigene Nebenfigur bilden. Dellric sieht dadurch gleichzeitig listig, lächerlich und ein wenig nagetierhaft aus. Gerade deshalb funktioniert er so gut. Ich hatte keine Sekunde das Bedürfnis, ihn mit einem klassischen Fantasy-Helden zu verwechseln. Und dann erscheint Ysabeau.

Eine Menschenfrau zwischen Hexen und Mumien

Ysabeau gehört eigentlich nicht hierher. Sie ist ein Mensch und gerät durch eine Verbindung zwischen den Welten in die DRIFTWELT. Hinter ihr steht Shulam, eine vierarmige, spinnenhafte Hexe. Shulam hat Ysabeau unter ihren Einfluss gebracht und benutzt sie für ihre eigenen Ziele. Dass ausgerechnet diese junge Frau Dellrics Weg kreuzt, bringt den ohnehin nicht besonders sauber geplanten Diebstahl endgültig durcheinander.

Das Treffen der beiden ist für mich der Moment, in dem der Comic wirklich Fahrt aufnimmt. Vorher zeigt mir Broeders im Rahmen einer klassischen Exposition seine Welt. Jetzt bekommt sie zwei Figuren, an denen ich mich festhalten kann.

Dellric denkt zuerst an Dellric. Ysabeau dagegen wirkt orientierungslos, verletzlich und zugleich erstaunlich entschlossen. Sie trägt Erinnerungslücken mit sich herum und irgendwo in diesem Nebel liegt auch das Schicksal ihrer Schwester Robinette, die ebenfalls mit Shulam verbunden ist.

Im Laufe der Handlung löst sich Ysabeau zumindest zeitweise aus der Kontrolle der Hexe. Sie weigert sich, Dellric zu töten und plötzlich haben beide ein gemeinsames Problem. Die einfachste Lösung wäre vermutlich, getrennte Wege zu gehen. Aber natürlich passiert genau das nicht.

Ich mag dieses Paar. Nicht weil Broeders die Beziehung psychologisch besonders tief entwickelt. Ich mag sie, weil beide so schlecht zusammenpassen. Dellric braucht niemanden, für den er Verantwortung übernehmen muss. Demgegenüber braucht Ysabeau ausgerechnet jemanden, der weiß, wie diese Welt funktioniert, jemanden wie Dellric.

Trolle ante portas

Von hier an beschleunigt Broeders kräftig. Dellric und Ysabeau wechseln zwischen Flucht, Gefangenschaft und dem Versuch, überhaupt herauszufinden, was hinter Ysabeaus Auftauchen in dieser Welt steckt. Zeitweise landen sie in einem hoch aufgehängten Käfig. An anderer Stelle bewegen sie sich durch Landschaften, in denen jedes größere Tier den Eindruck macht, als könne es sie mit einem einzigen Schritt zerquetschen.

Parallel dazu rückt Mutter K’Nossers Krieg näher. Durrys versucht, den Widerstand zusammenzuhalten und die Dommovoi müssen entscheiden, wie lange sie einem Konflikt ausweichen können, der längst vor ihrer Haustür steht. Schließlich prallen die Parteien dann doch aufeinander.

Diese Schlacht gehören zu den Stellen, an denen ich Broeders besonders gern zuschaue. Seine Elfen stehen nicht mit eleganten Langbögen auf einem Hügel und schießen in Zeitlupe auf Orks. Hier krachen Musketen und Kanonen. Riesige Kreaturen stürmen durch das Bild, Geschosse reißen Körper auseinander. Zwischen all dem wuseln Figuren herum, die kaum Zeit haben, über Heldentum nachzudenken. Broeders verbindet Märchenwesen mit Waffen, die aus einer sehr viel späteren historischen Kontext zu stammen scheinen. Genau daraus entsteht ein eigener … nun ja, Geschmack.

Wenn das Bestiarium zurückschlägt

Trotz des ganzen Spektakels bleibt die eigentliche Bedrohung noch eine Weile schwer zu greifen. Mutter K’Nosser ist brutal, aber sie ist nicht das größte Problem. Shulam ist gefährlicher. Ihre Verbindung zur Menschenwelt und zu Ysabeau erweitert den Konflikt. Plötzlich geht es nicht mehr bloß darum, welche Partei im Süden der DRIFTWELT die Oberhand gewinnt.

Broeders streut dazu Erinnerungsbilder in Ysabeaus Gedächtnis ein. Ihre Vergangenheit taucht immer wieder auf, bruchstückhaft, häufig in kalten, verschneiten Bildern. Ihre Schwester wird dabei immer wichtiger. Ich finde diese Stellen reizvoll, aber erzählerisch auch ziemlich vage. Der Comic will Geheimnisse schaffen und gleichzeitig Tempo machen. Das geht nur nicht immer sauber zusammen. Mehr als einmal hatte ich das Gefühl, dass mir eine Szene etwas Bedeutendes zeigen möchte, bevor sie mir überhaupt erklärt hat, warum ich diese Information einordnen können sollte.

Das liegt auch daran, dass Broeders sehr viele Figuren, Völker und Konflikte auf relativ engem Raum unterbringen möchte. Gerade als ich mich an eine Gruppe gewöhnt hatte, kam schon die nächste. Gerade als ein Problem greifbar wurde, öffnete sich die Tür zum nächsten. Das kann Spaß machen und bei mir hat es funktioniert, meistens. Elegant ist es trotzdem nicht.

Auf der Suche nach dem Roten Zauberer

Für Dellric und Ysabeau läuft schließlich vieles auf eine Person hinaus: Sie brauchen den Roten Zauberer! Er soll helfen, Ordnung in Ysabeaus Erinnerungen zu bringen und die Gefahr zu verstehen, die von Shulam ausgeht. Dass ein Dieb und eine Frau aus einer anderen Welt auf der Suche nach einem geheimnisvollen Magier sind, klingt zunächst nach Fantasy aus dem großen Baukasten. Broeders weiß das offenbar selbst.

Er versucht gar nicht erst, jedes vertraute Motiv als sensationelle Neuerfindung zu verkaufen. Stattdessen stopft er seine Welt mit schrägen Details voll. Das ist der Unterschied. Mich interessiert irgendwann weniger, ob ich den Typus des roten Magiers schon kenne. Ich möchte wissen, wie genau Broeders ihn aussehen lässt, welche Kreatur gleich durchs nächste Panel läuft und ob Dellric diesmal wenigstens fünf Minuten lang nichts klaut.

Der Band endet dort, wo die Geschichte eigentlich erst richtig los gehen sollte. Dellric und Ysabeau erreichen den Roten Zauberer, Shulam gewinnt wieder an Bedeutung, der Krieg gegen die Trolle ist (noch) nicht erledigt und Ysabeaus Schwester (noch) nicht gerettet. Fast jeder größere Erzählstrang bleibt offen. Und genau hier liegt meine deutlichste Kritik an diesem Album.

Der Fluch des ersten Bandes

DRIFTWELT 1: EINE GESCHICHTE VON DIEBEN UND TROLLEN erzählt keine abgeschlossene erste Episode. Der Band ist ein sehr langer Auftakt, der erster Akt eines längeren Stückes. Er stellt Figuren vor, verteilt Gegner, pflanzt Geheimnisse und zieht mehrere Zündschnüre für spätere Explosionen. Aber den eigentlichen Knall hebt sich Broeders dann doch lieber für später auf.

Bei einer abgeschlossenen Trilogie ist das heute weniger problematisch. Ich kann Band zwei ja einfach danebenlegen. Als einzelnes Album betrachtet bleibt dennoch ein etwas fahler Beigeschmack. Ich habe im Laufe der Erzählung viel erlebt aber erstaunlich wenig abgeschlossen. Das ist ein Unterschied.

Dazu kommt Broeders’ Erzählweise. Er entwickelt seine Geschichten im Kopf fast wie einen Film und verändert sie beim Zeichnen weiter. Figuren bekommen mehr Raum, Szenen wachsen, neue Details kommen hinzu. Er selbst hat beschrieben, dass nur ein Teil dessen, was er sich ausdenkt, am Ende tatsächlich auf der Seite landet. Genau diese Arbeitsweise spüre ich. Sie sorgt für Energie, erklärt aber auch, warum Übergänge gelegentlich abrupt wirken und manche Zusammenhänge mehr erahnt als sauber aufgebaut werden.

Magie aus bekannten Zutaten

Inhaltlich erfindet Broeders das Fantasy-Genre nicht neu. Wir bekommen Trolle, Elfen, Zauberer, eine böse Hexe, magische Gegenstände, eine bedrohte Welt, eine Menschenfigur zwischen den Welten und einen Krieg, der größer wird, als die Beteiligten zunächst ahnen. Auf dem Papier klingt das alles erst einmal vertraut.

Broeders gewinnt nicht über die Grundidee, sein Album gewinnt über Persönlichkeiten. Seine Trolle sind keine austauschbare Horde. Mutter K’Nosser könnte ich nach zwei Panels in jeder beliebigen Menge von Fantasy-Figuren wiedererkennen, Dellric sowieso. Selbst Nebenwesen bekommen Gesichter, Körper und Eigenheiten, die den Eindruck erzeugen, dass sie schon vor Beginn dieser Geschichte irgendwo herumgelungert haben. Genau hierin steckt die besondere Stärke dieser Welt: Ich glaube ihr ihre Bewohner!

Wenn Farbe nach Staub schmeckt

Spätestens bei den Zeichnungen bin ich wieder bei meinem Antiquariatsfund. DRIFTWELT 1: EINE GESCHICHTE VON DIEBEN UND TROLLEN sieht fantastisch aus. Nicht sauber im Sinne steriler Perfektion. Zum Glück. Broeders malt eine Welt, die sich benutzt anfühlt. Seine Figuren haben Gewicht. Trolle sind Fleischberge, Dellric ist drahtig und nervös, Ysabeau wirkt körperlich präsent, ohne zur glatten Damsel-in-distress zu werden. Gesichter dürfen hässlich sein, Körper dürfen seltsam aussehen. Dazu kommen Kreaturen, die gelegentlich nur durchs Bild laufen und bei mir sofort den Wunsch auslösen, hinterher zu gehen, um mehr über sie zu erfahren.

Besonders stark finde ich die Perspektiven. Broeders schaut von oben, von unten, durch Räume hindurch und über Figuren hinweg. Bei dem aufgehängten Käfig etwa kippt die Sicht so stark, dass ich die Höhe beinahe körperlich spüre. Große Panels öffnen Landschaften, kleinere Bilder treiben die Bewegung voran, Rahmen werden überschnitten und Sprechblasen ragen aus Bildflächen heraus. Trotzdem verliere ich nie die Orientierung.

Zwischen Hexenlicht und Kanonenrauch

Auch die Farben tragen erstaunlich viel. Broeders arbeitet mit Acryl und Gouache. Das Licht wirkt dadurch nicht wie eine digitale Schicht, die nachträglich über die Zeichnungen gelegt wurde. Es gehört zu den Räumen. Wüsten leuchten gelb und staubig, Höhlen werden schwer und grau. Erinnerungen an Schnee und Eis wirken beinahe ausgewaschen. Ysabeaus rötliches Haar steht darin umso deutlicher.

Drei Bände für eine Welt

Die Reihe ist abgeschlossen und das ist gut so. Aufgrund des bereits oben beschriebenen, sauberen Abschlusses des Bandes, würde sonst etwas Wesentliches fehlen. Auf EINE GESCHICHTE VON DIEBEN UND TROLLEN folgt EINE GESCHICHTE VON ZAUBERERN. Dort suchen Dellric und Ysabeau Schutz beim Roten Zauberer, während Shulam ihnen näher kommt. Den Abschluss bildet EINE GESCHICHTE VON HEXEN. Die deutsche Ausgabe erschien bei Splitter vollständig in drei Bänden und ist derzeit noch lieferbar. Ja, noch!

Das ist für diesen Auftakt wichtig. Denn ich würde den ersten Band heute nicht als Einzelalbum empfehlen, sondern als Einstieg in die zusammenhängende Geschichte. Dafür ist er zu offen gebaut. Wer nur einen hübschen Fantasy-Band für zwischendurch sucht, könnte am Ende sonst etwas ratlos zurückbleiben.

Fazit

Mein Antiquariatsfund war ein guter. Aber DRIFTWELT 1: EINE GESCHICHTE VON DIEBEN UND TROLLEN hat erzählerische Macken. Der Band will viel auf einmal, erklärt gelegentlich zu viel und an anderer Stelle zu wenig. (Das hat Brett Bean mit D’Orc besser im Griff.) Ysabeau braucht noch Profil. Einige Übergänge holpern, vor allem aber fehlt diesem Auftakt ein wirklich befriedigender, eigener Abschluss bzw. Cliffhanger. Trotzdem hatte ich wirklich große Lust weiterzulesen.

Das liegt an Dellric, es liegt an Mutter K’Nosser und es liegt an diesen grotesken Trollen, den merkwürdigen Wesen am Bildrand, den Kanonen, den Tempeln, den Farben und an Broeders’ Freude daran, seine Welt bis in die hinterste Ecke mit Leben vollzustopfen. Ich hatte beim Lesen ständig das Gefühl, dass hinter dem nächsten Hügel wieder irgendetwas lauert, das ich noch nie gesehen habe. Und manchmal reicht genau das, um mich für eine Fantasy-Welt zu gewinnen. Band 2 und 3 sind nachbestellt.

• DRIFTWELT 1:
  EINE GESCHICHTE VON DIEBEN UND TROLLEN
• Ken Broeders
• Hardcover | 72 Seiten | Farbe
• ISBN 978-3-96219-500-7
• Storyline:  ★★★☆☆
• Zeichnungen: ★★★★★
• Farben: ★★★★☆
• Lettering: ★★★☆☆
• Humor: ★★☆☆☆
• Meine persönliche Bewertung: ★★★☆☆
• © Splitter Verlag
• Informationen zu den Bildrechten findest Du hier

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Genau in diese Welt schicken Brian Azzarello (Szenario) und Eduardo Risso (Zeichnungen) drei kleine Jungen. Nicht etwa, weil die das Abenteuer suchen. Sie wollen ihre Mutter zurückhaben. Was erst einmal nach einer klassischen Western-Geschichte klingt, entwickelt sich in der Folge zu einer ausgesprochen brutalen Reise durch eine Landschaft, in der Gewalt zum Alltag gehört. BLOOD BROTHERS MOTHER liegt darum nahe bei Werken wie LEAVE THEM ALONE oder BIS ZUM BITTEREN ENDE.

Mit BLOOD BROTHERS MOTHER kehrt eines der bekanntesten Autorenduos des amerikanischen Comics zum Western zurück. Azzarello und Risso haben bereits mit 100 BULLETS bewiesen, wie hervorragend sie menschliche Abgründe erzählen können. Ihre neue Geschichte erschien ursprünglich ab Mai 2024 beim amerikanischen Verlag DSTLRY. Der deutsche Schreiber & Leser Verlag hat die vierteilige Miniserie nun als 224 Seiten starken Hardcoverband aufgelegt.

Nach den ersten Seiten von BLOOD BROTHERS MOTHER hat mich vor allem eine Frage beschäftigt: Wie viel Grausamkeit braucht eine Geschichte eigentlich, um glaubwürdig von einer grausamen Welt zu erzählen?

Ein Revolverheld kehrt zurück

Am Anfang der Erzählung steht Carter Cain. Ein Mann, der nach einem Aufenthalt in einem mexikanischen Gefängnis wieder auf freiem Fuß ist. Wer jetzt auf einen geläuterten Sünder hofft, dürfte ziemlich schnell enttäuscht werden. Cain ist ein brutaler Gangster, der seine Freiheit keineswegs als Gelegenheit für einen Neuanfang betrachtet. Stattdessen macht er dort weiter, wo er aufgehört hat. Gemeinsam mit seinen Kumpanen zieht er durch den Westen und hinterlässt eine Spur aus Gewalt, Erniedrigung und Tod.

Seine Vergangenheit führt ihn schließlich zu Anna, einer Frau, mit der ihn mehr verbindet als eine flüchtige Bekanntschaft. Während Cain hinter Gittern saß, hat Anna – unter den Namen Mary – ein neues Leben begonnen. Sie ist mit Reverend Jon Blood verheiratet, einem Prediger, der sich um sie und ihre drei Jungen kümmert. Daniel, Simon und Jack, den alle Rabbit nennen, wachsen in einer Familie auf, die ihnen zumindest einen gewissen Schutz vor der rauen Außenwelt bietet. Der Reverend ist allerdings nicht ihr leiblicher Vater, denn diese Rolle kommt ausgerechnet Carter Cain zu. Damit bekommt die Geschichte eine besonders unangenehme Wendung. Denn Cain betrachtet Annas neues Leben keineswegs als ihre eigene Entscheidung. Für ihn ist sie noch immer eine Frau, über die er bestimmen darf.

Azzarello nimmt sich für diese Vorgeschichte erstaunlich viel Raum. Das ist durchaus sinnvoll, weil ich dadurch früh verstehe, welche Gefahr von Cain ausgeht. Allerdings liegt hier bereits eine Schwäche des Comics, denn der Verbrecher wird derart konsequent als grausames Scheusal vorgeführt, dass kaum noch Platz für Überraschungen bleibt.

Drei Jungen auf dem Kriegspfad

Als Cain mit seinen Komplizen bei Anna auftaucht, endet das bisherige Leben der Familie schlagartig. Reverend Blood wird erschossen und Anna verschleppt. Zurück bleiben drei Jungen, die gerade alles verloren haben, was ihnen Sicherheit gegeben hat. Ihr leiblicher Vater fühlt sich für sie ganz und gar nicht verantwortlich.

Daniel, der Älteste, übernimmt diese Verantwortung. Gemeinsam mit Simon und Rabbit beschließt er, den Entführern zu folgen und die Mutter zurückzuholen. Das klingt zunächst nach einem ziemlich aussichtslosen Unterfangen, schließlich sind die Brüder noch Kinder. Sie besitzen weder die Erfahrung noch die körperlichen Voraussetzungen, um es mit den Erwachsenen ihrer Welt aufzunehmen. Und trotzdem machen sie sich auf den Weg.

Gerade dieser Gegensatz gehört für mich zu den stärksten Ideen des Comics. Drei Jungen, die eigentlich Schutz brauchen, müssen selbst für ihr Überleben sorgen und erwachsen werden. Ihre Reise ist keine abenteuerliche Bewährungsprobe, sondern eine verzweifelte Suche nach dem letzten Menschen, der ihnen geblieben ist.

Dabei unterscheiden sich die Brüder durchaus. Daniel versucht, die Rolle des Erwachsenen zu übernehmen. Simon und Rabbit sind stärker auf die Entscheidungen ihres älteren Bruders angewiesen. Zwischen ihnen entsteht eine Mischung aus Zusammenhalt, Angst und kindlicher Unsicherheit.

Ich hätte mir gewünscht, dass Azzarello diese Beziehungen ausführlicher zeigt und entwickelt. Gerade weil die Jungen das emotionale Zentrum der Geschichte bilden sollen, bleiben ihre unterschiedlichen Persönlichkeiten stellenweise etwas blass.

Auf dem Trail lauert der Tod

Ihre Suche führt die Brüder durch die Weiten von Texas. Was auf den ersten Blick nach grenzenloser Freiheit aussieht, entpuppt sich schnell als ein gefährliches Niemandsland. Die Jungen begegnen Menschen, deren Absichten sie kaum einschätzen können. Gesetzlose, Kopfgeldjäger und andere Gestalten bevölkern eine Welt, in der ein freundliches Gesicht noch lange kein Garant für gute Absichten bedeutet. Hinzu kommen wilde Tiere, Hunger und die unerbittliche Landschaft.

Azzarello nutzt diese Begegnungen gekonnt, um verschiedene Seiten des Westens zu zeigen. Es geht um Geld, Macht, Besitz und die Bereitschaft, andere Menschen für den eigenen Vorteil zu opfern. Der vermeintlich zivilisierte Teil des Westens unterscheidet sich dabei wenig von der Welt seiner Verbrecher.

Interessant ist, dass die Geschichte auch die Perspektive der indigenen Bevölkerung berührt. Mit der Figur Crazy Owl, die ich hier beim englischen Namen belasse, erweitert sich der Blick über das persönliche Schicksal der Familie hinaus. Die Besiedlung des Westens erscheint nicht als heldenhafter Fortschritt, sondern als gewaltsame Aneignung fremden Landes.

Allerdings wirken manche Begegnungen eher wie einzelne Episoden, die den Jungen weitere Gefahren vorführen sollen. Nicht jede davon bringt die eigentliche Suche entscheidend voran. Hier hätte etwas weniger durchaus mehr sein können.

Blut ist dicker als Wasser

Während die Brüder ihrer Mutter folgen, wird immer deutlicher, dass hinter der Entführung mehr steckt als die Grausamkeit gewöhnlicher Banditen. Carter Cain ist ihr leiblicher Vater. Der Mann, vor dem die Jungs ihre Mutter retten wollen, gehört also selbst zu ihrer Familie. Dieser Umstand verändert den zentralen Konflikt erheblich. Die Jungen kämpfen nicht einfach gegen fremde Verbrecher. Sie müssen sich mit einem Menschen auseinandersetzen, dessen Vergangenheit unmittelbar mit ihrer eigenen verbunden ist.

Damit stellt Azzarello eine unangenehme Frage: Was bedeutet Familie eigentlich, wenn Blutsverwandtschaft weder Liebe noch Verantwortung garantiert? Reverend Blood hat den Jungen ein Zuhause gegeben. Cain hingegen beansprucht eine Stellung, die er durch sein Verhalten längst verwirkt hat. Der Gegensatz zwischen beiden Männern könnte kaum deutlicher ausfallen.

Im weiteren Verlauf gewinnt die Geschichte zunehmend an Härte. Die Suche wird zur Auseinandersetzung mit Gewalt und Vergeltung. Dabei verlieren die Brüder Stück für Stück jene Unschuld, die sie zu Beginn noch ausgezeichnet hat. Gerade diese Entwicklung hätte für meinen Geschmack mehr Aufmerksamkeit verdient. Denn die entscheidende Veränderung findet nicht allein in den äußeren Ereignissen sondern in den Jungen selbst statt. Azzarello zeigt die Folgen ihrer Erlebnisse, lässt aber manche emotionalen Zwischenschritte zu schnell hinter sich.

Wenn der Colt die Geschichte erzählt

BLOOD BROTHERS MOTHER ist ein kompromissloser Western. Daran besteht nach wenigen Seiten kein Zweifel. Gewalt wird hier weder beschönigt noch hinter verschlossenen Türen versteckt. Auch sexualisierte Gewalt gehört zu den erschütternden Bestandteilen der Geschichte. Das kann durchaus seine Berechtigung haben, schließlich geht es um eine Welt, in der Menschen andere Menschen wie Eigentum behandeln.

Mich stört allerdings, dass Azzarello bisweilen so stark auf die nächste Grausamkeit setzt, dass die Figuren dahinter zurücktreten. Besonders die Figur des Carter Cain leidet darunter. Seine Brutalität steht außer Frage, doch als Persönlichkeit bleibt er erstaunlich eindimensional.

Auch Anna hätte ich gerne stärker als eigenständige Figur erlebt. Ihre Vergangenheit und ihre Beziehung zu Cain sind für die Handlung entscheidend. Dennoch wird sie über weite Strecken vor allem durch das bestimmt, was andere ihr antun. Das ist besonders schade, weil der Titel ja ausdrücklich die Mutter in den Mittelpunkt zu rücken scheint. Tatsächlich gehört die erzählerische Aufmerksamkeit jedoch überwiegend den Männern und Jungen um sie herum und macht sie damit irgendwie zu einem MacGuffin (also einem Gegenstand, einer Person oder einem Ziel in einer Geschichte, das die Handlung antreibt, für die eigentliche Bedeutung des Werkes / des Films aber völlig unwichtig ist).

Hinzu kommt ein gelegentlich ungleichmäßiges Erzähltempo. Während manche grausame Episode ausführlich ausgespielt wird, geraten wichtige Veränderungen innerhalb der Familie vergleichsweise knapp. Spannung entsteht dadurch reichlich, emotionale Nähe nicht immer.

BLOOD BROTHERS MOTHER in Wasserfarben

Eduardo Rissos Zeichnungen sind für mich der überzeugendste Bestandteil dieses Comics. Wer Risso hauptsächlich aus 100 BULLETS kennt, dürfte zunächst überrascht sein. Statt der dort dominierenden harten Schwarzflächen arbeitet der argentinische Zeichner hier mit einer deutlich weicheren, aquarellartigen Farbgestaltung, was einen harten Kontrast zwischen den gezeigten Bildern und den dargestellten Ereignissen bildet. Warme Gelb- und Orangetöne bestimmen die sonnenbeschienenen Landschaften. Nachts übernehmen Blau und Violett die Bilder. Die Farben lassen den Westen gelegentlich beinahe friedlich erscheinen. Umso heftiger wirken die Gewaltausbrüche, die diese Ruhe zerstören. Für die handgemalten Innenillustrationen in (THE) BLOOD BROTHERS MOTHER gewann er 2025 den EISNER AWARD in der Kategorie „Best Pinter/Multimedia Artist (Interior Art)“.

Besonders gefällt mir, wie Risso mit Perspektiven und Bildausschnitten arbeitet. Weite Landschaftsbilder vermitteln die Verlorenheit der Jungen. Eng gefasste Panels konzentrieren sich dagegen auf Gesichter, Bewegungen und bedrohliche Einzelheiten. Dabei versteht Risso hervorragend, wann er eine Szene beschleunigen muss. Kurze Bildfolgen lassen Gewalt plötzlich und unmittelbar erscheinen, größere Panels geben anschließend Gelegenheit, ihre Folgen wahrzunehmen.

Seine Figuren besitzen eine ausdrucksstarke Körpersprache. Angst, Erschöpfung und Entschlossenheit werden häufig bereits durch Haltung und Gesichtsausdruck erkennbar.

Ganz ohne Schwächen bleibt die Gestaltung allerdings nicht. Einige Nebenfiguren sind auf den ersten Blick schwer auseinanderzuhalten. Auch die wechselnde Detailfülle fällt auf. Manche Landschaften sind sorgfältig ausgearbeitet, während andere Hintergründe ausgesprochen sparsam bleiben. Trotzdem gelingt Risso etwas Bemerkenswertes: Seine Bilder machen die Schönheit dieser Landschaft sichtbar, ohne ihre Gefährlichkeit zu verschweigen.

Zwei alte Revolverhelden

Brian Azzarello stammt aus Cleveland und gehört seit den 1990er-Jahren zu den bekannten amerikanischen Comicautoren. Besonders seine gemeinsam mit Eduardo Risso geschaffene Krimiserie 100 BULLETS machte ihn international bekannt. Daneben schrieb er unter anderem Geschichten um BATMAN, WONDER WOMAN und JOKER.

Eduardo Risso wurde 1959 in Argentinien geboren und arbeitete zunächst für den südamerikanischen und europäischen Comicmarkt, bevor er auch in den USA große Erfolge feierte. Seine markante Bildsprache und sein Gespür für düstere Geschichten haben ihm zahlreiche Auszeichnungen eingebracht.

Beide Künstler arbeiteten später erneut bei SPACEMAN und MOONSHINE zusammen. BLOOD BROTHERS MOTHER knüpft an ihre Vorliebe für moralisch fragwürdige Figuren an, führt sie aber in eine andere visuelle Richtung.

Fazit

BLOOD BROTHERS MOTHER hat mich vor allem durch seine Zeichnungen beeindruckt. Eduardo Risso liefert einen visuell außergewöhnlichen Western, dessen Schönheit und Brutalität häufig unmittelbar zusammenprallen.

Brian Azzarellos Geschichte überzeugt mich dagegen nicht durchgängig. Die Grundidee ist stark, die Reise der drei Brüder spannend. Doch die wiederholten Grausamkeiten ersetzen gelegentlich jene sorgfältige Figurenentwicklung, die aus einer guten Rachegeschichte eine wirklich bewegende Erzählung machen könnte. Besonders Anna – die titelgebende Mutter – und die Beziehungen innerhalb der Familie hätten mehr Raum verdient gehabt.

Wer harte, schonungslose Western liebt und mit drastischer Gewalt umgehen kann, bekommt dennoch einen sehenswerten Comic. Wer dagegen eine vielschichtige Familiengeschichte erwartet, dürfte nicht vollständig zufrieden sein. Für mich bleibt ein hervorragend gezeichneter, erzählerisch aber nicht immer überzeugender Western. Einer, bei dem die Bilder länger im Gedächtnis bleiben als manche seiner Figuren …

• BLOOD BROTHERS MOTHER
• Brian Azzarello und Eduardo Risso
• Hardcover | 224 Seiten | Farbe
• ISBN 978-3-96582-244-3
• Storyline:  ★★★☆☆
• Zeichnungen: ★★★★★
• Farben: ★★★★★
• Lettering: ★★★☆☆
• Humor: ☆☆☆☆☆
• Meine persönliche Bewertung: ★★★★☆
• © Schreiber und Leser Verlag
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Im Zentrum von TELEPORTATION INC. steht einer der ältesten Menschheitsträume: Reisen, wohin und wann immer man will, per Knopfdruck, ohne Jetlag oder Tankrabatt. Nur mit ein bisschen Techno-Zauber. Dank der Galactic Teleportation Company (kurz GTC) wird dieses Science-Fiction-Versprechen Realität. In einer weitläufigen Zukunftsgesellschaft, in der diverse Spezies das All zum Wohnzimmer gemacht haben, kontrolliert die GTC mit ihren globalen und interstellaren Regeln, wer sich wohin teleportieren darf. Strenge Vorgaben und Rückkehrtermine sind Pflicht. Wer sich nicht daran hält, wird von Rückholagenten gesucht – und oft gefunden!

Der Comic öffnet mit einem humorvollen wie actionreichen Blick in den Alltag einer dieser Agentinnen, Lubia Thorel. Lubia, die als Beste ihrer Abteilung gilt, kehrt gerade erfolgreich von einem ihrer Einsätze zurück. Kaum angekommen, wartet allerdings auch schon der nächste Fall auf sie. Gleich fünf Teleportierte sind auf dem Planeten Shpar verschwunden.

Der Auftrag klingt nach Stress, vor allem weil die Abgewichenen nicht gerade harmlose Touristen sind. Die Spur führt Lubia zusammen mit ihrem neuen, eher ungewollten Alien-Partner in die Ausläufer einer Verschwörung, an deren Ende mehr auf dem Spiel steht als nur ein paar vermisste Globetrotter.

Weit, weit draußen

Shpar, der Zielplanet, ist eine Mischung aus mondäner Hightech-Welt und dekadentem Treffpunkt für Milliardäre. Hier treffen intergalaktische Snobs und Sicherheitsleute bei einem Hauch Steam-Punk aufeinander.

Lubias Recherchen geraten schnell außer Kontrolle als ungeklärte Phänomene, skrupellose Geschäftemacher und seltsame Mutationen auf der Bildfläche erscheinen. Ihr neuer Partner, ein Duagin mit recht eigenwilligen Eigenschaften (samt Eidechsenschwanz) sorgt für Reibung, Witz und zahlreiche anzügliche Seitenhiebe. Die Buddy-Cop-Dynamik mischt actiongeladene Szenen mit bissigen Dialogen und gelegentlichem Slapstick.

Im Laufe der Ermittlungen geraten beide in einen Sog aus Verschwörung und Sabotage. Es geht längst nicht mehr nur um vermisste Reisende. Die Geschichte offenbart einen größeren Plan, der mit der Entwicklung der Teleportationstechnologie und verschwundenen Planeten zu tun hat.

Komik vs. Technik

Paranoia, Intrigen und eine latent überdrehte Komik ziehen sich durch den Plot. Lubia und ihr Partner müssen sich nicht nur mit ihren Gegnern herumschlagen, sondern werden auch regelmäßig von den Tücken der eigenen Technologie überrascht.

Doch trotz aller Wendungen jagt TELEPORTATION INC. nie ausschließlich dem nächsten dramatischen Cliffhanger hinterher. Stattdessen dominiert eine leichte, oftmals ironische Erzählstimme, die auch Raum für Momente des Scheiterns, der Freundschaft und der gegenseitigen Annäherung lässt. Die Mission, die Handlung, das Setting – all das bleibt am Ende nicht ohne Folgen, weder für die Helden noch für das Universum selbst.

Zwischen Knalleffekt und Kopfnuss

Obwohl TELEPORTATION INC. auf den ersten Blick wie ein temporeiches Sci-Fi-Abenteuer daherkommt, entpuppt sich die Erzählung bei genauerem Hinsehen als erstaunlich vielschichtig.

Sie gibt sich als klassische Buddy-Geschichte: alter Hase (pardon: Häsin) trifft auf Rookie, die härteste Agentin mit Prinzipien auf einen Alien mit sozialer Tollpatschigkeit. Dieser Ansatz verleiht dem Plot eine solide Grundspannung. Die Dynamik zwischen Lubia Thorel und ihrem Duagin-Partner bringt die nötige Würze und sorgt neben Action sowohl für schallendes Gelächter als auch für genügend Gelegenheit zum Augenverdrehen.

Strukturell setzt TELEPORTATION INC. auf eine Mischung aus Krimi- und Verschwörungs-Thriller. Immer wieder improvisiert die Heldin, stellt unkonventionelle Nachforschungen an und legt sich mit Vorgesetzten und Sicherheitsapparaten an. Der Wechsel von humorvoll überdrehten Dialogen zu echten Thriller-Momenten sorgt für einen Rhythmus, der auch auf längeren Strecken das Ganze nie eintönig werden. Handfeste Action, grotesker Slapstick und satirische Seitenhiebe auf Bürokratie und Konzernmacht wechseln sich flott ab.

Tempo und Takt in TELEPORTATION INC.

Ich könnte bemängeln, dass die Handlung gelegentlich fragmentarisch wirkt. Die Handlungsstränge reihen sich manchmal zu hastig und zufällig aneinander. Dadurch droht der Comic, Atmosphäre und Tiefe zugunsten der nächsten Pointe oder Actionszene einzubüßen.

Und doch schafft es dieser Band, mir immer wieder überraschende Wendungen zu liefern, die das Buch vor Vorhersehbarkeit retten. Den dramaturgischen Höhepunkt erreicht TELEPORTATION INC. in seiner zweiten Hälfte. Der rätselhafte Hintergrund der Teleportationstechnologie – mitsamt verschwundener Planeten – wird mit Spannung aufgelöst, ohne sich in zu viele Erklärungen zu verlieren.

Amüsant ist, dass der Comic offen lässt, wie ernst er sich selbst eigentlich nimmt. Zwischen pop-kulturellen Referenzen, kleinen Anspielungen auf Kino (Star Wars lässt grüßen) und einer Prise Steam-Punk wird der Ernst der Lage immer wieder humorvoll unterlaufen. Es bleibt bei dem Versuch, eine Balance zwischen ambitioniertem Sci-Fi-Plot und lockerer Lesbarkeit zu halten.

Wer ein tiefschürfendes Drama sucht, ist hier eindeutig falsch. Wer Spaß an fein dosierter Albernheit bei gleichzeitig hohem Erzähltempo genießt, kommt wie ich auf seine Kosten.

Schräge Typen, starke Agentin

Der Star von TELEPORTATION INC. ist unbestritten Lubia Thorel. Sie gibt der Geschichte nicht nur ein Gesicht, sondern auch einen Tonfall. Als knallharte Rückholagentin ist sie souverän, kämpferisch und scheinbar über jede Erschütterung erhaben. Ihre Dialoge sind pointiert, ihre Methoden bisweilen – nun ja, rabaukig. Gleichzeitig bleibt sie sympathisch, weil sie Fehler macht, sich irrt, lacht und ein weiblicher Grantler ist. Ihr Charakter wird von Stereotypen gelegentlich gestreift, jedoch immer rechtzeitig durch Selbstironie oder subtile Gefühlsmomente gebrochen.

Ihr Alien-Partner, ein Duagin mit außergewöhnlicher Körperausstattung, dient als Kontrastfigur. Seine soziale Unsicherheit, seine wortwörtlichen Ausrutscher und sein Hang zu naivem Staunen über die menschlichen Welten sorgen für Komik. Zugleich wirkt er in den spannenden Momenten als überraschend ernsthafter und loyaler Partner.

Diese buddyhafte Beziehung liefert das emotionale Rückgrat und verhindert, dass der Comic zu einer bloßen Action-Sammlung verkommt.

Zwischen Kick-Ass und Kicherattacke

Die Nebenfiguren bleiben größtenteils Staffage. Sie funktionieren als Karikaturen von Bürokraten, Snobs, Sicherheitsleuten und Tech-Nerds. Das ist nicht immer tiefgründig, sorgt aber für Wiedererkennungswert. Die Antagonistinnen und Antagonisten agieren klischee-bewusst und werden von den Protagonisten meistens mit einem Spruch oder einem Trick ausmanövriert.

Die Figurenentwicklung ist solide, aber nicht bahnbrechend. Ein echtes Durchleben innerer Konflikte bleibt aus, da der Fokus stärker auf Schlagfertigkeit und Teamarbeit liegt. Trotzdem verweile ich bei Lubia und ihrem Kompagnon gerne. Vielleicht gerade deshalb, weil sie nicht perfekt sind. In Summe funktionieren die Hauptfiguren als Sympathieträger, die sogar Potenzial für weitere Bände hätten.

Zwei Macher, ein Stil

Die kreative Feder hinter TELEPORTATION INC. ist Dominique Latil, ein Autor, der sich durch verschiedene Sci-Fi- und Fantasyreihen einen Namen gemacht hat. In Frankreich schätzt man ihn unter anderem für die Serie MOREA. Latil ist bekannt für seinen Hang zum humorvoll gebrochenen Abenteuer, für pop-kulturelle Referenzen und clevere Genre-Mischungen. Er versteht es, klassische Themen auf die Schippe zu nehmen, ohne ihnen gänzlich ihren Ernst zu rauben.

Auch in TELEPORTATION INC. setzt er auf die bewährte Mischung aus Krimi, Sci-Fi und Buddy-Komödie. Seine Geschichten sind selten wirklich ernst und lassen stets Raum für Ironie.

Wenn Storyboard auf Storytelling trifft

Romain Sordet, erstmals als Hauptzeichner für einen Band dieser Länge verantwortlich, bringt als Storyboarder und Animator frischen Wind in die frankobelgische Comic-Branche. Der ausgebildete Zeichner arbeitet auch als Lehrer für Storyboarding und bringt daher ein ausgeprägtes Gefühl für Bildführung und visuelles Erzählen mit. Sein bisheriger Werdegang führt von animierten Kurzprojekten über Illustrationen bis hin zu seinem Durchbruch mit TELEPORTATION INC., das er sowohl zeichnerisch als auch farblich prägt.

Die Zusammenarbeit der beiden führt zu einer außergewöhnlich harmonischen Verbindung von Text und Bild. Während Latil die Dialoge fliegen lässt, verwandelt Sordet sie gekonnt in mimische Höhepunkte. Die Nähe beider Künstler zur frankobelgischen Tradition ist spürbar, gleichzeitig zeigen sie Mut zu Wagnissen und genüsslicher Überzeichnung.

Knallbunt, cartoonisch und voller Bewegung

Romain Sordets Zeichnungen sind die visuelle Triebfeder von TELEPORTATION INC. Sein Strich bewegt sich sicher nahe am Funny-Stil, erinnert an die großen frankobelgischen Klassiker, verzichtet aber auf sterile Perfektion.

Die Gesichter sind expressiv, die Körper meist karikiert, was der Interaktion zwischen den Figuren ein humorvolles Eigenleben verleiht. Gerade Mimik und Gestik überzeugen auf breiter Linie. Das führt dazu, dass schon reaktive Blicke und kleine Minenwechsel ganze Pointen transportieren können.

Farbspektakel im Funny-Stil

Die Farbgebung ist kräftig und plakativ. Dieses knallbunte Setting betont sowohl den spaßigen Charakter als auch den futuristischen Hintergrund. Besonders gelungen sind die urbanen Szenerien, die einen originellen Spagat zwischen Art-Déco, Steam-Punk und Hightech schaffen. Ob man sich auf dem Luxusplaneten Shpar oder in der trostlosen GTC-Zentrale befindet: Atmosphärische Tiefe wird in dezenten Details und nicht mit Pathos präsentiert.

Anspielungen auf bekannte Filme, Serien und Genres lassen sich schon aus den Panelformen und Bildaufbauten herauslesen. Das Design der Fahrzeuge, Labore und Nebenfiguren strotzt vor liebevollen Zitaten. Gelegentlich wirkt das Worldbuilding ein wenig überfrachtet. Doch es bleibt charmant und voller Entdeckerfreude.

Sordet zeigt Mut zur Eigenständigkeit, ohne sich von der frankobelgischen Historie zu lösen. Wer den Funny-Stil mag, fühlt sich sofort zu Hause. Fans düsterer Hyperrealismen werden dagegen wenig Neues entdecken. Positiv sticht heraus, wie sehr sich Bild und Story gegenseitig verstärken. Was die Handlung ironisch übertreibt, zeigt das Bild meist mit hintersinnigem Zwinkern.

Ein Double mit Potential

Interessant sind die ironischen Seitenhiebe auf Reisewahn, Bürokratie und Großunternehmen. Die GTC als Mischung aus TÜV und SpaceX liefert zahlreiche Subtexte zur Diskussion um Technikgläubigkeit und Überwachung in einer globalisierten Welt. Diese Metaebene lässt sich leicht genießen, ohne in Philosophie oder Gesellschaftskritik abzudriften.

TELEPORTATION INC. ist kein Teil einer längeren Serie, könnte es aber sein. Das Setting und die Figuren bieten Potenzial für Spin-Offs. Bislang bleibt es jedoch bei diesem Doppel-Album.

Fazit

TELEPORTATION INC. ist ein kurzweiliges, pointiert erzähltes Sci-Fi-Comedy-Abenteuer, das gleichermaßen für Neueinsteiger wie erfahrene Comicfans geeignet ist. Für einen Comic zwischendurch ist dieses Werk genau das Richtige.

Dominique Latil und Romain Sordet liefern ein Werk, das bewusst keine große Dramatik, wohl aber jede Menge Tempo, Humor und popkulturellen Esprit präsentiert. Die Buddy-Dynamik überzeugt, der Funny-Stil sorgt für Lesefreude, und das Setting bietet Anregungen für die Fantasie.

Ein episches Meisterwerk will TELEPORTATION INC. nicht sein. Es genügt ihm, klug und witzig zu unterhalten. Wer Spaß an Sci-Fi mit Herz, Witz und einem Augenzwinkern sucht, findet hier einen echten Hingucker für das Regal. Oder halt für den ruhigen Feierabend bei „leichter“ Lektüre …

• TELEPORTATION INC.
• Jordi Lafebre
• Hardcover | 96 Seiten | Farbe | Double
• ISBN 978-3-96792-293-6
• Storyline: ★★★☆☆
• Zeichnungen: ★★★☆☆
• Farben: ★★★☆☆
• Lettering: ★★★☆☆
• Humor: ★★★☆☆
• Meine persönliche Bewertung: ★★★☆☆
• © Splitter Verlag
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Detektiv Deschamps, genannt Dédé, gehört zu diesem illusteren Kreis, steht dort aber wie der kräftige Cousin aus Paris, der zu spät kommt, immer hungrig ist und trotzdem als Erster merkt, dass etwas nicht stimmt.

In DÉDÉ: BAND 5 – MIR PLATZT GLEICH DER SCHÄDEL schickt Erik seinen Privatermittler an die normannische Küste. Dort wartet jedoch kein gemütlicher Ferienfall auf ihn. Ein Tourist ist mitten auf einer belebten Promenade auf grausame und scheinbar unerklärliche Weise gestorben. Ihm ist im wahrsten Sinne des Wortes der Kopf geplatzt. Wochen später meldet sich ein Erpresser, der eine lautlose Fernwaffe besitzen will und sein nächstes Ziel sei die Industriellen-Familie von Caius Morel.

Ein schöner Einstieg: Erik verbindet ein beinahe groteskes Verbrechen mit der freundlichen Oberfläche eines Badeortes nach Saisonende. Hinzu kommt ein Detektiv, der weder Übermensch noch wandelndes Lexikon ist. Dédé schwitzt, flucht, gerät aus dem Takt und hält dennoch an seinem Auftrag fest. Das Szenario macht Anleihen beim Crime-Noir, der Held jedoch bleibt angenehm fehlbar.

Tatort Strandpromenade

Tréville-Plage sieht zunächst nach einem Ort aus, an dem eine Möwe höchstens ein belegtes Brot stiehlt. Kennt man ja. Dann aber stirbt René Dourreau. Der unbescholtene Tourist wird am helllichten Tag von etwas getroffen, obwohl niemand einen Schützen wahrnimmt. Es gibt keinen hörbaren Schuss und kein übliches Geschoss. Der Tod wirkt so unmöglich, dass die Ermittlungen der örtlichen Kriminalpolizei nach Wochen ohne Ergebnis eingestellt werden.

Das Verbrechen ist nicht nur rätselhaft. Es verletzt die friedliche Ordnung des Ortes. Ich spüre beim Lesen sofort, dass in Tréville-Plage etwas unter der hübschen Oberfläche brodelt. Zugleich bleibt Dourreau zunächst ein großes Fragezeichen. Gerade seine Unauffälligkeit macht den Fall interessant. Weshalb sollte ausgerechnet dieser Mann sterben?

Sechs Wochen später ist die Saison vorbei. Die Urlauber sind abgereist, die Promenade wirkt leerer, die Küste kälter. An diesem Punkt der Ereignisse trifft Dédé ein. Schon seine Ankunft verrät viel über ihn. Die Fahrt läuft nicht glatt, der Wagen macht Ärger und der Detektiv hinterlässt bei seinen neuen Auftraggebern keinen Auftritt wie aus einem Werbeprospekt. Er kommt verschmutzt und verspätet an. Caius Morel, reich, ungeduldig und wenig bereit, Fehler zu verzeihen, empfängt ihn entsprechend kühl.

Damit stehen sich unmittelbar zwei gegensätzliche Kräfte gegenüber. Hier der zahlungskräftige Auftraggeber, der Kontrolle gewohnt ist, dort Dédé mit seinem eigenen Arbeitsrhythmus. Dass diese Verbindung nicht lange friedlich koexistieren kann, zeichnet sich früh ab.

Der Brief im verschlossenen Château

Caius Morel hat einen Grund für seine Nervosität. Ein Brief hat ankündigt, dass der Tod auf der Promenade kein Zufall war. Der Absender beansprucht die Tat für sich und richtet seine nächste Drohung gegen die Familie Morel. Eine Million Euro soll gezahlt werden, die Frist läuft noch in derselben Nacht ab. Dem Brief ist das Bild einer seltsamen Waffe beigefügt. Sie soll aus der Entfernung töten, lautlos und ohne die gewöhnlichen Spuren.

Die Familie zieht sich in ihr Château zurück, niemand möchte zur Zielscheibe werden. Ich mag, wie Erik den vermeintlich sicheren Wohnsitz dabei langsam in einen Käfig verwandelt. Große Räume, Besitz und gesellschaftlicher Rang helfen wenig, sobald eine Gefahr angeblich über Distanz und durch Mauern hindurch wirken kann. Caius Morel versucht zwar, die Lage mit Geld und Befehlen zu beherrschen. Seine unterschwellige Unsicherheit lässt sich jedoch kaum verbergen.

Dédé muss in kürzester Zeit nun zwei Fragen beantworten. Besitzt der Erpresser tatsächlich eine solche Waffe? Oder nutzt ein Nachahmer das ungelöste Verbrechen, um die Morels in Panik zu versetzen? Diese zweite Möglichkeit hält den Fall auf dem Boden. Erik lässt das Unheimliche stehen, ohne den Krimi an eine reine Fantasie-Erklärung auszuliefern.

Der Detektiv prüft das Gelände, hört zu, wägt die bevorstehende Geldübergabe ab und gewinnt dabei keinen souveränen Überblick über alle Beteiligten. Die Morel’s und ihr Umfeld begegnen ihm mit eigenen Interessen und Befindlichkeiten. Jede Auskunft kann helfen oder nur eine Nebelkerze sein. Dédé lässt sich davon jedoch nicht einschüchtern. Doch sein ruhiges Auftreten bekommt erste Risse. Der Auftraggeber verlangt schnelle Ergebnisse, während der Fall ihm jede einfache Antwort verweigert.

Eine Million im Fadenkreuz

Die Geldforderung gibt der Handlung einen harten Takt. Dédé hat keine bequeme Woche für Gespräche, Akteneinsicht und wiederholte Ortsbesichtigungen. Bis zur kommenden Nacht muss ein Plan stehen. Also versucht er, Morel zu schützen, die Übergabe zu organisieren und zugleich herauszufinden, von wo der Erpresser handeln könnte. Diese Mischung ist für ihn kaum zu beherrschen.

In der Dunkelheit verändert Erik den Ton. Das Küstenstädtchen verliert seine Postkarten-Idylle. Wege, Mauern und Aussichtspunkte werden zu möglichen Verstecken. Jeder Blick in die Ferne kann einen Beobachter verraten. Ebenso könnte dort auch eine falsche Spur warten. Dédé bewegt sich nicht wie ein lautloser Schatten durch diese Landschaft. Seine Körperfülle, sein zu kleiner Wagen und seine Neigung, im falschen Augenblick die Geduld zu verlieren, machen ihn sicht- und verwundbar.

Genau hier zeigt sich aber auch, weshalb ich die Figur so gern begleite. Dédé besitzt Mut, aber keine elegante Unantastbarkeit. Wenn ein Plan kippt, reagiert er nicht mit einem überlegenen Lächeln. Er wird hektisch, wütend und mitunter panisch. Trotzdem rennt er weiter. Seine Fehler entstehen aus Druck und Überforderung, nicht aus künstlicher Dummheit.

Die nächtliche Aktion bringt keine klare Lösung. Der Erpresser bleibt Dédé voraus, die Gefahr lässt sich nicht greifen und Caius Morel’s Vertrauen entschwindet. Aus dem versprochenen Zugriff wird ein Durcheinander aus Beobachtung, falschen Annahmen und verpassten Möglichkeiten. Erik nutzt das nicht nur für Komik. Im Gegenteil, das Scheitern verschärft den Fall. Nun weiß Dédé, dass der Täter entweder sehr gut vorbereitet ist oder dass entscheidende Informationen fehlen.

Der Ermittler fliegt aus dem Fall

Caius Morel reagiert folgerichtig – wie Dédé es befürchten musste – und entzieht Dédé den Auftrag. Hier trifft der Rauswurf den Kern der Figur. Dédé lebt davon, dass seine etwas schwerfälligen Methoden am Ende doch Ergebnisse bringen. Wenn das nicht geschieht, verliert er rasch die innere Ruhe. Ärger und Selbstzweifel liegen bei ihm eng beieinander.

Erik gönnt ihm keine triumphale Abkürzung. Der Fall drängt Dédé an körperliche und gedankliche Grenzen. Zugleich bleibt sein Pariser Umfeld wichtig.

Yvette, seine Freundin, das Café La Lorraine und die junge Nachbarin Océane gehören zu jener vertrauten Welt, in der der Ermittler nicht nur als beruflicher Problemlöser existiert. Diese Figuren erden ihn und zeigen, wie sehr er zumindest einige, wenige Beziehungen braucht.

Dann erhält er eine zweite Chance. Der Mörder und Erpresser ist noch nicht gefasst, die angebliche Strahlenwaffe bleibt eine Bedrohung und der Fall bietet mehr Ansatzpunkte, als der erste hektische Einsatz erkennen ließ. Dédé kehrt nicht als plötzlich verwandeltes Genie zurück. Er arbeitet sich erneut über Beobachtungen, Widersprüche und ganz praktische Fragen an die Lösung heran.

Der Band hält den entscheidenden Mechanismus lange zurück. Trotzdem entsteht die Auflösung nicht aus einem beliebigen Zaubertrick. Das scheinbar Fantastische bekommt eine erklärbare Grundlage. Zugleich rückt der Fall näher an menschliche Motive und praktische Gelegenheiten. Ich verrate den Täter nicht. Wichtiger ist ohnehin, wie Dédé sich aus seiner Niederlage herausarbeitet. Er gewinnt nicht, weil er über allen anderen steht. Er gewinnt, weil er nach dem Rauswurf wieder hinsieht.

Die Spur hinter dem unmöglichen Mord

DÉDÉ: BAND 5 – MIR PLATZT GLEICH DER SCHÄDEL ist ein eigenständiger Fall, Vorkenntnisse sind nicht nötig. Wer die früheren Alben kennt, entdeckt jedoch vertraute Seiten des Helden und versteht seine Beziehungen zu Yvette, Océane und dem Café La Lorraine genauer. Die Reihe setzt auf abgeschlossene Kriminalgeschichten, während sich Dédé’s Umfeld von Band zu Band verdichtet.

Erik verbindet in seiner Geschichte drei Tonlagen, die zu leicht auseinanderfallen könnten. Da ist zunächst der klassische Rätselkrimi mit Brief, eine kurze Frist und eine reiche Familie mit verschlossenem Anwesen. Daneben steht ein fast wissenschaftlich wirkendes Rätsel um eine unmögliche Waffe. Schließlich bringt Dédé eine bodenständige Komik in den Fall. Sie entsteht aus Körper, Temperament und Alltag, nicht aus einer Kette aufgesetzter Pointen.

Besonders gut funktioniert für mich, dass Dédé seinen eigenen Fall nicht jederzeit beherrscht. Er wird getrieben, er scheitert und muss neu ansetzen. So bleibt der Fall bedrohlich, obwohl der Comic mich gerne zum Schmunzeln bringt. Gleichzeitig verhindert die humorvolle Seite, dass der grausame Auftakt den gesamten Band in die Dunkelheit zieht.

Das 48-Seiten-Format fordert allerdings seinen Preis. Einige Figuren aus dem Morel-Umfeld bleiben eher Verdachtsmomente als vollständig ausgearbeitete Menschen. Auch die Erklärung am Ende muss mehrere Zusammenhänge zügig ordnen. Die Lösung ist nachvollziehbar, doch ein paar zusätzliche Seiten hätten den Nebenfiguren und den Folgen des Falls gegebenenfalls gutgetan.

Als fünfter Band erfüllt das Album seine Aufgabe dennoch sehr gut. Es bestätigt die Grundidee der Serie, ohne einen alten Fall nur neu aufzurollen. Vor allem stellt es Dédé’s Grenzen deutlicher heraus. Damit gewinnt der Held bei mir an Nähe und Sympathie.

Die Personalakte Erik

Erik bin ich im Mai 2026 auf der INTERCOMIC am Stand des All-Verlages über den Weg gelaufen, ohne zu wissen, wer er ist. Schon damals hatte ich die erste Ausgabe des Comic-Magazins BILDERFLUT in der Hand, aber auch dabei fiel bei mir noch kein Groschen.

Erst kürzlich, als ich dann die BILDERFLUT Ausgabe 2 im Briefkasten hatte und das Interview mit ihm las, fiel es mir wie Schuppen von den Augen und ich beschloss, mich mit Erik und seinem Werk näher zu beschäftigten. So entstand der heutige Artikel.

Erik ist das Pseudonym des 1964 in Dillingen an der Saar geborenen Frank Weißmüller. Er studierte Grafikdesign an der Fachhochschule des Saarlandes in Saarbrücken. Danach arbeitete er zunächst als Art Director in Werbeagenturen. 1993 wechselte er nach Düsseldorf und war dort rund zehn Jahre als Werbetexter tätig. Später machte er sich selbstständig und wandte sich wieder stärker dem Comic zu.

Seine Nähe zur französischen Comic-Tradition kommt offensichtlich nicht aus einem nachträglich gebauten Konzept. Frankreich gehörte seit seiner Kindheit schon zu seinen regelmäßigen Reisezielen. Serien wie ASTERIX, LUCKY LUKE, LEUTNANT BLUEBERRY und MICHEL VAILLANT prägten seine frühe Lektüre. Dédé entstand aus dem Wunsch nach einem Comic, der sich in Atmosphäre und Erzählform an frankobelgischen Alben orientiert, ohne jedoch seine Herkunft zu verleugnen.

Das erste gedruckte Dédé-Album erschien 2010. Parallel wurde Erik auch durch die Fantasy-Reihe DEAE EX MACHINA bekannt. Als Autor, Zeichner und Kolorist hält er bei Dédé alle erzählerischen Mittel in einer Hand zusammen. Für DÉDÉ: BAND 1 – SIND SIE TOT MADAME? erhielt er 2011 den ICOM INDEPENDENT COMIC PREIS für herausragendes Artwork.

Fazit

DÉDÉ: BAND 5 – MIR PLATZT GLEICH DER SCHÄDEL ist ein Krimi, der seinen Trenchcoat mit Humor trägt und die Mordwaffe trotzdem ernst nimmt. Ich mag besonders, wie Erik den scheinbar unmöglichen Fall mit einem Helden verbindet, der keineswegs unfehlbar ist. Dédé stolpert durch die Anfänge, verliert den Auftrag und findet gerade deshalb einen glaubwürdigen Weg zurück.

Die knappe Albumlänge lässt einige Nebenfiguren und die Schlussphase etwas schnell vorbeiziehen. Aber das trübt den positivem Gesamteindruck nur leicht. Zeichnung, Farben und Erzählrhythmus greifen sicher ineinander. Tréville-Plage wird vom Ferienort zur Falle, während Dédé mit Dickköpfigkeit und Ausdauer gegen eine Bedrohung antritt, die zunächst bar jeder Vernunft zu sein scheint.

Am Ende bleibt ein warmherziger, spannender und sehr eigenständiger Detektiv-Comic. Dédé sieht vielleicht nicht aus wie der Mann, der einen perfekten Plan besitzt. Er ist aber genau der Ermittler, dem ich gern noch an viele Schauplätze folge. Gut, dass es aktuell noch die vier ersten Bände zu entdecken gibt …

• DÉDÉ – MIR PLATZT GLEICH DER SCHÄDEL
• Erik
• Hardcover | 48 Seiten | Farbe
• ISBN 978-3-96430-115-4
• Storyline:  ★★★☆☆
• Zeichnungen: ★★★★☆
• Farben: ★★★☆☆
• Lettering: ★★★☆☆
• Humor: ★★★☆☆
• Meine persönliche Bewertung: ★★★☆☆
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